Учебно-методический комплекс дисциплины для обучающегося «История и теория искусства»
| Вид материала | Учебно-методический комплекс |
- Учебно-методический комплекс по специальности: 030602. 65 Связи с общественностью Санкт-Петербург, 693.67kb.
- Учебно-методический комплекс по специальности: 030602. 65 Связи с общественностью Санкт-Петербург, 534.61kb.
- Учебно-методический комплекс по дисциплине «История мирового искусства» Для студентов,, 516.86kb.
- Учебно-методический комплекс по дисциплине психология искусства по направлению 521000, 624.8kb.
- Учебно-методический комплекс по дисциплине Культурология: теория и методология культуры, 509kb.
- Учебно-методический комплекс дисциплины «история государства и права зарубежных стран», 1446.11kb.
- Учебно-методический комплекс по дисциплине дпп. В. 02 Теория и практика стиха (уд-04., 1562.39kb.
- Назарова Вероника Сергеевна учебно-методический комплекс, 2456.13kb.
- Учебно-методический комплекс дисциплины «отечественная история», 391.32kb.
- Учебно-методический комплекс умк учебно-методический комплекс теория и методика воспитания, 1435.61kb.
Рококо – (франц. rococo, от rocaille, рокайль – декоративный мотив в форме
раковины), стилевое направление в европейском искусстве 1-й половины XVIII в. Для рококо характерны гедонистические настроения, уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальным и чувственно-эротическим сюжетам. Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры сказалось главным образом в характере декора, приобретшего подчеркнуто изящные, утонченно-усложненные формы; распространяясь в зодчестве других стран Европы (постройки Г.В. Кнобельсдорфа, И.Б. Нёймана, отчасти М.Д. Пёппельмана), рококо часто выступало как местный вариант позднего барокко.
Жан Антуан Ватто (Jean-Antoine Watteau) (1684–1721)
Французский живописец и рисовальщик, основоположник стиля рококо. Около 1702 г. приехал в Париж, работал как копиист. Учение у живописцев К. Жилло (1703-1707/08 гг.) и К. Одрана (1708-1709 гг.) способствовало пробуждению интереса Ватто к театру и декоративному искусству. Ватто вносил в них особую интимность и лирическую взволнованность. В зрелый период творчества он разрабатывает новый тип сюжетов - театральные сцены и "галантные празднества". Богатство эмоциональных оттенков в этих картинах Ватто подчеркивается пейзажем, изящной выразительностью поз и жестов, изысканностью нежных цветовых сочетаний, трепетной игрой красочных нюансов и как бы вибрирующих мазков. Глубокие размышления Ватто о сущности подлинно высокого искусства, которое он противопоставляет искусству ложно-значительному, парадно-официальному, отразились в "Вывеске лавки Э.Ф. Жерсена" (1720 г., Картинная галерея, Берлин-Далем).
Франсуа Буше (Francois Boucher) (1703–1770) Французский живописец, один из ярких мастеров рококо.
В 1755–1765 гг. руководил Королевской мануфактурой гобеленов в Париже, с 1765 г. - директор Королевской академии живописи и скульптуры, "первый живописец короля", один из ярких мастеров рококо. Буше в начале творческого пути испытал влияние А. Ватто (гравировал его картины), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах ("Вид в окрестностях Бове, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). В некоторых картинах Буше 1720 1730 х гг., теплых и насыщенных по колориту ("Геркулес и Омфала", Государственный музей изобразительных искусств, Москва), заметны отзвуки фламандского искусства
В более поздних работах ("Купание Дианы", 1742 г., Лувр, Париж; портрет маркизы Помпадур, 1752 г., собрание Уоллес, Лондон) с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются свойственные рококо декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление "фарфоровости" фигур.
