Методическое пособие по курсу «Музыкальная культура»
| Вид материала | Методическое пособие |
- Методическое пособие в помощь студентам вечернего факультета (специальность «тележурналистика»), 1028.16kb.
- И. В. Бернгардт литературно музыкальная гостиная учебно-методическое пособие, 582.04kb.
- Содержание лекций по курсу «Музыкальная культура в контексте мировой художественной, 804.79kb.
- Культура Древнего Востока учебно-методическое пособие, 764.22kb.
- Методическое пособие по курсу: «История и философия науки», 337.53kb.
- Л. Г. Петухова практикум по курсу «стратегический менеджмент» Учебно-методическое пособие, 1986.81kb.
- Методическое пособие по курсу «Базы данных и информационные системы» 2011, 489.34kb.
- Брянского Государственного Университета им акад. И. Г. Петровского Данное учебно-методическое, 1358.53kb.
- Учебно методическое пособие по курсу " россия в мировой истории" москва 1998, 374.71kb.
- Учебно методическое пособие по курсу " россия в мировой истории" москва 1998, 395.93kb.
Итальянский композитор, скрипач, дирижер, педагог. Учился у своего отца Джеван Баттисты Вивальди-скрипача собора Сан-Марко в Венеции, возможно также у Дж. Легренции. В 1703-25 педагог, затем дирижер оркестра и руководитель концертов, а также директор (с 1713) женской консерватории «Пьета» (в 1735 вновь недолго был капельмейстером). Сочинял музыку для многочисленных светских и духовных концертов консерватории. Одновременно писал оперы для театров Венеции (участвовал в их постановке). Как скрипач-виртуоз концертировал в Италии и др. странах. Последние годы провел в Вене.
В творчестве Вивальди высшего расцвета достиг соncerto grosso. Опираясь на достижения А. Корелли, Вивальди установил для соncerto grosso 3-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Он создал жанр сольного инструментального концерта, способствовал развитию виртуозной скрипичной техники. Музыкальный стиль Вивальди отличают мелодичность щедрость и экспрессивность звучания, прозрачность окраски письма, классическая стройность в сочетании с эмоциональным богатством. Концерты Вивальди послужили образцами концертного жанра для многих композиторов, в т.ч. И.С. Баха (переложил около 20 скрипичных концертов Вивальди для клавесина и органа). Цикл «Времена года» - один из ранних образцов программной оркестровой музыки. Существен вклад Вивальди развитие инструментовки (он первым применил гобои, валторны, фаготы и др. инструменты как самостоятельные, а не дублирующие). Инструментальный концерт Вивальди явился этапом на пути формирования классической симфонии. В Сиене создан Итальянский институт имени Вивальди (возглавлял Ф. Малипьеро).
Сочинения:
Оперы (27)-в том числе Роланд - мнимый безумный (Orlando fiato pozzo, 1714, там же), Коронация Дария (L’incoronazione di Daria, 1716, там же), Обман, торжествующий в любви (L’ingamo trionfante in amore, 1725, там же), Фарначе (1727, там же, позднее также под названием Фарначе, правитель Понта), Кунегонда (1727, там же), Олимпиада (1734, там же), Гризельда (1735, театр «Сан-Самуэле», Венеция), Аристод (1735, там же), Оракул в Мессении (1738), театр («Сант-Анджело», Венеция), Ферасп (1739, там же);
Оратории:
Моисей, бог фараона (Моуses Deus Рharaonis, 1714), Торжествующая Юдифь (Juditha Triumphans devicta holo-barbarie, 1716), Поклонение волхвов (L’Adorazione delli tre Re Magi, 1722);
Светские кантаты (56)-
В том числе 37 для голоса с бассо континуо, 14 для голоса со струн,
оркестром большая кантата Глориа и Гименей (1725);
Серенады для 1-4 голосов-
В том числе Празднующая Сена (La Senna festig-giante, 1729);
Культовая музыка (около 55 произведений)-
В том числе 8{аЬа1 Ма1ег, мотеты, псалмы и др.;
Инструментальные.
Произведения-76 сонат (с бассо континуо), в том числе 30 для скрипки, 19 для 2 скрипок, 10 для виолончели, 1 для скрипки и виолончели, 2 для лютни и скрипки, 2 для гобоя; 465 концертов, в том числе 49 кончерта гросси, 331 для одного инструмента с бассо континуо (228 для скрипки, 27 для виолончели, 6 для виоль дамур, 13 для поперечной, 3 для продольной флейт, 12 для гобоя, 38 для фагота, 1 для мандолины) 38 для 2 инструментов с бассо континуо (25 для скрипки, 2 для виолончели, 3 для скрипки и виолончели, 2 для валторн, 1 для мандоли), 32 для 3 и более инструментов с бассо континуо.
Антонио Вивальди, или, как многие его называют, «итальянский Бах» - один из наиболее выдающихся композиторов музыкального барокко, точнее «позднего барокко» (первая половина 18 века). Одна из важных черт этой эпохи - сосуществование в ней самых различных и часто противоположных жанров и стилей. Наряду с расцветом полифонических музыкальных форм, нашедших свое воплощение в творчестве Баха и Генделя, развиваются и утверждаются светские формы, в особенности, сольный инструментальный концерт. Вивальди - один из создателей этого жанра. Концерты воплощают многие важные черты стиля барокко. С одной стороны, это эмоциональная приподнятость, яркость музыкальных контрастов, образные противопоставления, красочные фигурации мелодий, придающие музыке праздничность и эффективность. С другой стороны - рельефно очерченные грани формы и логика развития музыкального материала. Шесть скрипичных концертов Вивальди, убеждают еще раз, что этот жанр для композитора (к тому же, известного в свое время скрипача) неисчерпаем по своим возможностям. Многие произведения знаменитого венецианца имеют программный характер, но «Четыре времени года» - самые знаменитые. Настроения, вызываемые картинами природы и сельской жизни, воплощены в ярких мелодических образах, полных неистощимой изобретательности и творческой фантазии.
