Учебно-методический комплекс дисциплины для обучающегося «История и теория искусства»
| Вид материала | Учебно-методический комплекс |
- Учебно-методический комплекс по специальности: 030602. 65 Связи с общественностью Санкт-Петербург, 693.67kb.
- Учебно-методический комплекс по специальности: 030602. 65 Связи с общественностью Санкт-Петербург, 534.61kb.
- Учебно-методический комплекс по дисциплине «История мирового искусства» Для студентов,, 516.86kb.
- Учебно-методический комплекс по дисциплине психология искусства по направлению 521000, 624.8kb.
- Учебно-методический комплекс по дисциплине Культурология: теория и методология культуры, 509kb.
- Учебно-методический комплекс дисциплины «история государства и права зарубежных стран», 1446.11kb.
- Учебно-методический комплекс по дисциплине дпп. В. 02 Теория и практика стиха (уд-04., 1562.39kb.
- Назарова Вероника Сергеевна учебно-методический комплекс, 2456.13kb.
- Учебно-методический комплекс дисциплины «отечественная история», 391.32kb.
- Учебно-методический комплекс умк учебно-методический комплекс теория и методика воспитания, 1435.61kb.
XVI столетие для Германии начинается мощным революционным движением крестьянства, рыцарства и бюргерства против княжеской власти и римского католицизма. Тезисы главы немецкой Реформации Мартина Лютера против феодальной церкви в 1517 г. «оказали воспламеняющее действие, подобное удару молнии в бочку пороха» (Маркс К., Энгельс Ф. Соч. 2-е изд., т. 7, с. 392). Революционное движение в Германии потерпело поражение уже к 1525 г., но время крестьянской войны было периодом высокого духовного подъема и расцвета немецкого гуманизма, светских наук, немецкой культуры. С этим временем совпадает творчество самого крупного художника немецкого Возрождения Альбрехта Дюрера (1471—1528).
В творчестве Дюрера как бы слились искания многих немецких мастеров: наблюдения над природой, человеком, проблемы соотношения предметов в пространстве, существования человеческой фигуры в пейзаже, в пространственной среде. По разносторонности, по масштабу дарования, по широте восприятия действительности Дюрер — типичный художник Высокого Возрождения. Он был и живописцем, и гравером, и математиком, и анатомом, и перспективистом, и инженером. Он ездил два раза в Италию, один раз — и Нидерланды, объездил свою родную страну. Его наследие составляют 80 станковых произведений, более двухсот гравюр, более 1000 рисунков, скульптуры, рукописные материалы. Дюрер был крупнейшим гуманистом эпохи Возрождения, но его идеал человека отличен от итальянского. Глубоко национальные образы Дюрера полны силы, но и сомнений, иногда тяжких раздумий, в них отсутствует ясная гармония Рафаэля или Леонардо. Художественный язык усложнен, аллегоричен.
Как истинный представитель ренессансной эпохи, подобно многим итальянским художникам, Дюрер оставил после себя значительные теоретические труды: трактат о пропорции и перспективе «Руководство к измерению», «Учение о пропорциях человеческого тела», «Об укреплении и защите городов».
Дюрер был несомненно самым глубоким и значительным мастером немецкого Возрождения.
Тема 1. ИТАЛЬЯНСКОЕ БАРОККО. АРХИТЕКТУРА. СКУЛЬПТУРА.
Барокко – (итал. barocco, буквально – причудливый, странный) один из главенствующих стилей в архитектуре и искусстве Европы и Латинской Америки конца XVI – середины XVIII вв. Стиль барокко воплотил новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости. Его эстетика строилась на коллизии человека и мира,
идеальных и чувственных начал, разума и иррационализма. Искусству барокко свойственны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектной зрелищности, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени. Всеобъемлющий характер приобрел в эпоху барокко синтез искусств: городские ансамбли, дворцы и церкви благодаря причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и абрисам приобрели живописность и динамичность, как бы вливались в окружающее пространство; интерьеры зданий украшались многоцветной скульптурой, лепкой,
резьбой, зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живописьплафонов создавала эффект разверзшихся сводов.
С начала X VI столетия Центральная Европа вступила в период обострения классовых противоречий, породивших движение Реформации и крестьянских войн, а с подавлением движения — в период феодально-католической реакции, или Контрреформации, когда особенно яростно столкнулись между собой отношения феодальные и капиталистические. Сложность и противоречивость эпохи интенсивного образования абсолютистских национальных государств в Европе принесли с собой новую культуру, которую принято в истории искусства связывать со стилем барокко, но которая не исчерпывается только этим стилем. XVII столетие — это не только искусство барокко, но и классицизм, и реализм.