Жан Оноре Фрагонар (1732—1806). Главными достоинствами его живописи были свет и воздух. Будучи пенсионером в Риме, он писал там виллы и парки, по возвращении в Париж — галантные празднества, бытовые картинки, идиллические семейные сцены, темы исторические и литературные, натюрморт, декоративное полотно. Трудно сказать, в каких жанрах и видах не работал художник. Но чаще всего это галантно-любовные, иногда откровенно эротические, чувственные сцены («Счастливые возможности качелей», 1768; «Поцелуй украдкой», 80-е годы). «Поцелуй украдкой» демонстрирует реалистическое мастерство Фрагонара, точную и тщательную характеристику вещей, которой он научился у «малых голландцев». Но чаще художник пишет очень широко, свободно, динамично, что свидетельствует и о его полезных уроках у Рембрандта. Неисчерпаемое богатство фантазии, необычайно смелый, какой-то текучий мазок, легкость письма, построенного на нежных, изысканных сочетаниях голубых, розовых, палевых тонов, смелые композиции, почти современный по своей лаконичности рисунок — все это делает Фрагонара со всеми его незамысловатыми любовными картинками одним из блестящих художников эпохи, как и Ватто.
Эпоха Просвещения
Просвещение как мощное идейное движение, начавшееся в Англии, формируется во Франции с 40-х годов XVIII в. Монтескье, Вольтер, Гольбах, Руссо происходили из разных слоев общества, но отношение к старому режиму, несостоятельность которого была для них очевидна, требование равенства, оценки человека по заслугам личности, а не по сословным привилегиям объединили мыслящих людей Франции. Так и во Франции началась эпоха Просвещения, определенные нравственные, этические и эстетические принципы которого направили искусство в новое русло.
Раскопки античных городов, некогда погибших под лавой вулкана, работы немецкого ученого Винкельмана с его апологетикой античного искусства, его вышедшая в начале 60-х годов «История искусства древних» изменили эстетические идеалы, вкусы, требования.
Образцом для подражания выдвигается теперь не Рим, который был идеалом для художников Ренессанса и классицистов XVII в., а Эллада, ибо в греческом искусстве больше тепла, задушевности, поэтичности. Стилизация греческого искусства окрашена в какой-то степени романтическим. В моду входит английский ландшафтный парк, с виду не тронутый рукой человека, полная противоположность французскому регулярному. Мостики и хижины в нем возникают, как случайные, руины наводят на размышление.
В орнаментике используются греческие мотивы — меандр, пальметты, гротески. Малый Трианон в Версальском парке (Жак Анж Габриэль, 1763—1764) при классической простоте членений — ширина фасада вдвое больше высоты, первый этаж вдвое выше второго и т. д. — в своем образном решении еще и очень лирическое, интимное сооружение, что и отвечало его назначению. Красота образа складывалась из простоты и ясности пропорциональных членений и форм. Изящество рококо соединено в нем с ясностью рождающегося классицизма. Но уже в начатой через год (1764) архитектором Ж.-Ж. Суф-фло в Париже церкви св. Женевьевы (с 1791 г. — Пантеон, место захоронения знаменитых людей Франции) усиливается героическое начало. И в будущем в творениях Клода Никола Леду суждено будет развиваться именно этой героической линии нового, классицистического направления (Леду, Парижская застава де ла Вил лет).
Просветительские идеи не только влияли в целом на развитие искусства, просветители активно вмешивались в его ход. «Салоны» Дидро были первой формой критической литературы по искусству.
Жак Луи Давид (Jacques-Louis David) (1748–1825)
Французский живописец, основоположник и признанный лидер так называемого революционного классицизма - направления во французском искусстве, воспринявшего у рационалистической просветительской философии XVIII в. культ разума и естественного чувства, выдвинувшего новый тип художника-борца, призванного воспитывать у зрителя высокие моральные качества и гражданские добродетели.
Учился в Королевской академии живописи и скульптуры у исторического живописца Ж. М. Вьена (1766-1774 гг.), в 1775-1780 гг. изучал античное искусство в Риме.