Антонио Вивальди (1768-1741) «четыре Времени Года», концерты для скрипки с оркестром, ор.8
Антонио Вивальди не просто великий композитор - он был примером для композиторов, ставших много позже классическими. Иоганн Себастьян Бах интересовался его произведениями, особенно скрипичными концертами, транскрипции которых он создал для других инструментов.
Шесть концертов Вивальди он переложил для фортепиано или органа с оркестром. Эти произведения в течение более полутора веков считались произведениями Баха. И как ни удивительно, но книг на русском языке посвященных Антонио Вивальди практически нет. Только редкие заметки в журналах и сборниках. И все же и в них можно найти много интересного.
В одних источниках говорится, что Вивальди называли «рыжим попом», а в других - «красным ксендзом». Оставим это на совести переводчиков. Известно лишь, что подобные прозвища он получил благодаря ярко рыжему цвету своих волос. Вивальди был мал ростом, с впалой грудью и узкими плечами. Всегда одет в черный костюм аббата. Крупная, задорно откинутая назад голова с рыжим волосами. Лицо печального, почти ротесскное, с высоким покатым лбом, худыми щеками, немного крючковатым носом и выступающим вперед подбородком. Глаза большие, светлые, немного грустные.
Аббат, лишенный сана, вечно преследуемый церковными властями, и великий музыкант, написавший огромное количество произведений, он казался натурой странной и противоречивой, а в жизни был на редкость настойчив и целеустремлен.
С юных лет этот человек имел слабое здоровье - страдал припадками удушья, не мог подниматься по лестницам, ходить пешком. Но огромная внутренняя энергия и творческая одержимость заставляли его проводить огромную, неуклонную работу, которая была бы непосильна даже для большинства здоровых и крепких людей. Он старался делать все - сочинять, играть, преподавать, руководить оркестром и оперными труппами и, несмотря на болезнь, блестяще справлялся со своими многочисленными обязанностями.
Быстрота, с какой он работал, поразительна: оперу в трех «Тито Манлио» закончил в пять дней, партитуру нового концерта он писал скорее, чем переписчик снимал с нее копию. К каждому, а их было великое множество в католической Италии, он создавал новое произведение, поставку которого готовил за три-четыре репетиции. А результат вызывал восторг у самых требовательных знатоков и музыкантов.
Вопросы музыки его всегда интересовали больше, чем вопросы религии. Если во время службы ему приходила в голову какая-нибудь музыкальная тема, он тут же покидал алтарь, что ее записать.
С 1703 года был приглашен в венецианскую женскую консерваторию «Оspedafe della Pieta» как руководитель классов скрипки, пения и оркестра. А в 1718-1722 годах находился на службе у герцога Мантуанского. Концентрировал в Италии и других европейских странах. В 1725 году был отстранен от работы в «Рieta», а десятью годами позже вновь приглашен туда в качестве руководителя оркестра. В результате столкновений с церковными кругами покинул Венецию и переехал в Вену, где и провел последние годы жизни. Выходец из «низов», он был любимцем и другом королей многих стран Европы и завоевал мировую славу.
Вивальди впервые вводит тип концерта для скрипки и оркестра. А также для двух и четырех скрипок. Им создано около двадцати таких концертов, в том числе единственный в истории концерт для двух мандолин. Его цикл «Времена года» и другие программные концерты принадлежат шедеврам мировой музыки.
Более 500 крупных инструментальных произведений (в том числе 465 концертов) 48 опер, кантаты, мессы и другие творения - также итог деятельности Вивальди.
После смерти Вивальди был забыт, и лишь с 20х годов нашего столетия нашего столетия началось его возрождение. Прекрасная возвышенная и жизнерадостная музыка прославленного итальянского композитора повсеместно звучит сейчас на концертных эстрадах, завоевывая сердца миллионов слушателей во всем мире.
Из-за своих рыжих волос Джованни Вивальди был известен под именем Джованни Росси. Антонио унаследовал их, и после посвящения в духовный сан в 1703 г., получил прозвище «красный поп». Несмотря на это, Вивальди на деле выполнял очень мало духовных функций. Он оправдывал это тем, что, он называл слабым здоровьем, но, вероятно, это было ипохондрией, так как его потрясающая активность не дает повода разглядеть какие-либо настоящие физические слабости.
Ранняя деятельность Вивальди. В 1693 году, в возрасте 15 лет, Вивальди выполнял мелкие поручения в церкви Св. Марка в Венеции. В то же время он обучался игре на скрипке и изучал музыкальную теорию. В 1704-40 гг. был нанят приютом для девочек-найденышей в Венеции, имевшим неплохие, полностью женские, оркестр и хор. Тем не менее, он много раз выезжал из Венеции - вначале, в 1713г., наблюдать за постановкой своей первой оперы в Виченце, затем, в 1718г., вместе с отцом они приняли руководство Театро Сан Анжело в Венеции. Там он поставил много своих опер, пока не получил направление на три года в Мантуро в качестве maestro di capella. Все это время он вынужден был посылать концерты, мотеты и хоровые работы по почте в приют, чтобы держать там за собой место.
Оперный успех.
