Geum.ru

Учебно-методический комплекс По дисциплине «Инструментоведение» Цикла сд. Ф

Вид материалаУчебно-методический комплекс

Содержание


Идиафоны с неопределенной высотой звука
Подобный материал:
1   2   3   4   5   6   7

Томтом. Томтом — инструмент китайского происхождения, по своей конструкции ближе всего сходен с малым барабаном, от которого отличается иным соотношением диаметра и высоты, что обеспечивает ему глубину звучания, тем более что томтом лишен струн, а следовательно, и трескучего призвука, свойственного малому барабану.

Томтом — инструмент без определенной высоты звука, то есть записывается в партитуре на «нитке». Техника игры на томтомах та же, что и на малом барабане, но на томтоме чаще применяются приемы игры руками (ладонями, пальцами).

Бонги. Бонги — парный инструмент латиноамериканского происхождения. Каждая пара небольших разновысотных мембранофонов соединена между собой специальным держателем и рассматривается как одно целое, вследствие чего йотируется на двух «нитках», объединенных общей акколадой.

На бонгах играют преимущественно руками (ладонями, пальцами), причем в зависимости от места и способа удара каждый из инструментов способен менять высоту звучания, что находит свое отражение в записи: более низкие звуки обозначаются нотами «под ниткой», более высокие — над ней. Таким образом, на двух бонгах, отличающихся друг от друга по высоте звучания примерно на терцию, можно получить звуковысотные градации в пределах чуть ли не квинты. На бонгах можно играть и палочками.

Тамтам. Подобно тому как большой барабан является основой многочисленного семейства мембранофонов, так и тамтам занимает аналогичное положение среди идиофонов различной величины, и его редкие — но весьма «весомые» высказывания очень обогащают звуковую палитру всей ударной группы оркестра в целом.

Звучание тамтама очень низкое и грозное, но во всех нюансах создает впечатление колоссальной звуковой массы, чему способствует свойство инструмента долго вибрировать после удара. Играют на нем массивной колотушкой — самой большой из имеющихся в ударном хозяйстве.

Гонг. В конструктивном отношении от тамтама несколько отличается его ближайший родственник — гонг. Большие гонги на первый взгляд очень похожи на тамтамы, однако у них нет характерной выпуклости в середине диска и, вероятно, поэтому их звучание лишено волнообразных нарастаний и спадов.

Тарелки. Самыми распространенными из идиофонов без определенной высоты звука являются различные тарелки. Древние греки и римляне использовали тарелки для музыкального сопровождения религиозных ритуалов. Тарелка, которая горизонтально подвешивается на кронштейне (piatto sospeso), по манере звукоизвлечения приближается к гонгам: на ней играют палочками от литавр и от малого барабана, метелочками и металлическими стержнями, применяя те же приемы, что и на гонге.

В небольших ансамблях используется закрепленная в штативе педальная тарелка (Charleston, Hi-hat), управление которой осуществляется ногой при помощи педали, и руки исполнителя остаются свободными для игры на других ударных инструментах. Особенно яркое впечатление оставляет «главный» тарелочный эффект — удар двух больших парных тарелок, способных давать огромную шкалу звучности — от ff до pp. На тарелках можно исполнить tremolo, sforzando.

Треугольник. Самым высоким из идиофонов с неопределенной высотой звука является треугольник, представляющий собой свободно висящий металлический прут треугольной формы, на котором играют металлической палочкой. На нем хорошо выглядят несложные ритмические фигуры, довольно часто звучащее tremolo.

Яркость звука этого инструмента столь велика, что окрашивает любое самое мощное оркестровое tremolo.

Колокольчики. Совершенно особую группу являют собой идиофоны с определенной высотой звука. Из них колокольчики представляют собой хроматический набор металлических пластинок, размещенных в два ряда на деревянной раме трапециевидной формы. Звучание колокольчиков нежное и гармоничное.

Существуют два вида колокольчиков: простые и клавишные. Наиболее употребительные простые колокольчики заключены в небольшой ящик. Расположение пластинок на простых колокольчиках аналогично белым и черным клавишам фортепиано. Объем простых колокольчиков равен обычно от соль малой октавы до ми третьей октавы, но следует рассчитывать на следующий объем: от ноты до первой октавы до ноты до третьей октавы (по записи). Реальное звучание колокольчиков на две октавы выше принятой для них записи.

Играют на колокольчиках маленькими металлическими молоточками, а также деревянными палочками. На клавишных колокольчиках возможны различные пассажи, исполнимы многоголосные аккорды. Сила звучания колокольчиков весьма невелика.