Для произведений Давида 1780 х гг. характерны публицистическая направленность, стремление выразить героические свободолюбивые идеалы предреволюционной эпохи через образы античной истории ("Смерть Сократа", 1787 г., Метрополитен музей; "Ликторы приносят Бруту тела его сыновей", 1789 г., Лувр, Париж). Возвышенность замысла, сценическая торжественность образного строя, чеканная барельефность композиции, преобладание объемно-светотеневого начала над колористическим особенно ярко воплотились в картине "Клятва Горациев" (1784 г., Лувр, Париж), воспринятой обществом как призыв к революционной борьбе. Классицистические представления о волевом и деятельном начале как сущности человеческой личности отразились в портретах Давида этого периода ("Врач А. Леруа", 1783 г., Лувр, Париж).
Воодушевленный событиями Великой французской революции, Давид стремился к созданию исторической картины на современную тему ("Клятва в зале для игры в мяч", 1791 г., не закончена, центральная часть в Национальном музее Версаля, Трианонов). Черты портрета и исторической картины совмещены в картинах "Убитый Лепелетье" (1793 г., не сохранилась, известна по гравюрам) и особенно "Смерть Марата" (1793 г., Музей современного искусства, Брюссель) с их трагическим звучанием, простотой и лаконизмом композиции, суровой сдержанностью цвета и скульптурной монументальностью форм. Давид был активным деятелем революции, членом Конвента (1789-1794 гг.), организовывал массовые народные революционные празднества в Париже, создал Национальный музей в Лувре.
Искусство Ампира
Ампир – (франц. empire – империя, собственно – стиль империи), стиль в архитектуре и декоративном искусстве 1-й трети XIX в., завершающий эволюцию классицизма. Сложился во Франции в период империи Наполеона I: массивные, подчеркнуто монументальные формы архитектуры, военная эмблематика в архитектурных деталях и декоре (ликторские связки, доспехи, лавровые венки, орлы и т.п.), обращение к наследию архаической Греции, императорского Рима, Древнего Египта служили для воплощения идей государственного величия и воинской мощи (работы архитекторов Ш. Персьеи П. Ф. Л. Фонтена; мебель Ф. О. Жакоба). В ряде стран Европы ампир стал выражением идей государственной независимости, отстаивавшейся в антинаполеоновских войнах (творчество Ф. Шинкеля в Германии и др.).
Тема 2. ИСКУССТВО ФРАНЦИИ ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ 19 ВЕКА
Романтизм – (франц. romantisme), идейное и художественное движение в европейской и американской культуре конца XVIII – начала XIX вв. Зародившийся в качестве реакции на рационализм и механицизм эстетики классицизма и философии Просвещения, утвердившийся в эпоху революционной ломки старого миропорядка, романтизм противопоставил утилитаризму и нивелированию личности устремленность к безграничной свободе и бесконечному, жажду совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости.
Франсиско Хосе Гойя-и-Лусьентес (1746–1828)
Испанский живописец, гравер. Происходил из семьи ремесленника-позолотчика, полное имя – Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусиентос. В 1760 г. учился в Сарагосе, в 1766-м — в Мадриде. Получил 2-ю премию за картину «Ганнибал с высоты Альп взирает на покоренные им земли Италии». В 1780 г. был избран в Академию Сан Фернандо, в 1786 г. был назначен придворным живописцем, с 1799 года — «первым живописцем короля».
Гойя сложился в крупного художника сравнительно поздно. Первый значительный успех ему принесли две серии (1776—1791) многочисленных панно, созданных для Королевской мануфактуры Санта Барбара в Мадриде («Завтрак на берегу Мансанареса», «Зонтик», «Маха и ее поклонники», «Слепой гитарист», «Продавец посуды», «Игра в пелоту», «Раненый каменщик», «Деревенская свадьба», «Майский праздник в долине Сан Исидоро», «Игра в жмурки»). С 1780-х годов Гойя стал известным портретистом («Карл III на охоте», «Премьер-министр граф Флоридабланка», «Маркиза Анна Понтехос», «Семья герцога Осуна»).