В Триесте в 1728 г. император Карл VI был настолько увлечен Вивальди, что, говорили, «сказал ему одному за две недели больше, чем своим министрам за два года». Вивальди посвятил свои соч. 9 La centra («Лира») императору, затем взял позволение посетить Прагу и Вену. В 1730-32 гг. пять из его опер были поставлены в Праге. До нас дошли детали лишь одной из них, но, возможно, мы сможем утешиться тем фактом, что много работ, описываемых в свое время, как оперы, на самом деле были переработками или pastiches более ранних композиций. Лишь недавно, с общим ростом к Вивальди, стала доступной сколько-то значительная информация о его операх. В 1739 г. возвратился в Венецию, чтобы узнать, что его музыка вышла из моды, отец потерял руководство над их театром, и что у его музыки в этом театре, скорей всего, нет будущего. Он попробовал в других местах, но его планы преследовали неудачи: его намерение поставить оперу в Феррере разрушил местный архиепископ, который вообще запретил Вивальди посещать город по той простой причине, что опера - совершенно неподходящее занятие для священника. В мае 1740 г. Вивальди отправился в ставшее его последним путешествии в Вену. Он снял там жилье, но, когда император Карл VI пять месяцев спустя скончался, надежды Вивальди на покровительство умерли вместе с ним. Здоровье и ресурсы старого композитора таяли и через год, против ночи 27 июля, он умер в нищете. Мало кто пришел на его убогие похороны, хотя композитор Йозеф Гайдн был одним из хористов. Музыкальное наследие Вивальди.
Cуществует много печатных либретто, свидетелей деятельности Вивальди, но его партитур сохранилось намного меньше. Все существующие выполнены в обычном стиле итальянской seria 18-го столетия. Это была традиционная форма, как ее определил Моцарт впоследствии, как повод писать более жизненные и интеллектуально стимулирующие. Работы Вивальди состоят из трех актов, объединяющих речитативы, continuo и da capo arias: мало дуэтов или трио, зато всегда хорал в качестве финала, исполняемый солистами.
В своих инструментальных работах Вивальди в основном заметен из-за звучания скрипичных композиций. Он, вероятно, был очень хорошим скрипачом, и практическое знание инструмента позволяло ему создавать удивительно колоритные и легко усваиваемые образы знакомых сюжетов. Кроме того, структура его последнего концерта предвосхитила появление законченных классических форм Моцарта и Бетховена. Ценны не только собственные работы Вивальди - он также обеспечил поколения будущих композиторов полезным для работы материалом, - И.С. Бах извлек очень много из доступной музыки Вивальди, которую к своему преимуществу, он неоднократно использовал.
6. «Титан» музыкального искусства эпохи «барокко» И.С. Бах
Великая и мощная, будто вылитая из бронзы, выступает перед нами из глубины веков титаническая фигура Иоганна Себастиана Баха. Потомки с благоговейным удивлением взирают величайшего музыканта - композитора и органиста, кантора и педагога...
В чем же сокрыта тайна Иоганна Себастиана Баха? что помогло ему преодолеть границы национальные и временные? Видимо, то, что в музыке своей он говорил о высочайшем благе человеческого существа, о своей вере в бессмертие духа, о силе и красоте тех переживаний, которые лишь очень немногим творцам удалось запечатлеть и раскрыть в произведениях искусства с такой потрясающей правдивостью, искренностью и экспрессией.
Сложный мир запечатлен в баховской музыке. Она вызывает к сочувствию, к сопереживанию, к состраданию и к соучастию. Искусство великого творца приобщает к общезначимому, вневременному и к тому, что заложено в тайниках души человеческой и вызывает у слушателей немедленный отклик, пробуждая в них неизведанные ими самими дотоле нравственные силы.
Охватывая то, что сделано Бахом в разных областях музыки, поражаешься не только обилию сочинений, но удивительной разносторонности его композиторского творчества, вообще всей его деятельности при внешней его скромности жизни. Все существо Баха было преисполнено музыки. Никогда не довольствуясь достигнутым постоянно отыскивая новые пути, он являл собой олицетворение творческой музыкальной силы. Вот почему ему поклонялись и Бетховен, и Вагнер, и Шопен, и Лист, и Римский-Корсаков, и Танеев... Музыканты самых разных направлений, разных стран, идущие разными путями и даже принадлежащие разным эпохам, образуют поистине братский союз, спаянный преклонением перед гением Баха.
«Его нужно звать не Бах (ручей), а море!» - воскликнул однажды Бетховен. А Гете, соотечественник Баха, которого по праву считают титаном мировой культуры, прослушав произведение Баха, признался к своему другу: «У меня было такое чувство, будто вечная Гармония беседовала сама с собой, как это было, вероятно, в груди Господа перед сотворением мира. Так же волновалась моя смятенная душа, я чувствовал, что у меня нет ни ушей, ни глаз, ни других органов чувств, да в них и не было необходимости».
В своем творчестве композитор исходил, прежде всего, из тех реальных задач, которые ставила перед ним его служба церковного или придворного музыканта, из тех возможностей, какие она ему предоставляла. А часто Бах бывал, вынужден писать музыку, подчиняясь вкусам и требованиям тех, у кого он служил, порой и более того - выполняя совершенно конкретный заказ.
Остается лишь поражаться, как, подчиняясь столь суровым условиям, Бах смог с такой потрясающей силой выразить себя в искусстве. Видимо, работа в тех жанрах, к коим он, исходя из внешних стимулов, вынужден был обращаться, отвечала и его внутренним побуждениям, и его разносторонним художественным устремлением, и неисчерпаемым творческим возможностям. А так как для сочинения музыки композитор использовал каждую свободную минуту, то многое он писал просто по велению души или для занятий с собственными детьми и любимыми учениками.
Многим музыка Баха кажется непомерно серьёзной, даже сумрачной, - абсолютно напрасно. Ведь композитор-философ был вместе с тем любителем веселой шутки. Страницы, полные скорби и трагедии, сменяются в его сочинениях эпизодами неподдельного юмора, радости, бурного восторга. Диапазон чувств, настроений, выраженных в музыке красками, и полутонами. Сила разума сочетается у композитора с эмоциональной мощностью, обобщенность - с конкретностью, а нередко и звукоизобразительностью, мудрая логика - со свободной, смелой фантазией.