Для барокко характерна живописная иллюзорность, желание обмануть глаз, выйти (например, в плафоне) из пространства изображенного в пространство реальное. Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, партеры, бассейны, боскеты, городские и загородные резиденции построены на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчинения общему декоративному оформлению.
Барокко в живописи предпочитает линии живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и лепит форму. Оно нарушает принципы деления пространства на планы, принципы прямой линейной перспективы, которой столько сил отдали художники кватроченто, для усиления глубинности, иллюзии ухода в бесконечность.
Тема 2. ЖИВОПИСЬ БАРОККО
Микеланджело Караваджо, или Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da
Caravaggio (1573–1610)
В живописи Италии на рубеже XVI—XVII вв. возникают два главных художественных направления: одно связано с творчеством братьев Карраччи и получило наименование «болонского академизма», другое — с искусством самого крупного художника Италии XVII в. Караваджо. Итальянский живописец, основоположник реалистического направления в европейской живописи XVII в. Учился в Милане (1584-1588 гг.); работал в Риме (до 1606 г.), Неаполе (1607 и 1609-1610 гг.), на островах Мальта и Сицилия (1608-1609 гг.).
Караваджо, не принадлежавший к определенной художественной школе, уже в ранних произведениях противопоставил индивидуальную выразительность модели, простые бытовые мотивы ("Маленький больной Вакх", "Юноша с корзиной фруктов" - оба в Галерее Боргезе, Рим) идеализации образов и аллегорическому истолкованию сюжета, свойственным искусству маньеризма и академизма. Новую, интимно-психологическую интерпретацию получили у него традиционные религиозные темы ("Отдых на пути в Египет", Галерея Дориа-Памфили, Рим). Отрицая господствующую иерархию жанров, художник внес большой вклад в становление натюрморта ("Корзина с фруктами", около 1596 г., Пинакотека Амброзиана, Милан) и бытового жанра ("Гадалка", Лувр, Париж) как самостоятельных видов станковой живописи. Зрелые произведения Караваджо - это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой ("Призвание апостола Матфея" и "Мученичество апостола Матфея", 1599-1600 гг., церковь Сан-Луиджи деи Франчези в Риме; "Положение во гроб", 1602-1604 гг., Пинакотека, Ватикан; "Смерть Марии", около 1605-1606 гг., Лувр, Париж). Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита - приемах, создающих эмоциональное напряжение. Подчеркнутая "простонародность" типажей, утверждение идеалов демократизма поставили Караваджо в оппозицию по отношению к современному искусству, обрекли его в последние годы жизни на скитания по югу Италии.
Болонская школа – одна из школ итальянской живописи с центром в городе Болонья. Как историко-художественное понятие связывается прежде всего с одним из течений итальянской живописи эпохи формирования и расцвета барокко. Художники Болонской школы конца XVI–XVII вв. (братья Карраччи, Г. Рени, Доменикино), опиравшиеся на несколько внешне воспринятые художественные приемы мастеров Высокого Возрождения, в своих декоративно-эффектных станковых композициях, алтарных образах и монументальных росписях заложили основы европейского академизма.
Тема 3. ИСКУССТВО ИСПАНИИ 17 ВЕКА
Эль Греко, или Доменико Теотокопули (El Greco, Domenikos Theotocopuli) (1541–1614)
Первый выдающийся художник испанской школы живописи. Грек с острова Крит, Эль Греко учился, видимо, у местных иконописцев. После 1560 г. приехал в Венецию (о. Крит в то время находился в зависимости от Венеции), где, возможно, обучался у Тициана. С 1570 г. работал в Риме, испытал воздействие Микеланджело, Я. Бассано, Я.Тинторетто. Расцвет таланта Эль Греко наступил в Испании, куда он переехал около 1577 г. и где, не получив признания при королевском дворе в Мадриде, поселился в Толедо.