Сила его творчества нашла воплощение в знаменитой графической серии «Капричос» (1798). Он выступил против мира зла и мракобесия, фанатизма и невежества, нравственных пороков. Реальные жизненные наблюдения здесь слились с безудержной фантазией художника. Не имеет аналогий в ряду парадных изображений написанный с необычайной свободой «Портрет королевской семьи» (1801).
Мировую известность получил живописный исторический диптих 1814 г., запечатлевший трагедию наполеоновского нашествия: «Восстание на Пуэрта дель Соль 2 мая 1808 года» и «Расстрел мадридских повстанцев в ночь на 3 мая». Откликом на драматические события стала серия офортов из 82 листов, известная под названием «Бедствия войны».
Творчество Гойи оказало огромное воздействие на мировую культуру XIX-XX веков не только в живописи и графике, но и в литературе, театре и кино.
Теодор Жерико (Gericault) (1791–1824)
Знаменитый французский живописец и график, основоположник романтизма во французской живописи.
Термин «романтизм» впервые появился в некрологе, посвященному Теодору Жерико (полное имя – Жан Луи Андре Теодор Жерико). Манифестом нового искусства было семиметровое полотно «Плот «Медузы» – трагический репортаж о кораблекрушении фрегата «Медуза». Художник писал полотно в течение двух лет: с 1818 по 1819 год. «Это сама Франция, это наше общество погружено на плот «Медузы», — писал историк Жюль Мишле. Наряду с «Плотом «Медузы» большую известность приобрело полотно «Дерби в Эпсоме» (1821).
В искусстве трещали устаревшие каноны. Рамки классицизма не могли вместить событий, потрясших Европу. В борьбе рождалось новое искусство – романтизм, призванный отразить всю сложность трудного времени.
Как всякому мастеру, открывающему новые пути в искусстве, Теодору Жерико довелось узнать трагедию непризнания и непонимания современников. Творчество Жерико шокировало власть имущих, и они обрушили на мастера лавину невзгод. Достаточно упомянуть, что при жизни художника ни одна его картина не была приобретена государством. Непризнание, бедность и, наконец, недуг, обрекший живописца на полную неподвижность, казалось, были призваны сломить мятежный дух мастера. Но Жерико не сдавался. Превозмогая страдания, наперекор всему он рисовал и записывал в дневник мысли, не дававшие ему покоя. Таков был неистовый романтик. Он умер 26 января 1824 года и был погребен как самый бедный человек во Франции, непризнанный и забытый. Ему было всего тридцать два года. Преждевременная кончина помешала ему написать задуманную большую картину: «Отступление французов из России в 1812 году».
Эжен Делакруа (Eugene Delacroix) (1798–1863)
Французский живописец и график, глава французской романтической школы.
В 1816-1822 учился в Париже в мастерской классициста П. Н. Герена, где сблизился с Т. Жерико; изучал в Лувре живопись старых мастеров (особенно П. П. Рубенса), увлекался современной английской живописью, в первую очередь работами Дж. Констебла. Делакруа посетил Великобританию (1825 г.), Алжир (1831-1832 гг.), Марокко, Испанию, Бельгию. Уже в ранний период творчества ощущение сопричастности великим, изменяющим лицо мира историческим событиям породило пафос и драматический накал произведений Делакруа. Полна эмоционального напряжения и мрачного трагизма картина Делакруа "Данте и Вергилий" ("Ладья Данте", 1822 г., Лувр, Париж), духом активного протеста против жестокости и насилия, глубокого сочувствия к бедствиям греческого народа пронизана "Резня на Хиосе" (1823-1824 гг., Лувр, Париж). Художник предпочитал сюжеты, исполненные драматизма и внутренней напряженности, обращался к событиям Великой французской революции, другим эпизодам национальной истории ("Битва при Пуатье", 1830 г., Лувр, Париж). Органический синтез героической действительности и символики, прекрасной романтической мечты о свободе достигнут им в картине "Свобода на баррикадах" ("Свобода, ведущая народ", 1830 г., Лувр, Париж), изображающей реальных участников Июльской революции 1830 г. рядом с аллегорической фигурой Свободы.