Челеста. На клавишные колокольчики очень похожа челеста, представляющая собой маленькое пианино, в котором вместо струн — металлические, а иногда и стеклянные пластинки, обтянутые замшей. Звук возникает не в момент удара, а с незначительным запозданием. Техника игры напоминает фортепианную. Динамические градации отсутствуют: на ней все звучит тихо или очень тихо. Челеста — самый тихий и нежный инструмент симфонического оркестра. Звучит на октаву выше написанного.

Вибрафон. Еще один инструмент во многом имеет сходство с колокольчиками (простыми) — это вибрафон, состоящий из двух рядов металлических пластинок, размещенных на трапециевидной раме по принципу белых и черных клавиш фортепиано. Объем звучания от ноты до первой октавы до фа третьей октавы. Записывается вибрафон в реальном звучании.

Ксилофон. Ксилофон, наследующий древнейшим ударным инструментам, ныне возглавляет группу, в которую, кроме него самого, входят и его разновидности: ксилоримба и маримбафоны различных размеров.

На ксилофоне четыре ряда деревянных пластинок.

Играют на ксилофоне двумя легкими деревянными молоточками. Техника игры основана на чередовании ударов обоих молоточков. Блестяще получаются гаммы, арпеджио. Можно исполнить мелодию. Возможно исполнение glissando. Ксилоримба — разновидность ксилофона — иначе двухрядный ксилофон.

Колокола. С тех пор как сконструировали трубчатые колокола, они стали вытеснять натуральные «церковные» колокола. В настоящее время колокола — это тубафон с двумя рядами свободно висящих трубок, расположенных аналогично черным и белым клавишам фортепиано, смонтированных в раме, оборудованной педальным демпферным механизмом. Объем звучания по записи от ноты до первой октавы до фа второй октавы. Звучит на октаву ниже написанного.

Идиафоны с неопределенной высотой звука

Кастаньеты. Кастаньеты — это две пары плоских деревяшек раковинообразной формы. Каждая пара снабжена неплотно стягивающим их шнурком, которым прикрепляют инструмент к большому пальцу руки.

Клавес — состоит из двух небольших палочек, изготовленных из плотного, хорошо выдержанного дерева. На клависе играют, ударяя одной палочкой о другую.

Коробочка — полый брусок из твердого дерева, по которому ударяют палочками от малого барабана.

Хлопушка — состоит из двух длинных дощечек, с одной стороны соединенных между собой.

Трещотка — главная составная часть — зубчатое колесико, которое при вращении подцепляет упругую пластинку, заставляя ее соскакивать с каждого зубца и издавать треск.

Маракасы — полые деревянные шары на рукоятках (применяются попарно) с некоторым количеством сыпучего материала внутри — при встряхивании издают шипящий звук.


Тема 3. История развития оркестра русских народных инструментов

Зарождение русской музыки относится к глубокой древности. Она возникла в недрах первобытнообщинного строя славянских племен, населявших обширную территорию. К VIII веку у восточных славян происходит процесс разложения первобытнообщинного строя, на смену ему приходит классовый общественный строй. Это облегчало борьбу славян с внешними врагами, способствовало развитию хозяйства, росту городов, возникновению искусства. Появляются скульптура, музыка, танцы, возникает русская письменная литература.

В IX веке на территории теперешней Украины образовалось большое и сильное раннефеодальное государство — Русь. Его столицей стал Киев. Государство стало называться Киевской Русью. С этого времени и начинается период становления русского музыкального искусства.

Однако и до Киевской Руси у древневосточных славян существовали различные виды искусства, которые были связаны с обрядовыми формами языческих религиозных верований, ритуальными действиями, сложившимися в эпоху общинно-родового строя. Песни древних славян являлись спутниками их повседневной жизни. Это были песни календарного цикла, отображавшие земледельческий труд народа в разное время года, и семейно-бытовые, связанные со свадебными и похоронными обрядами. Исполнение обрядов сопровождалось пением, игрой на музыкальных инструментах.

Древним славянам были известны музыкальные инструменты различного вида: ударные — бубны-барабаны, металлический орган (как предполагают, набор металлических пластинок или полушарий); духовые — глиняные свистульки, продольные флейты, флейта Пана (набор коротких трубочек различной длины). Из VI века до нас дошли сведения о гуслях. Византийский историк сообщает, что в 591 году греками были пленены прибалтийские славяне, которые имели при себе струнные музыкальные инструменты. Историки нашего времени утверждают, что этими инструментами могли быть только гусли.

В IX веке в результате слияния двух восточнославянских княжеств — Киевского и Новгородского — во главе с Киевским государством образовалось древнерусское феодальное государство. Киев становится экономическим культурным центром всех восточнославянских земель. Быстро и интенсивно развивалась архитектура, живопись, музыка.

В Киевской Руси происходило бурное развитие ремесел, которые стали разделяться по основным отраслям. Это способствовало возникновению профессии музыкальных мастеров, музыка стала прочно входить в жизнь народа. Игра на музыкальных инструментах требовала систематических занятий, определенных навыков, и музыка становится ремеслом, профессией. Народных музыкантов, певцов, плясунов стали называть скоморохами.