Лица героев Эль Греко всегда удлиненные, аскетические, | ч аза посажены асимметрично и широко открыты. Напряженный динамизм пронизывает все композиции мастера. Его портреты I рандов, высшей кастильской знати все чем-то похожи друг на друга: этих людей снедает внутренний огонь, на их бледных лицах горят не видящие внешний мир глаза, они полны напряжения | ножной духовной жизни. В пейзажах Эль Греко, изображающих Толедо в грозу, во вспышках молнии, Эль Греко подчеркивает ничтожность человека перед силами природы, и в этом одно из резких отличий в восприятии природы человеком барокко и человеком Ренессанса. В глубоко своеобразном и выразительном 1н кусстве Эль Греко, рожденном в среде древнего вырождающеюся кастильского дворянства и фанатичного монашества, много мистики, экзальтированности, исступления, даже ложной патетики и изломанности, что позволяло и позволяет некоторым исследователям относить его к художникам маньеристического направления. Мучшее же, что есть в его искусстве, имело большое влияние на формирование живописи Испании в XVII в. зрелом творчестве мастера, родственном поэзии испанских мистиков XVI в. (Хуан де ла Крус и др.), в иллюзорно-беспредельном пространстве стираются грани между землей и небом, реальные образы получают утонченно-духовную интерпретацию (торжественно-величавая композиция "Погребение графа Оргаса", 1586-1588 гг., церковь Санто-Томе, Толедо; "Святое Семейство", около 1590-1595 гг., Музей искусства, Кливленд). Резкие ракурсы и неестественно вытянутые пропорции порой создают эффект стремительного изменения масштаба фигур и предметов, то внезапно вырастающих, то исчезающих в глубине картинного пространства ("Мученичество Св.Маврикия", 1580-1582 гг., Эскориал).
Диего Родригес де Сильва Веласкес (Diego Rodriguez de Silva Velasquez) (15992–1660)
Великий испанский живописец. Учился в Севилье у Ф. де Эрреры Старшего и Ф.Пачеко (1610-1616 гг.), в 1617 г. получил звание мастера. До 1623 г. Веласкес работал в Севилье. Рано обратившись к кругу новых для испанской живописи тем и образов, в сценах из народной жизни "бодегонес" (от испанского bodegon - "харчевня") создал галерею ярко характерных, полнокровных народных типов ("Завтрак", около 1617-1618 г., Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; "Водонос", около 1620 г., Музей Уэллингтона, Лондон). Контрастное освещение фигур, выдвинутых на передний план, плотность письма, интерес к точной передаче внешних особенностей натуры сближают живопись Веласкеса севильского периода с творчеством Караваджо.
На формирование Веласкеса как портретиста огромное воздействие оказала жизнь при королевском дворе, научившая художника постигать глубины человеческого характера, скрытые под маской придворного этикета. Бесстрастно-холодные парадные конные портреты королевских особ (инфанта Балтасара Карлоса, 1634-1635 гг., Прадо, Мадрид) отличаются сдержанным великолепием поз, одежд, коней, величием пейзажных фонов. В поясных или погрудных портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. В этих полотнах обычно отсутствуют аксессуары, жесты, движение. Нейтральный фон обладает глубиной и воздушностью; темные тона одеяний направляют внимание зрителя на ровно освещенные лица
Веласкес писал без предварительных набросков, прямо на холсте, органично соединяя непосредственные впечатления от натуры со строгой продуманностью композиции, достигая впечатления, казалось бы, вольной импровизации и вместе с тем широкого обобщения. Творчество Веласкеса - вершина испанской живописи XVII в. и одно из ярчайших явлений мирового искусства.
Тема 4. ИСКУССТВО ФЛАНДРИИ
Питер Пауэл Рубенс (Peter Paul Rubens) (1577–1640)
Фламандский живописец, блестящий представитель европейского барокко. С 1589 г. жил в Антверпене, где получил всестороннее гуманитарное образование. Рано посвятив себя живописи, учился (с 1591 г.) у Т. Верхахта, А. ван Норта, О. Вениуса (ван Вена). В 1600–1608 гг. Рубенс побывал в Италии, где изучал произведения Микеланджело, живописцев венецианской школы, братьев Карраччи, Караваджо. Вернувшись в Антверпен, Рубенс занял место главного придворного живописца правительницы Фландрии инфанты Изабеллы Австрийской. Уже в его первых после возвращения картинах проявилось стремление к переработке итальянских впечатлений в духе национальных художественных традиций.
В 1612–1620 гг. складывается зрелый стиль Рубенса. Обращаясь к темам, почерпнутым из Библии и античной мифологии, он трактовал их с исключительной смелостью и свободой. Фигуры людей, античных божеств, животных, изображенные на фоне цветущей и плодоносящей природы или величественной фантастической архитектуры, сплетаются в его картинах в сложные композиции, то гармонически уравновешенные, то пронизанные буйной динамикой. Со страстным "языческим» жизнелюбием Рубенс воссоздает полнокровную красоту обнаженного человеческого тела, воспевает чувственную радость земного бытия ("Союз Земли и Воды", около 1618 г., Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; "Похищение дочерей Левкиппа", около 1619–1620 гг., Старая пинакотека, Мюнхен). Постепенно художник достиг исключительного мастерства в передаче тончайших градаций света и цвета; теплые и свежие тона его картин мягко перетекают один в другой, телесно-розовые, жемчужно-серые, красно-коричневые и мягкие зеленые оттенки сливаются в ликующую праздничную гамму.