Реализм
Одно время работал в Барбизоне Жан Франсуа Милле (1814— 1875). Родившийся в крестьянской среде, Милле навсегда сохранил связь с землей. Крестьянский жанр — основной жанр Милле. Но пришел к нему художник не сразу. Из родной Нормандии Милле и 1Н 17 и 1844 гг. приезжал в Париж, где приобрел славу портретами и небольшими картинами на библейский и античный сюжеты. Его героем отныне и до конца его творческих дней становится крестьянин. Подобный выбор однако мало отвечал вкусам буржуазной публики, поэтому всю жизнь Милле терпел материальную нужду, но теме не изменил.
Реализм как новое мощное художественное направление активно утверждает себя и в живописи жанровой. Его становление в этой области связано с именем Гюстава Курбе (1819—1877). Реализм, как его понимал Курбе, является элементом романтизма и был сформулирован еще до Курбе: правдивое изображение современности, того, что видит художник. Больше всего наблюдал и лучше всего знал Курбе обитателей своего родного Орнана, деревень его местности Франш-Конте, поэтому именно жители этих мест, сцены из их жизни послужили для Курбе теми «портретами своего времени», которые он создал. Простые жанровые сцены он сумел трактовать как возвышенно-исторические, и незатейливая провинциальная жизнь получила под его кистью героическую окраску.
Родившись в 1819 г. на юго-западе Франции, в зажиточной крестьянской семье местечка Орнан, Курбе в 1840 г. перебирается в Париж, чтобы «завоевать его». Он много работает самостоятельно, копирует старых мастеров в Лувре и овладевает ремеслом живописи. В Салоне 1842 г. он дебютирует «Автопортретом с черной собакой», в 1846 г. пишет «Автопортрет с трубкой». Живопись широкая, свободная, насыщенная светотеневыми контрастами.
После разгрома революции Курбе уезжает в родные места, в Орнан, где создает ряд прекрасных живописные полотен, навеянных простыми сценами орнанского быта. «После обеда в Орнане» (1849) — это изображение себя, своего отца и двух других земляков за столом слушающими музыку. Жанровая сцена, переданная без оттенка анекдотичности или сентиментальности. Однако возвеличение обыденной темы показалось публике дерзостью. Самое знаменитое творение Курбе — «Похороны в Орнане» завершает поиски художником монументальной картины на современный сюжет (1849). Курбе изобразил в этой большой (6 кв. м холста, 47 фигур в натуральную величину) композиции погребение своего деда, на котором присутствует орнанское общество во главе с мэром. Умение передать типическое через индивидуальное, создать целую галерею провинциальных характеров на материале сугубо конкретном — на портретных изображениях родственников, жителей Орнана, огромный живописный темперамент, колористическая гармония, свойственная Курбе неудержимая энергия, цощный пластический ритм ставят «Похороны в Орнане» в ряд с лучшими произведениями классического европейского искусства.
Модерн
Модерн – (франц. moderne – новейший, современный) стиль в европейском и американском искусстве конца XIX в. – 1910-х гг. В стремлении преодолеть эклектизм художественной культуры XIX в. мастера модерна использовали новые технические и конструктивные средства, свободную планировку для создания необычных, подчеркнуто индивидуализированных по облику зданий, все элементы которых подчинялись единому образно-символическому замыслу; фасады построек модерна обладают в большинстве случаев динамичностью и текучестью форм, порой приближающихся к скульптурным или напоминающих природные органические явления.
Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент характерных криволинейных очертаний, пронизанный экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композиционную структуру произведения. Для живописи модерна характерны сочетание "ковровых" орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или тонко нюансированной монохромии. Динамикой и текучестью форм отличается скульптура модерна, виртуозной игрой хрупких линий и силуэтов – графика. Значительная часть художественных открытий и достижений модерна принадлежит искусству XX в. В конце XIX в. с зарождающимся стилем были в той или иной мере связаны бельгийский архитектор В. Орта, живописцы и графики А. де Тулуз Лотрек, П. Гоген, художники группы "Наби" во Франции, Э. Мунк в Норвегии, О. Бёрдслей в Великобритании, Ф. Валлоттон в Швейцарии.