Скоморошество в Киевской Руси было явлением массовым. Среди скоморохов были не только музыканты, певцы и плясуны, но и сказители, фокусники, акробаты, дрессировщики животных, исполнители комических сценок. Скоморохи явились основными носителями как народной, так и профессиональной музыки. В их среде создавались и совершенствовались многие музыкальные инструменты, культивировалась ансамблевая игра.

Бродили скоморохи по селам и городам, распространяя свое искусство и впитывая особенности народного творчества различных земель и княжеств Руси. В народных былинах скоморохи характеризовались как талантливые певцы и музыканты-инструменталисты, владевшие высоким исполнительским мастерством, располагавшие широким и разнообразным репертуаром.

В социальном отношении скоморохи представляли собой различные слои народа. Были среди них полупрофессионалы-музыканты, жившие оседло, но значительную часть составляли скоморохи бродячие, занимавшиеся только своим ремеслом и кочевавшие из села в село, из города в город.

Впервые со словом «скоморох» мы встречаемся в известном в то время богословском трактате «Поучение о казнях Божиих». Трактат этот появился вскоре после принятия христианства на Руси. Вряд ли будет ошибкой сказать, что с этого времени и началась борьба церкви со скоморошеством (988 год — введено христианство).

Первое обвинение скоморохам — это связь с язычеством. Скоморохи — слуги дьявола, их игра бесовская. Второе обвинение: «...на игрищах толпы народа, а церкви стоят пустые, люди не хотят слушать божественных словес, а если их позовут гудцы или игрецы на какое-нибудь «сборище идольное», то все устремляются с радостью и весь день стоят там, участвуя в «позорище», а если в церковь позовут, то они «позевывают, потягиваются и говорят: «дождь» или «холодно», или что-нибудь еще. А на позорищах — ни крыши, ни затишья, а дождь и ветер, но все приемлют с радостью: позоры устраивают на пагубу душам. А в церкви и крыша, и заветрие дивное, но люди не хотят придти на поучение»,— так писалось в церковной летописи «Слово о тварях».

Церковь считала скоморохов своими заклятыми врагами, подрывающими устои церковных догматов. Скоморохи не только зло высмеивали и бичевали пороки служителей церкви, принимали непосредственное участие в крестьянских войнах и бунтах. Воинствующие церковники не ограничивались отлучением скоморохов от церкви, угрозами вечных мучений в загробной жизни; их били батогами, дома их разоряли, а музыкальные инструменты уничтожали.

Музыкальный инструментарий киевских скоморохов был довольно разнообразным. Большой популярностью пользовались гусли. Они состояли из небольшого деревянного корпуса в форме крыла (отсюда и название — крыловидные) с несколькими натянутыми струнами (от четырех и более). Четыре экземпляра гуслей, найденных при археологических раскопках в Новгороде в 1951–1962 годах, были крыловидные (эти гусли относились к XIII веку). Строй древних гуслей нам неизвестен.

У киевских скоморохов впервые появился другой струнный инструмент, ставший не менее популярным, чем гусли, — гудок. Корпус гудка имел овальную или грушевидную форму, дека была плоской, подставка под струны — ровная, без изгиба. Три струны находились на одном уровне, и смычок касался одновременно трех струн.

При археологических раскопках в Новгороде в 1951–1962 годах впервые были найдены подлинные образцы древних гудков, относящихся к XII веку.

Из духовых инструментов в Киевской Руси применялись сопель — свистковая флейта, свирель — парная свистковая флейта, многоствольная флейта Пана (кугиклы), деревянные трубы, пастушеский рог.

Есть основание предполагать, что скоморохи Киевской Руси играли и на волынках. Русская волынка (дуда или козица) — духовой язычковый инструмент с воздушным резервуаром (мехом) из кожи или бычьего пузыря.

Из ударных инструментов употреблялись те же бубны (общее название различных барабанов), среди которых были инструменты с побрякушками, наподобие тарелочек у современного бубна, ряд мелких тарелок, называемых «бряцало».

В XI веке уже практиковалась ансамблевая игра. В XII веке Киевская Русь распалась на несколько феодальных княжеств. В 1237–1240 годах хан Батый захватил и разграбил Киев. Экономическое и культурное развитие Российского государства остановилось на 300 лет.

Хранителем и продолжателем древнерусских культурных традиций стал Новгород.

Искусство новгородских скоморохов находилось на очень высоком уровне. В народных былинах новгородские скоморохи характеризовались как талантливые певцы и музыканты-инструменталисты, владевшие высоким исполнительским мастерством, широким и разнообразным репертуаром.