К концу 1610-х гг. Рубенс получил широкое признание и известность. Большая мастерская художника, в которой работали такие крупные живописцы, как А. ван Дейк, Я. Йорданс, Ф. Снейдерс, выполняла по заказам европейской аристократии многочисленные монументально-декоративные композиции. Среди них – цикл картин "История Марии Медичи" (около 1622–1625 гг., Лувр, Париж) для французского королевского двора, в котором Рубенс мифологические и аллегорические фигуры совместил с реальными историческими персонажами. С исключительным мастерством и чувственной убедительностью воссоздавал Рубенс физический облик и особенности характера модели в парадных портретах этого периода (портреты Марии Медичи, около 1622–1625 гг., Прадо, Мадрид, графа Т.Эренделя с семьей, 1620 г., Старая пинакотека, Мюнхен). Особой виртуозностью и лиричностью отличаются интимные портреты Рубенса, в том числе "Портрет камеристки инфанты Изабеллы" (около 1625 г., Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), в котором он с помощью прозрачных цветовых переходов и мягких рефлексов передает поэтическое обаяние и трепетную жизненность модели.
Тонкой наблюдательностью, лаконизмом, мягкостью и легкостью штриха отличаются многочисленные рисунки Рубенса: зарисовки голов и фигур, изображения животных, эскизы композиций и др. Исполненное страстного жизнелюбия, многогранное и виртуозное по мастерству творчество Рубенса оказало огромное воздействие на фламандских живописцев, на многих художников XVIII-XIX вв. (А. Ватто, Ж.О.Фрагонара, Э.Делакруа, О.Ренуара и др.).
Тема 5. ГОЛЛАНДСКОЕ ИСКУССТВО
В XVII в. Голландия стала образцовой капиталистической страной. Она вела обширную колониальную торговлю, у нее был мощный флот, кораблестроение было одной из ведущих отраслей промышленности. Трудолюбивые земледельцы, голландцы на сравнительно небольших пространствах земли сумели создать такое молочное хозяйство, что прославились на общеевропейском рынке. В конце XVII — начале XVIII в. с выступлением на международной торговой арене Англии и Франции Голландия теряет свое экономическое и политическое значение, но на протяжении всего XVII столетия она является ведущей экономической державой Европы.
Одновременно Голландия в этот период — и важнейший центр европейской культуры Борьба за национальную независимость, победа бюргерства определили и характер голландской культуры XVII в. Протестантизм (кальвинизм как его форма), вытеснивший полностью влияние католической церкви, привел к тому, что духовенство в Голландии не имело такого влияния, как во Фландрии и тем более в Испании или Италии. Лейденский университет был центром свободомыслия.
Главное достижение голландского искусства XVII в. — в станковой живописи. Человек и природа были объектами наблюдения и изображения голландских художников. Трудолюбие, усердие, любовь к порядку и чистоте нашли отражение в картинах, изображающих голландский быт. Бытовая живопись становится одним из ведущих жанров, создатели которого в истории получили наименование «малых голландцев», то ли за непритязательность сюжетов, то ли из-за малых размеров картин, а может быть, и за то, и за другое. Голландцы хотели видеть в картинах весь многообразный мир. Отсюда широкий диапазон живописи этого столетия, «узкая специализация» по отдельным видам тематики: портрет и пейзаж, натюрморт и анималистический жанр. Живопись на евангельские и библейские сюжеты представлена так же, но далеко не в таком объеме, как в других странах, равно как и античная мифология. В Голландии никогда не было таких связей с Италией и классическое искусство не играло такой роли, как во Фландрии. Овладение реалистическими тенденциями, сложение определенного круга тем, дифференциация жанров как единый процесс находят завершение к 20-м годам XVII в. Но в каком бы жанре ни работали голландские мастера, везде они находят поэтическую красоту в обыденном, умеют одухотворить и возвысить мир материальных вещей.
Рембрандт Харменс ван Рейн (Rembrandt Harmensz van Rijn) (1606–1669)
Голландский живописец, рисовальщик и офортист. Творчество Рембрандта, проникнутое стремлением к глубоко философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства XVII в., один из пиков мировой художественной культуры. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: он писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы, был непревзойденным мастером рисунка и офорта.