Подытоживая многовековое развитие европейской полифонии, Бах достиг в этой сфере непревзойденного технического совершенства. «Когда появляется истинный художник, великий мастер, - писал Эрнест Хемингуэй, - он берет все то, что было достигнуто и открыто в искусстве до него, и с такой быстротой принимает нужное ему, отвергает ненужное, словно он родился во всеоружии знания, ибо трудно представить себе чтобы человек мог мгновенно овладеть премудростью, на которую обыкновенный смертный потратил бы целую жизнь: а затем великий художник идет дальше того, что было открыто и сделано ранее, и создает свое, новое». Почему вдруг вспомнились эти слова американского писателя? Да потому, что они кака нельзя более точно характеризуют творчество Баха, его роль в истории европейской культуры.
Сочинения Баха, богатые интересными находками и истинными прозрениями, открывали новые пути развития искусства и были устремлены в будущее.
Всей жизни Баха сопутствовал орган. При всем разнообразии органного наследия Баха в нем выделяется несколько жанров. Два из них - хоральные прелюдии и двухчастные полифонические циклы.
Свои органные хоральные прелюдии композитор создавал на основе протестанских хоралов (протестанизм - общее название возникших в различных странах направлений в христианстве, отколовшихся от католической церкви; хорал - хоровое песнопение, традиционное включавшееся в церковное богослужение).
Немецкие органисты, композиторы постоянно обращались к протестанскому хоралу и создавали разнообразные традиции его обработки. Естественно, Бах не прошел мимо сей богатейшей сокровищницы национального искусства, но, усвоив достижения предшественников, истолковал их по-своему. В своих органных хоральных прелюдиях он стремился прежде всего сохранить основную мелодию хорала и подчеркнуть ее напевность. В итоге именно этот жанр стал важной связующей нитью между органной и хоральной музыкой композитора.
Эмоциональная политра органных хоральных прелюдий Баха широкая в большей мере определяется содержанием положенных в их основу поэтических текстов: здесь ипафос, и скорбная лирика, и радостный порыв, и религиозное смирение. Но каков бы ни был образный строй сочинений, им всегда присущи простота, естественность - и вместе с тем глубокая значительность и возвышенность; небольшие масштабы, камерность звучания - и красочность, тембровое многообразие, богатство и тонкость колорита; безусловное господство мелодического голоса, его целостность, красота, певучесть - и выразительные подголоски, оттеняемые противопоставлениями и неожиданными сочетаниями разных регистров. Все это высшей мере характерно для одной из самых популярных, хрестоматийных образов жанра - Прелюдии фа минор.
Другой, не менее значительный жанр в органной музыке Баха образует Двухчастный полифонический цикл, состоящий из свободной, импровизационной прелюдии либо фантазии, либо токкаты и рационально организованной по строгим законам полифонической фуги.
Еще в молодости Бах сочинил знаменитую Токкату и фугу ре минор - одно из самых вдохновенных своих творений. Кто слышал ее, тот не может без волнения вспомнить могучий начальный возглас Токкаты, сбегающую вниз волну звуков и величественный аккорд, широко располагающийся в пространстве. Наверное, эта музыка родилась из импровизации Баха, которую он затем записал и отшлифовал.
А что же означает само слово токката? Как и большинство терминов, оно многозначно. Однако чаще всего так называли фантазии для клавишных инструментов (в переводе с итальянского «токката» означает «прикосновение», «удар»).
Двухчастный полифонический цикл получил широкое претворение и в другой, также чрезвычайно обширной и значительной области наследия композитора - в его клавирной музыке.
Клавирную музыку Бах тоже писал на протяжении всей жизни. Но особенно много сочинений для клавира появились тогда, когда он жил и работал «дирижером камерной музыки» в небольшом немецком городке Кетент, куда прибыл в 1717 го дуло приглашению князя Леопольда Ангальт-Кетенского. Именно здесь были созданы двухголосные и трехголосные инвенции (инвенция означает «изобретение», «выдумка»), Французские и Английские сюиты, первый том «Хорошо темперированного клавира», Хроматическая фантазия и еще ряд произведений для клавира.
Бах необычайно расширил образно-выразительную палитру клавирной музыки и в связи с этим ее стилевой диапазон, вобравший в себя средства и приемы, генетически связанные с органной, вокальной и оркестровой литературой разных стран. Произведения Баха настолько определили свое время, что не могли получить адекватное воплощение на имевшихся инструментах.
В библиотеке музыкальной школы при Йельском университете в США находится нотная тетрадь, написанная рукой самого Иоганна Себастиана Баха. На ее пергаментном переплете тоже рукой Баха написано «Клавирная книжечка Вильгельма Фридемана Баха».Это целая школа игры на клавире, создания Бахом для своего сына, а затем сослужившая добрую службу многим и многим музыкантам.
Что же она содержит? Названия нот, изображения скрипичного, альтового, тернового и басового ключей, упражнения для подкладывания пальцев, объяснения, как играть различные упражнения, и, наконец, множество музыкальных пьес: и самых легких, и потруднее. Среди них знаменитые инвенции, которые теперь играют дети всего мира. Для каждой из своих инвенций Бах придумал особую форму, особый ритм, особый план построения. Но инвенции - отнюдь не скучные упражнения. В них много остроумных выдумок. Бах вообще любил шутить. Великий музыкант, создатель грандиозных, исполненных подлинного трагизма творений, он с удовольствием сочинял забавные музыкальные шутки - кводлибеты (само по себе это слово «все что угодно»). Кволибет - нечто вроде старинного попурри, в котором серьезная, даже хоральная мелодия могла соединиться с темой уличной песенки.