В период расцвета скоморошества в Новгороде, в конце XIV — начале XV века, впервые появилась домра, ставшая в XV веке таким же популярным инструментом у скоморохов-профессионалов, как гусли и гудок. Ни одного образца этого инструмента до нас не дошло. Инструмент применяли преимущественно в ансамблях с гуслями и гудком.

У новгородских скоморохов большой популярностью пользовались так называемые шлемовидные гусли (вторая разновидность гуслей). Они располагали бóльшим количеством струн, чем крыловидные (от 11 до 30). Струны настраивались по квартам и квинтам, образовывая при игре басовый бурдон.

В Новгороде получило развитие искусство колокольного звона. Колокольный звон мог передавать чувства и тревоги, и траура, и праздничного веселья.

На протяжении XV и XVI веков продолжает развиваться инструментальное народное музыкальное творчество. В этот период усиливается интерес к искусству скоморохов. Их приглашают для увеселений в палаты именитых людей Москвы. Иван Грозный называл скоморохов «псами», однако это не мешало ему веселиться вместе с ними и плясать под их музыку, хотя после этого он ходил в баню «отмывать скверну» и замаливал свои грехи в церкви.

XVI век является вершиной развития искусства скоморохов. В начале века в Москве была создана так называемая Государева потешная палата, которая располагала не только талантливыми музыкантами, певцами, сочинителями музыки, вышедшими из среды скоморохов, но и отличными музыкальными мастерами.

Именно в Государевой потешной палате были сконструированы разновидности домры (домришка, домра, домра басистая), гудков (гудочек, гудок, гудище) и прямоугольные (столообразные) гусли. В ансамблях Государевой потешной палаты применяли волынку и сурну. Сурна обладала ярким и сильным звуком.

Из ударных инструментов того времени, кроме барабанов, применялись накры — глиняные горшки разных размеров с натянутой на них кожей, по которой ударяли двумя деревянными палочками. Накры — прототип современных литавр.

XVII век — это новая волнующая страница истории Российского государства. После разрухи, многовековой борьбы, внутренних политических неурядиц Россия восстанавливает свою мощь, расширяет экономические и культурные связи, но вместе с тем происходит закрепощение трудового народа.

Трагично сложилась судьба скоморохов и их искусства. Церковь с самого начала возникновения христианства на Руси вела постоянную и жестокую борьбу со скоморошеством под видом искоренения язычества и суеверий.

В середине XVII века светские власти по требованию церкви предприняли против скоморохов особенно жестокие репрессии. Согласно Указу 1648 года царя Алексея Михайловича, скоморошество и вообще всякая игра на народных инструментах были запрещены в государственном порядке. Народные музыкальные инструменты отнимали, ломали и отвозили за Москву-реку, там сжигали и бросали в реку, а самих скоморохов ссылали в Сибирь.

Не уцелела и Государева потешная палата, но это, возможно, связано с грандиозным пожаром 1701 года, когда деревянная Москва почти полностью сгорела. Гибель ее архивов — невосполнимая утрата для истории русской музыки.

В XVIII веке на Урале обнаружен рукописный сборник скоморошьих песен, автором которого был, как предполагают, Кирша Данилов — собиратель скоморошьих былин. В конце XIX века там же найдена и привезена В.В. Андрееву, основателю русского народного оркестра, древняя балалайка; самый любимый инструмент скоморохов — гусли — получил широкое распространение и дожил до наших дней.

Скоморошество на Руси вошло в историю русской культуры как явление огромной общественной значимости, оно оказало влияние на формирование всех жанров музыкального искусства и литературы.

Разгром скоморошества изменил районы распространения, бытования народных инструментов и характер музицирования.

Домра до второй половины XVII века была широко распространена у скоморохов и являлась одним из самых любимых инструментов. В конце XVII века она полностью вышла из употребления. Ее исчезновение связано с разгромом скоморошества. В это время появилась балалайка, которая не только заменила домру, но и превзошла ее по громкости, способности более ярко выражать черты, свойственные простому народу: жизнерадостность, удальство, юмор.

В городском быту второй половины XVIII века были распространены прямоугольные гусли, гудок, волынка и балалайка. Они часто звучали в ансамблевом сочетании.

В деревнях под звуки свирели, жалейки и рожка пели песни, водили хороводы, плясали. Из ударных применялись ложки и трещотки.

Достижения XVIII века в области всех жанров музыкального искусства, в общественной жизни страны создали благоприятные предпосылки для русского классического искусства XIX века.