Расцвет пейзажной живописи в голландской школе относится к середине XVII в. Крупнейшим мастером реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдаль (1628/29—1682), художник неистощимой фантазии. Его произведения обычно исполнены глубокого драматизма, изображает ли он лесные чащи («Лесное болото»), ландшафты с водопадами («Водопад») или романтический пейзаж с кладбищем («Еврейское кладбище»). Природа у Рейсдаля предстает в динамике, в вечном обновлении. Даже самые простые мотивы природы приобретают под кистью художника монументальный характер. Рейсдалю свойственно сочетать тщательную выписанность с большой жизненной целостностью, с синтетичностью образа.
Голландский натюрморт — одно из художественных претворений самой важной темы голландского искусства — темы частной жизни обыкновенного человека. Эта тема в полной мере получила свое воплощение в жанровой картине. В 20—30-х годах XVII в. голландцы создали особый тип небольшой мелкофигурной картины. 40—60-е годы — расцвет живописи, прославляющей спокойный бюргерский быт Голландии, размеренное повседневное существование. Но еще в кругу Франса Хальса, где сложился и Адриан Броувер, фламандский живописец, сформировался отчетливый интерес к темам из крестьянского быта. Адриан ван Остаде (1610— 1685) изображает обычно теневые стороны быта крестьянства («Драка»). С 40-х годов в его творчестве сатирические ноты все чаще сменяются юмористическими («В деревенском кабачке», 166 1660). Иногда эти маленькие картины окрашены большим лирическим чувством. По праву шедевром живописи Остаде считается его «Живописец в мастерской» (1663), в котором художник прославляет творческий труд, не прибегая ни к декларации, ни к пате-гике.
Тема 7. ИСКУССТВО ФРАНЦИИ 17 ВЕКА
XVII век — время формирования единого французского государства, французской нации. Во второй половине столетия Франция — самая могущественная абсолютистская держава в Западной Европе. Это и время сложения французской национальной школы в изобразительном искусстве, формирования классицистического направления, родиной которого по праву считается Франция.
Никола Пуссен (Nicolas Poussin) (1594–1665) - французский живописец и рисовальщик, основоположник классицизма, мастер исторического жанра.
Пуссен воплощал идеи своего времени в образах античных героев, видя в этом высокую воспитательную цель искусства - использовать достойные примеры деяний граждан древности в назидание современникам. В античности художник находил как бы осуществленными свои мечты о справедливом общественном устройстве, о благородном человеке, поступками которого управляют не инстинкты и страсти, а твердый и спокойный разум. Долг перед отечеством он полагал превыше всего. По мнению Пуссена, в основе всякого творчества прежде всего должен быть разум. Именно разум диктует художнику принципы и закономерности художественной формы, определяет ее стройную логику, выражающуюся в ясности построения композиции, обозримости ее, четкости ритмов и гармоничности цветовых пятен.
Луи Лево и Андре Ленотр впервые пытаются перспективно решить эту проблему во дворце и парке Во ле Виконт близ Мелена (1657—1661). Дворец Во справедливо считается прообразом главного создания м горой половины XVII в. — Версальского дворца и парка. В довольно пустынной местности, в 18 км от Парижа, вырос сказочный дворец (1668—1669), в безводном месте забили фонтаны, вырос гигантский парк. Версальский королевский дворец был построен Лево и на последних этапах — Ардуеном Мансаром. От гигантской площади перед дворцом отходят три проспекта, три дороги — на Париж, Сен-Клу и Со (также резиденции короля). Дворец, фасад которого тянется на полкилометра, имеет три этажа: первый — основа, опора, тяжелый и рустованный, второй — главный, парадный и потому самый высокий, и третий, венчающий здание и легкий. Экстерьер здания классицистически строг, чередование окон, пилястр, колонн создает четкий, спокойный ритм. Все это не исключает пышной декоративной отделки, особенно в интерьере. Ибо ни одно время не давало такого «соединенного действия всех искусств», такого синтеза искусств, как Версальский дворец. Интерьеры дворца состоят из анфилады комнат, кульминацией роскошного убранства которых должна была быть спальня короля, где начинался и кончался его день и где происходили аудиенции. Роскошью поражала и Зеркальная галерея (длина 73 м, ширина 10 м, построена в 1678—1680 гг.) между «Залом войны» и «Залом мира», с окнами, выходящими в сад, с одной стороны, и зеркалами, в которых вечером в свете свечей множилось, дробилось отражение нарядной придворной толпы, — с другой.
С 17 века Франция прочно и надолго занимает ведущее место в художественной жизни Европы. Но в конце правления Людовика 14 в искусстве появляются новые тенденции, и искусству 18 века предстоит развиваться в другом направлении.