Еще сложнее, многообразнее другой цикл Бах - «Хорошо темперированный клавир», который справедливо считают «энциклопедией баховского творчества». В пространном заглавии к законченному в 1722 году первому тому композитор писал, что предназначает его «для пользы и упражнения жаждущей учиться музыкальной молодежи, а также для развлечения тех, которые уже накопили опыт в этом искусстве».
Видимо, задача эта казалась Баху столь важной, что впоследствии, уже живя в Лейпциге, он написал второй том «Хорошо темперированного клавира».
Среди прелюдий и фуг «Хорошо темперированного клавира», да и вообще среди клавирных опусов Баха, множество истинных шедевров, получивших мировое признание. Наиболее сложные и потому исполняемые клавирные произведения он написал в последний период своего творческого пути - в Лейпциге. Назовем, к примеру, его партиты (так, по-итальянски, композитор озаглавил последний цикл своих сюит), Гольдберговские вариации, «Музыкальное приношение», «Искусство фуги», которое существует не только в клавирном, но и в оркестровом варианте.
Кстати, оркестровые сочинения - хотя и сравнительно небольшая, но тоже заметная область творчества Баха. Ему немало приходилось работать с оркестром. В Кетене, например, возникли его сонаты ипартиты для скрипки соло, его сюиты для виолончели соло, его концерты для оркестра, называемые «Бранденбургскими», ибо были написаны по заказу маркграфа Бранденбургского.
Бах писал инструментальные произведения и позже, в Лейпциге, но все же главенствовать здесь стали уже иные - вокально-инструментальные жанры. Правда, вокальную музыку Бах начал создавать еще в юные годы. Уже во время его пребывания в Арнштадте и Мюльхаузене он сочинил «Пасхальную» и «Выборную» кантаты. Но в плотную к работе над вокально-инструментальными произведениями Бах приступил именно в Лейпциге - в пору наибольшего творческого подъема, достигнув духовной зрелости и высшего мастерства. Именно тогда было написано пять годовых циклов духовных кантат - без малого 300 произведений. Они предназначались для воскресного исполнения в церкви, обычно после проповеди. Их содержание чаще всего основывалось на отдельных эпизодах Евангелия, дающего богатую пищу для раздумий и лирических исповедей.
Среди кантат Баха есть сольные, хоровые, но большинство смешанных. Кантаты включают арии, речитативы, ансамбли, хоры с участием инструментального ансамбля или оркестра.
Они чрезвычайно разнообразны по содержанию, строению и характеру, эмоциональному настрою.
Наряду с духовными Бах написал 24 светские кантаты, например, кантата «Состязание Феба и Пана». Есть у Баха и бытовые кантаты - «Кофейня», «Крестьянская». Примечательно, что порой он переносил номера из духовных произведений в светские и наоборот. Прецедент имеется в одном из величайших духовных сочинений - Высокой мессе.
Причем даже среди лучших творений композитора Месса выделяется грандиозностью замысла, глубиной философских обобщений и редкой силой эмоционального воздействия.
Месса состоит из пяти частей, их названия соответствуют первым словам молитв: 1 часть - «Kyrie eleison» («Господи помилуй»), 2 часть – «Gloria» («Слава»), 3 часть – «Сredo» («Верую»), 4 часть –«Sanctus», «Benedictus» («Свят», «Благославен»), 5 часть – «Agnus Dei» («Агнец божий»).
Однако в своем сочинении Бах разделил каждую часть Мессы на несколько номеров, и их общее количество достигло двадцати четырех. Гигантский масштаб всей Мессы и ряда ее номеров, огромный состав исполнителей (большой смешанный хор, солисты, орган и оркестр), сложность и глубина художественных обhазов - все обусловило то, что она переросла рамки традиционного церковного ритуала. А потому во время службы обычно исполнялись лишь отдельные части произведения, в своем же целостном виде оно утвердилось в концертной практике. Философское осмысление жизни как единства страдания и радости, горестных и светлых чувств, отчаяния и надежды, безысходного трагизма и неисчерпаемой веры - таково содержание, сущность Мессы. И именно потому вот уже на протяжении вот уже трех столетий она находит отклик в сердцах все новых и новых поколений слушателей.
В творчестве Баха гениальное воплощение нашел и другой религиозный жанр - пассионы (или страдания). В них тоже есть сюжет и действие. Однако в основе сюжета пассионов лежат главы из Евангелия, в которых говорится о страданиях Иисуса Христа (собственно, само слово «пассионы» означает «страдания»).
Одним из таких произведений являются «Страсти по Матфею». Композиция «Страстей» тоже исключительно сложна и многопланова. Самая главная их функция: Хорошо знакомые слушателям и любимые ими хоралы словно привлекают их к живому участию в событиях и побуждают к сопереживанию героям этой эпической драмы.
«Страсти по Матфею» впервые прозвучали в апреле 1729 года, в страстную пятницу, в той самой церкви святого Фомы, которой Бах всей силой своего таланта служил более четверти века и которая по сей день хранит дух и тело великого кантора. Исполнялись они и позже, при жизни своего создателя, но затем подобно многим его творениям были надолго забыты неблагодарными современниками и потомками.
Наверное, есть какая-то таинственная закономерность в том, что именно со «Страстей по Матфею» началось возрождение музыки гениального немецкого композитора. Ибо мощным импульсом к этому ренессансу послужило двукратное исполнение пассионов под управлением молодого талантливого немецкого композитора Феликса Мендельсона. Примечательно, что состоялось оно почти через 100 лет после премьеры - в марте 1829 года. Титаническое творение Баха произвело потрясающее впечатление на слушателей. Воскресший благодаря этим концертам интерес к Баху не переставал уже возрастать, пока постепенно не распространился на весь музыкальный мир.
7. Классицизм. Век Просвещения. Пути развития культуры XVIII века.