Начало XIX века было ознаменовано важным событием в жизни страны: вышел в свет сборник Кирши Данилова. Появление этого сборника стало сенсацией — он явился первой публикацией подлинно народных скоморошьих напевов, одним из редчайших сокровищ музыкального фольклора. Со времени выхода в свет нотного сборника (1818 год) и до наших дней ведется изучение этого уникального явления. Мелодии сборника Кирши Данилова послужили материалом для создания ряда хоровых и инструментальных произведений, в которых воспроизводятся эпизоды из жизни и быта Руси. («Высота ли, высота поднебесная»— дружинная песня из IV картины оперы Н.А. Римского-Корсакова «Садко» — основа — мелодия из сборника К. Данилова).

В каком же направлении развивалась в XIX веке русская народная инструментальная музыка?

Старинные русские народные инструменты в XIX веке — волынка, гудок, домр — почти совсем исчезли из быта народа. Потеряли свою былую известность и прямоугольные гусли. Свирель, жалейка и рожки звучали в деревне, кугиклы — в Брянской области. И только одна балалайка оставалась по-прежнему популярной. В первой трети XIX века она была самым любимым инструментом в народе. Балалайкой интересовались и отдельные высокообразованные музыканты-профессионалы (выдающийся русский скрипач И. Хандошкин виртуозно играл на балалайке).

В 30-х годах прошлого века в России появилась гармоника, которая оказала огромное влияние на развитие городского фольклора. Гармоника пришла к нам с Запада. Первыми конструкторами были немецкий мастер Бушман и венский мастер Демиан.

Развитие производства гармоник в России началось в Туле после того, как немецкая гармоника была привезена с Нижегородской ярмарки. Оружейные мастера усовершенствовали ее конструкцию, в результате чего от западноевропейской гармоники остался только сам принцип устройства инструмента.

Будучи по натуре талантливыми художниками, замечательные тульские мастера с самого начала создавали свои инструменты в условиях кустарного или фабричного производства. Этим гармоника и отличается от русских народных духовых инструментов — жалейки, рожка, свирели, кугикл, издавна изготовлявшихся в крестьянском быту, от домр и балалаек, за столетия до их фабричного производства создававшихся народными мастерами-умельцами (зачастую самими исполнителями).

Со второй половины XIX века гармоника становится незаменимым инструментом на деревенских посиделках, городских вечерах, под гармонику поют частушки, пляшут.

На рубеже двух столетий гармоники сильно потеснили другие русские инструменты, исконно народные по своему происхождению и неповторимо своеобразные в своей тембровой выразительности. Большой знаток русской крестьянской традиции, известный советский прозаик Василий Белов пишет об этом: «Гармонь внедрилась в народный быт из-за своей — «звонкости», а может, благодаря городскому влиянию. Бесчисленные тальянки, ливенки, бологойки, трехрядки, хромки за какие-то полстолетия заполнили не только русский северо-запад, но, видимо, и всю Россию... Традиционные народные инструменты — рожок, свирель, балалайка, жалейка — скромно затихли, не выдержали напора медноголосой, несколько нахальной певуньи».

При постепенном внедрении гармоники в России рельефно ощущалась сложность и неоднозначность этого объективного историко-культурного процесса. С каждым годом происходило все более интенсивное замещение ею других инструментов, что приводило к сильному обеднению русского народного музыкального инструментария. Наконец, гармоника в сильной степени способствовала развитию жанра частушки, значительно более бедной в музыкальном отношении, нежели старинная русская песня.

Однако профессиональные музыканты относились к гармонике резко отрицательно, и на это были определенные причины: гармоники были очень примитивными по конструкции, пронзительно резкими по звучанию, с самого своего появления они были скомпрометированы широким использованием их в кабаках. Считалось, что гармоника портит, развращает художественный вкус народа. «Мы не будем доказывать антимузыкальность этого инструмента — она слишком хорошо известна всякому. Чем скорее исчезнет он в России, тем лучше»,— писал известный в то время музыкальный критик И. Лепаев.

Во второй половине XIX века был создан ансамбль рожечников (1870 г.). Этот ансамбль состоял из пастухов Владимирской губернии. Ансамбль отличался высоким исполнительским мастерством. «Знаете ли вы, что у нас в Питере производят фурор володимерские пастухи-рожечники, играющие на рожках в “Ливадии”? Это такая эпическая народная красота во всех отношениях, что я совсем раскис от удовольствия»,— писал А.П. Бородин в письме своему ученику. Ансамбль состоял из 12 человек.

В русском народном инструментарии деревянный рожок получил широкое распространение. Прежде всего, в знаменитых «хорах» владимирских рожечников — однородных инструментальных ансамблях. Первые «хоры» владимирских рожечников были созданы Николаем Кондратьевым, Никитой Корзиновым, братьями Петром и Николаем Бахаревыми. Наибольшую известность получил «Хор рожечников» Кондратьева, неоднократно выступавший в Петербурге, Москве и других городах России. В 1884 году выступление ансамбля с большим успехом прошли на Всемирной выставке в Париже.