Тема 3. СТИЛИСТИКА ИМПРЕССИОНИЗМА, ПОСТИМПРЕСИОНИЗМА, НЕОИМПРЕССИОНИЗМА
Импрессионизм
Импрессионизм – (франц. impressionnisme, от impression – впечатление)
направление в искусстве последней трети XIX – начала XX вв., мастера которого, фиксируя свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости.
Импрессионизм зародился во французской живописи конце 1860-х гг.: Э. Мане (формально не входивший в группу импрессионистов), О. Ренуар, Э. Дега внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, обратились к изображению мгновенных, выхваченных из потока реальности ситуаций, использовали фрагментарные, на первый взгляд неуравновешенные композиционные построения, неожиданные ракурсы, точки зрения, срезы фигур. В 1870–1880-е гг. формируется пейзаж французского импрессионизма: К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей выработали последовательную систему пленэра, создавали в своих картинах ощущение сверкающего солнечного света, богатства красок природы, растворения форм в вибрации света и воздуха. Название направления произошло от наименования картины К. Моне "Впечатление. Восходящее солнце" ("Impression. Soleil levant"; экспонировалась в 1874 г., ныне в Музее Мармоттан, Париж).
Разложение сложных цветов на чистые составляющие, которые накладывались на холст отдельными мазками, цветные тени, рефлексы и валёры породили беспримерно светлую, трепетную живопись импрессионизма. Отдельные стороны и приемы импрессионизма использовались живописцами Германии (М. Либерман, Л. Коринт), США (Дж. Уистлер), Швеции (А. Л. Цорн), России (К. А. Коровин, И. Э. Грабарь)
и многих других национальных художественных школ. Понятие импрессионизм применяется также к скульптуре 1880–1910-х гг., обладающей некоторыми импрессионистическими чертами – стремлением к передаче мгновенного движения, текучестью и мягкостью формы, пластической эскизностью (произведения О. Родена, бронзовые статуэтки Дега и др.). Импрессионизм в изобразительном искусстве оказал влияние на развитие выразительных средств современной ему литературы, музыки, театра. Во взаимодействии и в полемике с живописной системой импрессионизма в художественной культуре Франции возникли течения неоимпрессионизма и постимпрессионизма.
Неоимпрессионизм – (франц. neo-impressionnisme) течение в живописи, возникшее во Франции около 1885 г., когда его главные мастера Ж. Сёра и П. Синьяк разработали новую живописную технику дивизионизма. Французские неоимпрессионисты и их последователи (Т. ван Рейселберге в Бельгии, Дж. Сегантини в Италии и др.), развивая тенденции позднего импрессионизма, стремились приложить к искусству современные открытия в области оптики, придав методичный характер приемам разложения тонов на чистые цвета; одновременно они преодолевали случайность, фрагментарность импрессионистической композиции, прибегали в своих пейзажах и многофигурных картинах-панно к плоскостно-декоративным решениям.
Постимпрессионизм
Постимпрессионизм – (от лат. post после и импрессионизм) собирательное название основных течений французской живописи конца XIX – начала XX вв. Мастера постимпрессионизма, многие из которых примыкали к импрессионизму, с середины 1880-х гг., искали новые выразительные средства, способные преодолеть эмпиризм художественного мышления и позволить перейти от импрессионистической фиксации отдельных мгновений жизни к воплощению ее длительных состояний, материальных и духовных констант. Для периода постимпрессионизма характерно активное взаимодействие отдельных направлений и индивидуальных творческих систем. К постимпрессионизму обычно причисляют творчество мастеров неоимпрессионизма, группы "Наби", а также В. ван Гога, П. Сезанна, П. Гогена, А. де Тулуз Лотрека.