Восемнадцатый век ознаменовался в музыкальной культуре расцветом венского классического стиля. Название свое он получил от латинского «сlassicus», что значит образцовый. В семнадцатом веке. Во Франции возникло направление, получившее название «классицизм». Это была эпоха расцвета французской абсолютной монархии, оказавшей высочайшее покровительство придворному искусству и требовавшей от него пышности и великолепия. Драматурги, архитекторы, скульпторы, художники той поры обратились к античности, находя в ней фундамент, на котором они смогли развивать собственное творение. В основе их эстетики лежало убеждение, что все в мире разумно, что в природе и в жизни на земле царит установленный свыше порядок. Они добивались в своих произведениях «равновесия» истины и красоты, ясности замысла, стройности композиции.
Вершиной французского классицизма в области театрального искусства стали трагедии Корнеля и Расина.
В музыке стиль классицизма получил яркое воплощение в творчестве представителей венской классической школы - Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига Ван Бетховена.
То обстоятельство, что это направление развивалось в Вене, не случайно. Это объяснялось рядом причин, среди которых едва ли не главным был многонациональный состав населения города. На улицах Вены наряду с австрийскими и немецкими мелодиями звучали венгерские, чешские, польские, словацкие, сербские напевы и песни других народов Европы. Органическая связь венского музицирования с народной стихией составляла важную предпосылку возникновения музыкального классицизма в Вене.
Другим фактором являлась тяга венцев к инструментальному музицированию начиная с уличных ансамблей и кончая домами знати. Вена была насквозь пропитана музыкой. Во второй половине восемнадцатого века классицизм становится господствующим течением в художественной культуре Европы. Венская классическая школа подытожила многие процессы, тенденции и явления, которые на протяжении долгого времени зрели в европейском искусстве. В историю культуры она вошла под названием века Просвещения. Так стало именоваться широкое движение в философии, литературе, искусстве Европы.
Само название «Просвещение» объяснилось тем, что философы этой эпохи стремились просвещать своих сограждан, обличать пред ними пороки общества, раскрывать истинные ценности.
Просветительское движение раньше всего стало складываться в Англии, там в середине 17 века произошла буржуазная революция, изменившая социальный уклад жизни и открывшая дорогу развитию экономики и техническому прогрессу. Это порождало веру в возможность разумной организации человеческого общества, основанной на предприимчивости всех его представителей.
Во Франции просветительское движение получило широкую общественную поддержу. Абсолютная монархия в 18 веке переживала жесточайший кризис, который привел к грандиозному взрыву, вошедшему в историю как Великая французская революция. Это событие было подготовлено в том числе и французскими просветителями среди которых Вольтер, Монтескье, Дидро, Руссо.
Французское искусство 18 века складывалось под воздействием идей Просвещения. В нем творческие направления, одно из них -сентиментализм для развития которого послужило учение Жан Жака Руссо, где культ чувства занимает центральное место. Руссо полагал, что по-настоящему человек может раскрыться только общаясь с природой, и через это общение он может понять самого себя и окружающий мир.
В это время во французском искусстве обнаруживают себе тенденции к реалистическому отображению жизни, быта, особый интерес вызывают герои, относящиеся к третьему сословию. Именно их запечатлели на своих полотнах художники Ж. Шарден и Ж. Грез. Родственные черты проявились в пьесах Дидро «Побочный сын», «Отец семейства» представляющие жанр мещанской драмы. Черты реализма с яркой силой проявились в пьесах П.О. Бомарше, особенно в его комедии «Женитьба Фигаро».
Грандиозный расцвет немецкого Просвещения принадлежит к парадоксальным явлениям в истории культуры, ибо ни в политике, ни в социальной жизни, ни в экономике этой страны нельзя было заметить ощутимых перемен. Германия оставалась раздробленной, подвластной деспотизму мелких князьков, далекой от прогрессивных преобразований. Немецкое бюргерство еще долго оставалось символом консерватизма, трусливости и забитости. Тем поразительнее замечательные завоевания философии, эстетики, литературы, искусства, обязанные своим появлением великим немецким просветителям.
Колоссальную роль в художественной культуре Германии той поры сыграл писатель, драматург, теоретик искусства Г.Э. Лессинг. Основные положения его эстетики изложены им в работе «Лаокоон», где автор рассматривает известную греческую скульптуру, а также в серии статей под общим заголовком «Гамбургская драматургия», которая возникла в связи с попыткой Лессинга создать в конце 60-х годов 18 века национальный немецкий театр в Гамбурге.
По мнению Лессинга, писатель должен воплощать в своих произведениях жизнь во всем ее многообразии, со всеми присущими ей противоречиями, ибо именно в разнообразии, изменчивости и заключается богатство и красота жизни. Лессинг считал, что первостепенную роль в духовном возрождении Германии должно сыграть искусство.
Другой крупнейшей фигурой немецкого Просвещения стал поэт, переводчик и теоретик искусства И.Г. Гердер. Исторический подход к явлениям искусства сочетался у него с интересом к национальной специфике.
Именно Гердер открыл для немцев богатейшую сокровищницу национального фольклора, издав сборники немецкой поэзии. Взгляды Гердера во многом перекликались со взглядами его французского современника Руссо, ибо его тоже влекла к себе стихия человеческих чувств, которые он ставил куда выше рационального начала. Под влиянием Гердера в Германии 70-х годов 18 века возникло особое художественное направление - «Буря и натиск». Оно объединило многих талантливых литераторов, бросивших вызов современному им обществу, и противопоставило царившим в нем настроениям покорности, пассивности смелый, бунтарский дух своих героев, восставших против унижающих человеческое достоинство законов и обычаев.