К концу XIX века в области культуры противоборствовали две силы: аристократическая и чиновничья придворная верхушка, насаждавшая западноевропейское искусство, и передовая, демократически настроенная часть русского общества, стремившаяся развивать национальное искусство и выдвинувшая из своей среды гениальных композиторов, музыкантов, певцов, артистов, художников, писателей.

Для широких народных масс искусство в то время было недоступно. С таким положением не могли мириться передовые люди того времени. Среди этих людей был и Василий Васильевич Андреев. Он родился в 1861 году. К 14 годам он уже умел играть на многих народных инструментах, знал все народные песни, которые пелись в округе, лихо отплясывал «русского». Учась в гимназии в Петербурге, юноша одновременно занимается у известного петербургского скрипача Галкина, окончившего Петербургскую консерваторию по классу профессора Ауэра с серебряной медалью и ставшего впоследствии профессором консерватории. Андреев увлекался игрой на скрипке, с большим желанием изучал историю русской музыки.

Его судьбу решил случай. Летом 1883 года, в деревне Марьино, Андреев услышал игру крестьянина Антипа на старинной балалайке. Инструмент был крайне примитивный, но звучал удивительно колоритно, четко, бойко. Андреев углубляется в изучение акустических законов, на основе который конструируются музыкальные инструменты, и по чертежу Андреева известный петербургский скрипичный мастер В. Иванов изготавливает для него 5-ладовую балалайку. В 1886 году мастером Ф. Пасербским была изготовлена первая 12-ладовая балалайка с хроматическим звукорядом. Состоялось первое публичное выступление Андреева. Андреев быстро приобретает популярность. Он решил создать ансамбль балалаечников и разрабатывает конструкции различных видов инструментов. По чертежам Андреева изготавливают балалайки пикколо, дискант, альт, бас и контрабас. И вот 20 марта 1888 года состоялось первое выступление этого ансамбля. Постепенно ансамбль приобретает европейскую известность (поездка в Париж).

В балалаечный ансамбль вливаются новые силы, деятельность Андреева заинтересовала музыкантов-профессионалов. С ним пожелали сотрудничать: Николай Петрович Фомин — композитор, ученик Римского-Корсакова по Петербургской консерватории; Николай Петрович Привалов — музыкант-этнограф; Владимир Трифонович Насонов — впоследствии теоретик-методист по народным оркестрам; Борис Сергеевич Трояновский — будущий виртуоз-балалаечник, принесший скромной русской балалайке мировую славу.

Андреев решил создать оркестр русских народных инструментов. Мастер Налимов изготовил музыкальные инструменты. С новыми инструментами ансамбль зазвучал по-новому: ярко, колоритно.

В 1897–1898 годах В. Андреев проводит огромную работу по формированию оркестра: соединяет балалаечную группу с домровой, вводит два вида гуслей, парную свирель, брелку, из ударных — бубен и древнерусские накры.

Большая заслуга принадлежит мастеру Налимову — он достиг высокого совершенства в изготовлении балалаек и домр, заслужил при жизни славу «русского Страдивари». Его инструменты были отмечены большой золотой медалью на Всемирной выставке в Париже (1900 год) и на Первой Всероссийской выставке музыкальных инструментов в Петербурге (1907).

Свой оркестр Андреев назвал «Великорусским» — с ним он совершал поездки по России.

Октябрьскую революцию Андреев встретил с радостью. Наконец-то осуществится его заветная мечта вернуть народу его инструменты в усовершенствованном виде, сделать музыку доступной народу. Великорусский оркестр первым откликается на призыв нести искусство в массы. Оркестр выступает в рабочих клубах, на собраниях, на фронтах Гражданской войны.

Заслуги Андреева перед нашей родиной огромны. Он возродил несправедливо забытые древнерусские народные инструменты, усовершенствовал их; создал русский народный оркестр; разработал репертуар для солирующей балалайки и оркестра. Приятно, легко играть пьесы Андреева — инструменты звучат естественно, все удобоисполнимо. С именем Андреева связано создание оркестров русских народных инструментов и национальных оркестров в бывших союзных республиках.

В 1926 году в Ленинграде был проведен первый в истории России конкурс исполнителей на народных инструментах. В 1927 году в Москве — конкурс гармонистов, который возглавил М.М. Ипполитов-Иванов.

Творческие традиции оркестра Андреева продолжали развивать два ведущих профессиональных оркестра — ленинградский и московский. Ленинградский оркестр после смерти В.В. Андреева возглавил В.В. Кацан, тогда же ленинградский оркестр был преобразован в Первый народный государственный оркестр. В 1951 году ему было присвоено имя его основателя — Василия Васильевича Андреева.

В суровое время Гражданской войны, в 1919 году, начал свою работу Первый московский великорусский оркестр. Его основателями явились петроградские музыканты — известный домрист и дирижер Петр Алексеев, его брат, домрист Сергей Алексеев и выдающийся виртуоз-балалаечник Борис Трояновский. Все трое в прошлом были участниками знаменитого Великорусского оркестра, основанного В. Андреевым.

В течение двадцати лет оркестр возглавлял Петр Алексеев, сочетавший в себе таланты дирижера, инструменталиста. В дальнейшем П. Алексеев явился первым художественным руководителем оркестра русских народных инструментов Всесоюзного радио. С 1923 года оркестр стал участвовать в музыкальных передачах молодого советского радиовещания.

В 1936 году оркестр становится Государственным оркестром народных инструментов СССР.

В 1939 году коллектив на короткое время возглавил выдающийся дирижер Николай Голованов. А в следующем году художественным руководителем оркестра стал Николай Осипов. К этому времени он был уже знаменитым балалаечником, лауреатом Всесоюзного конкурса исполнителей на народных инструментах.

В 1945 году Николая Осипова не стало. Год спустя коллективу было присвоено его имя. В 1945–1953 годах оркестр возглавлял его брат, Дмитрий Осипов, за свою недолгую жизнь проявивший себя ярко и талантливо.

Время выдвигало новых дирижеров. В оркестр пришел Виктор Смирнов — музыкант большой профессиональной культуры и подлинного энтузиазма. С осиповцами работал Виталий Гнутов, активно расширявший сотрудничество коллектива с мастерами советского вокального искусства. Большой вклад в художественный рост коллектива внес Виктор Дубровский, чья творческая энергия способствовала обогащению концертных программ целым рядом новых интересных сочинений, а также переложениями для русского оркестра произведений Мусоргского, Стравинского, Шостаковича, Свиридова, Щедрина.

В разные годы с коллективом эпизодически выступали такие дирижеры, как Николай Аносов, Александр Гаук, Геннадий Рождественский, Лео Гинзбург, Владимир Федосеев, Сергей Колобков, Павел Нечепоренко. В 1969 году Государственному русскому оркестру имени Н. Осипова присвоено звание академического.

Среди ведущих наших коллективов оркестр имени Н. Осипова имеет, вероятно, самую большую традицию выступлений с выдающимися мастерами вокала. Золотыми буквами вписаны в историю оркестра совместные концерты с корифеями вокального искусства А.В. Неждановой, Н.А. Обуховой, М.П. Максаковой, В.В. Барсовой, С.Я. Лемешевым, И.С. Козловским, с непревзойденной исполнительницей русских песен Лидией Руслановой и замечательным эстонским певцом Георгом Отсом. Этот далеко не полный перечень постоянно пополняется все новыми именами талантливых исполнителей.

В 1979 году во главе коллектива встал Николай Калинин. Еще учась в музыкальном училище при Московской консерватории, Калинин сплотил вокруг себя сверстников, организовав «свой» оркестр, из которого позднее вырос коллектив, получивший название Московского молодежного оркестра русских народных инструментов.

Репертуар оркестра всегда был достаточно широк. В оркестре звучит музыка композиторов разных поколений — Николая Будашкина, Павла Куликова, Бориса Кравченко, Александра Холминова, Юрия Шишакова, Александра Широкова, Павла Барчунова, Владимира Комарова, Алексея Ларина. Ныне в большей степени, чем когда-либо, основу репертуара составляют произведения, написанные специально для русского оркестра. Многие из них созданы именно для осиповцев.

Среди русских оркестров, профессиональных и самодеятельных, осиповцы наиболее широко претворяют идеи Василия Андреева, касающиеся совершенствования народных инструментов. Оркестр имени Н. Осипова — единственный профессиональный коллектив, в состав которого входит группа из шести усовершенствованных владимирских рожков, охватывающая инструменты, различные по своему диапазону. Ведется работа по усовершенствованию свирели, брелки, жалейки, обогащению их художественных возможностей.

Отрадно, что многим участникам оркестра присуща творческая многогранность. Вера Николаевна Городовская, проработавшая в оркестре более сорока лет, в свое время окончила Московскую консерваторию по классу фортепиано у С.Е. Фейнберга. Посвятив себя гуслям, она явилась создателем нового вида ансамбля — дуэта щипковых и клавишных гуслей. В. Городовская является автором многих произведений для оркестра русских народных инструментов.

Целый ряд сочинений создал и высокоталантливый домрист, лауреат Международного конкурса Александр Цыганков, несколько лет проработавший в оркестре.

Декабрьским днем 1945 года в Москве, в одном из тихих переулков, примыкающих к нынешнему проспекту Мира, в школьном здании собрались музыканты — с домрами, балалайками, гармониками. На многих еще были солдатские шинели. Так начинал свою творческую жизнь один из прославленных наших художественных коллективов, впоследствии названный Академическим оркестром русских народных инструментов Центрального радио и телевидения.