«Штюрмеры», как называли писателей, поэтов, драматургов этого направления, замечательно передавали в своих произведениях присущую их героям жажду деятельности, порыв к счастью, их страстную мечту о новой, более совершенной жизни.
Однако, судьба большинства Штюрмеров, отрицательно воспринятых немецким обществом, сложилась трагически. К концу 80-х годов оно угасло, подобно яркой комете, мгновенно вспыхнув и исчезнув на литературном небосклоне Германии. Но два самых ярких и талантливых писателя, пережив кризис, смогли основать новое направление - «Веймарский классицизм». Это были Гете и Шиллер, долгие годы, прожившие в Веймаре и создавшие здесь свои замечательные творения.
Смысл и пафос Веймарского классицизма заключается в том, что сохраняя верность просветительским идеалам оба художника увидели свою миссию в творческом воспитании современников, возвышая их над обыденной повседневностью, внушая им чувство прекрасного. Идея прекрасного они в эпохе античности, как было свойственно классицизму.
Тема совершенствования человеческой личности, поиски смысла жизни, вера в способность человека возвыситься до всеобщего братства - все это получило воплощение в трагедии Гете «Фауст» и в оде Шиллера «К радости».
Музыкальное искусство эпохи Просвещения, несомненно, отразило сложные, напряженные духовные искания своего времени и разнообразные художественные процессы. В XVIII веке крепнут и усиливаются творческие связи между европейскими странами. Искусство стремится к созданию общеевропейского дома. Так, эстетические взгляды жившего в Германии Лессинга, его увлечение драматургией англичанина Шекспира оказало огромное влияние на творчество австрийского Моцарта. Взволнованный эмоциональный строй, присущий творениям Штюрмеров, обнаруживается в сочинениях Гайдна и особенно Моцарта. Культ природы, воспетой французским философом Руссо, запечатлен в ораториях и симфониях Гайдна и Бетховена.
В музыке эпохи Просвещения нашли широчайшее претворение и принципы классицизма. Оперная реформа Глюка, осуществлявшаяся в Вене и Париже, по времени совпала с деятельностью Лессинга, с появлением его эстетических трудов.
Вне связей с творчеством Гете невозможно воспринимать искусство Бетховена, тоже рожденное эпохой Просвещения, но вместе с тем глубоко связанное с философскими и эстетическими принципами того времени, отразившее грандиозные события, сотрясавшие Европу на переломе эпох. Принадлежа венской классической школе, Бетховен в то же время предвосхитил новое художественное направление, сложившиеся в XIX веке - романтизм.
8. Творчество Й. Гайдна и становление венской классической музыки
Гайдн Франц Йозеф - австрийский композитор. В творчестве Гайдна были найдены и воплощены музыкальные жанры и формы, характерные для Венской классической школы.
Гайдн родился 31 марта 1732 года в Рорау (Нижняя Австрия) в семье каретного мастера. С 5 до 8 лет он жил у родственника в Гайнбурге, где учился грамоте, игре на клавире и скрипке, пел в хоре. В 1740 году он зачислен в капеллу при соборе св. Стефана в Вене. В семнадцатилетнем возрасте за пустяковую провинность Гайдн был изгнан из капеллы, и началась его самостоятельная жизнь. Значительная роль в музыкальном образовании Гайдна принадлежит итальянскому композитору и педагогу Николо Порпоре, у которого Гайдн учился с 1753 по 1756 год. В 1755 году Гайдн становится участником любительского музыкального кружка, для которого пишет свой первый струнный квартет, вслед за которым последовало ещё около двадцати квартетов. Многие музыкальные жанры - фортепианное трио, струнный квартет, классический тип симфонии - обязаны своим становлением именно Гайдну.
В 1761 году Гайдн становится капельмейстером придворной капеллы князя Эстергази в городе Эйзенштадт. На этой должности он прослужил почти тридцать лет. Гайдн исполнял обязанности дирижера, администратора, сочинил огромное количество разных произведений по заказу своего могущественного покровителя. Д конца жизни он числился на службе у наследников князя.
Дважды Гайдна приглашали в Англию (в 1791 - 1792 и 1794 -1795гг.), где он работал так же активно, как и у себя на родине. Умер 31 мая 1809 года в Вене.
Творческое наследие Гайдна обширно и разнообразно. Им написаны 104 симфонии, оратории «Сотворение мира» (1799) и «Времена года» (1801), 14 месс, оперы «Ацис», «Аптекарь», «Рыбачки», «Обманутая неверность», «Нежданная встреча», «Истинное постоянство», «Необитаемый остров», «Вознагражденная преданность», «Роланд паладин», «Армида», «Орфей и Эвридика», 83 квартета, 52 сонаты для фортепиано и многие другие произведения.
Франц Иозеф Гайдн (Науйп) вероятно, 31.3 (крещен 1.4). 1732, дер. Рорау, Нижняя Австрия, - 31.5. 1809, Вена, австрийский композитор. Один из представителей венской классической школы. Сын каретного мастера. В 1740 - 1749 Гайдн пел в хоре собора св. Стефана в Вене, где обучался также игре на инструментах. Некоторое время был аккомпаниатором у итальянского композитора и преподавателя пения Н.Порпоры. Изучение музыкальных произведении предшественников и теоретических трудов И. Фукса, И. Маттезона и др. восполнило Гайдну отсутствие систематического музыкального образование. В 50-х годах XVIII века Гайдн написал ряд произведений, положивших начало его известности как композитора: зингшпиль «Хромой бес» (пост. 1752, Вена и др. города Австрии), дивертисменты и серенады, струнные квартеты для музыкального кружка барона Фюрнберга. В 1759 - 1761 годах был капельмейстером при дворе графа Морцина, для капеллы которого сочинил свои первые симфонии. В 1761 - 1790 годах служил у венгерских князей Эстерхазии. Прихоти мецената нередко заставляли Гайдна поступаться творческой свободой. Вместе с тем работа с руководимым им оркестром и хором благотворно сказалось на его развитии как композитора. Для капеллы и домашнего театра Эстерхазии написано большинство симфоний (в т.ч. получившая широкую известность «Прощальная», 1772 и опер Гайдна. Поездки Гайдна в Вену позволили ему общаться с виднейшими из современников, в частности с В. А. Моцартом. Расцвет творческой деятельности Гайдна приходится на 80-90-е годы XVIII века, когда были созданы зрелые квартеты (начиная с опуса 33), 6 Парижских (1758 - 1786) и 12 Лондонских (1791 -1792, 1794 -1795) симфоний, оратории, мессы и др. произведения. В 1791 -1792,1794 - 1795 годах Гайдн совершил поездки в Лондон по приглашению организатора «Абонементных концертов» скрипача И.П. Заломона. Пребывание в Англии расширило кругозор Гайдна, способствовало росту его славы. В 1791 голу Гайдну присуждена степень почетного доктора Оксфордского университета.