Оркестр действительно русский — и по преобладающему инструментарию (домры и балалайки), и по общему характеру звучания. Он истинно народный по своим художественным исполнительским традициям, по широте своей аудитории. Наконец, он в самом высоком смысле слова — академический. И хотя звание это было присвоено коллективу в 1973 году, уже многие годы до этого он являлся подлинной академией народного исполнительского искусства. Оркестр относится к числу лучших не только среди оркестров данного типа, но и вообще среди наших музыкальных коллективов, вне зависимости от исполнительского состава.

В первые годы работы оркестром Центрального радио руководил известный домрист Петр Алексеев, ранее являвшийся одним из организаторов Первого московского великорусского оркестра. В 1947 году коллектив возглавил дирижер Виктор Смирнов, много выступавший и с симфоническими оркестрами. Эпизодически с русским оркестром работали известные симфонические дирижеры А. Гаук, Н. Аносов, Г. Столяров. С их творческой деятельностью связано расширение репертуара, рост музыкальной культуры коллектива.

В 1959 году за дирижерский пульт оркестра впервые встал Владимир Федосеев, принесший в работу коллектива энергию молодости, своеобразие интерпретаций.

В 1974 году коллектив возглавил Николай Николаевич Некрасов. Его родители были музыкантами, причем отец — тоже Николай Николаевич — руководил оркестром русских народных инструментов, существовавшим в 40-х годах при хоре русской песни Всесоюзного радио. В 14 лет он по настоянию отца поступает в Московское музыкальное училище имени Октябрьской революции в класс домры. Вскоре он переходит в класс балалайки, с которой уже на долгое время связывает свои устремления.

Основу репертуара оркестра составляет русская музыка — классическая и современная. Чтобы в оркестре звучала классика, да и многое из советской и зарубежной музыки нашего века, нужны тщательный отбор произведений и их инструментовка для оркестра русских инструментов. В репертуар оркестра входят не только произведения русской музыки, но и сочинения, созданные композиторами бывших союзных и автономных республик.

Коллектив неоднократно выступал за рубежом. С огромным успехом прошли гастроли в Германии и Югославии, Испании и Португалии, США, Англии и Ирландии... А вслед за зарубежными гастролями — вновь поездки по стране, новые встречи, новые концертные программы.

В 1981 году за большие заслуги в развитии музыкального искусства Николаю Некрасову было присвоено высокое звание народного артиста РСФСР. О прославленном коллективе и его художественном руководителе очень хорошо и точно сказал известный композитор Андрей Эшпай: «Замечательный оркестр, во главе которого стоит замечательный музыкант! Энтузиазм и увлеченность, с которыми они работают, приносят богатые плоды и снискали им любовь многочисленных слушателей».

Три прославленных оркестра, о которых мы рассказали, ныне являются ведущими коллективами, своеобразными эталонами исполнительского мастерства.

В 1960–1970-х годах заметно оживилась и расширилась творческая деятельность оркестра русских народных инструментов Новосибирского радио и телевидения. Он возник в 1927 году, выступал в концертах первой Сибирской радиовещательной станции. Организатором и художественным руководителем был Василий Афанасьевич Гирман. В 1969 году в оркестр в качестве второго дирижера был приглашен воспитанник Новосибирской консерватории Владимир Поликарпович Гусев. В 1975 году он возглавил коллектив.

В 1970-х годах интересно заявил о себе московский оркестр «Боян». Инструментальный состав этого оркестра очень специфичен. Из трехструнных домр в него входит лишь домра пикколо. Остальные домры — четырехструнные. В то же время отсутствуют басовые домры, балалайки секунды и альты. Вместо группы оркестровых гармоник в состав оркестра входят два многотембровых баяна «Юпитер» и электроорган (синтезатор). Руководит коллективом народный артист РСФСР Анатолий Иванович Полетаев.

Особое место в нашей музыкальной жизни занимают учебные оркестры различного состава и в их числе оркестры народных инструментов. Специфика работы учебных оркестров заключается в том, что эти коллективы обладают относительно мобильным репертуаром и регулярно обновляют состав участников. Учебные оркестры русских народных инструментов существуют в ряде консерваторий, институтов искусств и институтов культуры, во многих музыкальных училищах и училищах искусств. Хотя учебные оркестры не являются профессиональными коллективами по своему статусу, некоторые из них относятся к таковым по своему художественному уровню. В первую очередь можно назвать оркестр русских народных инструментов Государственного музыкально-педагогического института имени Гнесиных. Активную концертную работу ведут студенческие оркестры русских народных инструментов.

Оркестр русских народных инструментов живет, развивается, обогащается новыми достижениями. И в этой творческой устремленности — залог плодотворных завтрашних свершений.


Тема 4. Инструменты основных групп оркестра русских народных инструментов