Наряду с К.В. Глюком и В.А.Моцартом Гайдн своим творчеством утвердил характерные особенности веской классической школы: верность оптимистическим идеалам, синтез интеллектуального и эмоционального начал, диалектическое соотношение многогранности и целостности, обеспечивающее расцвет циклических инструментальных форм (симфонии, квартета, сонаты). Искусство Гайдна глубоко демократично и связано с народным творчеством. Его музыка проникнута ритмами и интонациями австрийского, славянского, венгерского фольклора, народным юмором, неистощимой жизненной энергией. Центральное место в творчестве Гайдна принадлежит симфониям и струнным квартетам. Если в области симфонии Гайдн развивает, совершенствует намеченное его предшественниками, то в области квартета он первооткрыватель. Зрелые произведения Гайдна отличаются органичным сочетанием доступности и содержательности, наивной непосредственности чувства и трезвой логики мышления, бьющей через край жизнерадостности и мудрой философской сосредоточенности. Философские раздумья в некоторых произведениях Гайдна предвосхищают творчество Л.Бетховена, которого Гайдн предваряет и целеустремленным использованием принципа мотивно-тематической разработки. Особое место в наследии Гайдна принадлежит ораториям - «Сотворение мира» (1798) и «Времена года»(1801), в которых композитор развил традиции лирико-эпических ораторий Г.Ф.Генделя. Оратории Гайдна отмечены новой для этого жанра сочной бытовой характерностью, красочным воплощением явлений природы, в них раскрывается мастерство Гайдна как колориста.
Гайдн написал 24 оперы, преимущественно жанре итальянской оперы-буффа и оперы-сериа, 3 оратории, 14 месс и др. духовные произведения, 104 симфонии, увертюры, марши, танцы, дивертисменты для оркестра и разных инструментов, концерты для клавира и др. инструментов, 83 струнных квартета, 41 фортепьянных трио, 21 струнное трио, 126 трио для баритона (смычкового), альта, виолончели и др. ансамбли, 52 клавирные сонаты, различные пьесы для клавира, песни, каноны, обработки шотландских, ирландских, валлийских песен для голоса с фортепиано (скрипкой или виолончелью по желанию).
Слушая произведения И. Гайдна, всегда ощущаешь его теснейшую связь с веком Просвещения.
Разум - бог Просвещения - определил рационалистическую основу его творчества. В произведениях И. Гайдна мы находим стройность, уравновешенность, продуманность всех элементов художественного замысла и его воплощения. Музыка Гайдна почти всегда пронизана оптимизмом, радостью бытия. Бодрая, энергичная, жизнерадостная, она вселяет веру в силы человека, поддерживает его стремление к счастью. В ней много веселья, юмора, живой игры ума. Но вместе с тем Гайдн поднял бытовую симфонию и камерную музыку на уровень высоко обобщенного и идейно значительного искусства. Он соединил общедоступность с возвышенностью идей, массовость - с широтой художественных концепций. Никто до Гайдна так непосредственно не опирался на музыкальное творчество народа. Связь с фольклором - один из главных лозунгов немецкого Просвещения, Творчество Гайдна - своеобразная музыкальная антология народной поэзии и песенности. В нем, как в зеркале, отражается многонациональность австрийского народа.
Классический стиль рождался в творчестве Гайдна на протяжении десятилетий, в неустанных поисках нового. Именно Гайдну суждено было стать родоначальником классического симфонизма. Он окончательно утвердил построения сонатно-симфонического цикла - высшего типа многочастной инструментальной музыкальной композиции.
Схема венской, классической симфонии, состоящей из 4-х частей, следующая.
Первая часть - сонатное аллегро. Начинается с экспозиции, которая строится на сопоставлении главной и побочной партий. В разработке темы подвергаются развитию. И наконец, в репризе, вновь проходят все темы, но в основной тональности. Часто экспозицию предваряет медленное вступление, а после репризы следует кода. Ромен Ролан сравнивая сонатную форму, с присущей ей ясной логикой развития и стройностью, с классической трагедией.
Вторая часть - симфонии обычно медленная и носит задумчиво -лирический характер.
Часто они пишутся в сложной, 3-х частной или вариационной форме.
Третья часть - симфонии Гайдна галантный придворный менуэт, как правило, превращающийся в деревенский танец.
Четвертая часть - финал, чаще всего в форме рондо. В финалах Гайдна обычно зажигательно - живые, близкие к народным или подлинно народные мелодию.
В симфониях Гайдна мы всегда находим контраст между медленными, сосредоточенными темами и светлыми, искрометно-веселыми.
Сочинениям Гайдна свойственно сочетания общедоступности и общепонятности с глубоким, философским содержанием. Высокий уровень композиторской техники стал ценнейшим качеством его искусства.