Geum.ru

Культура и искусство

  • 7541. Эпоха Возрождения в Италии
    Курсовой проект пополнение в коллекции 08.12.2010

    Работы Брунелесски:

    • 14011402 гг. конкурс на тему «Жертвоприношение Авраама» из Ветхого Завета; проект бронзовых рельефов для северных дверей флорентийского баптистерия (28 рельефов, заключенных в квадрифолии размером 53×43 см). Брунеллески проиграл. Конкурс выиграл Лоренцо Гиберти. «Уязвленный решениями комиссии, Брунеллески, отвернулся от родного города и отправился в Рим…, чтобы изучать там истинное искусство»[1]. Рельеф находится в Национальном музее Барджелло, Флоренция.
    • 14121413 гг. Распятие в церкви Санта-Мария-Новелла (Santa Maria Novella), Флоренция.
    • 14171436 гг. Купол кафедрального собора Санта-Мария-дель-Фьоре или просто Дуомо (Duomo), до сих пор самая высокая постройка во Флоренции (114, 5 м), спроектированная таким образом, чтобы внутри могло поместиться все население города «великое… вздымающееся к небесам сооружение осеняет собой все тосканские земли» писал о нём Леон Баттиста Альберти.
    • 14191428 гг. Старая сакристия (Sagrestia Vecchia) церкви Сан-Лоренцо (San Lorenzo), Флоренция. В 1419 г. заказчик Джованни ди Биччи (Giovanni di Bicci), основатель рода Медичи, отец Козимо Старшего (Cosimo il Vecchio), задумал перестроить собор, бывший тогда маленькой приходской церковью, но Брунеллески успел доделать только старую сакристию, Новую сакристию (Sagrestia Nuova), спроектировал уже Микеланджело.
    • 14291443 гг. капелла (молельня) Пацци (Cappella dePazzi), расположенная во дворе францисканской церкви Санта-Кроче (Santa Croce) во Флоренции. Это небольшое крытое куполом здание с портиком.
    • начатая в 1434 г. церковь Санта-Мария-дельи-Анжели (Santa Maria degli Angeli), во Флоренции, так и осталась недостроенной.
    • 14361487 гг. церковь Санто-Спирито (Santo Spirito), законченая уже после смерти зодчего. «Центрическое купольное здание из равновеликих квадратов и боковых нефов с нишами-капеллами было затем расширено путем добавления продольного здания до колонной базилики с плоским перекрытием»[2].
    • Начатый в 1440 г. Дворец Питти (Palazzo Pitti) окончательно достроен был только в XVIII веке. Работы были прерваны в 1465 г. в связи с тем, что заказчик дворца коммерсант Лука Питти разорился, а резиденцию в 1549 году купили Медичи (Элеонора Толедская, жена Козимо I), именно которых и хотел обставить Лука Питти, заказав в свое время окна такого же размера как и двери в палаццо Медичи.
  • 7542. Эпоха Возрождения в Италии на примере картины Камбьязо Луки "Золотой век"
    Курсовой проект пополнение в коллекции 16.11.2010

    Итальянская картина эпохи Возрождения имела два, чаще три пространственных плана: передний, где располагались главные персонажи, средний с сильным масштабным перепадом фигур, несоизмеримых с фигурами переднего плана, и дальний с видом на природу, замыкающуюся линией горизонта. Картина Камбьязо «Золотой век» разделена на два плана. Персонажей художник располагает на первом плане. Герои «застыли» в самых выразительных позах. Художник изображает их в античном образе, черты их лиц правильные, части тела пропорциональны. В них нет ничего лишнего, отталкивающего, все прекрасно. Картина наполнена символами. Камбьязо пишет персонажей обнаженными. Нагота символизирует чистоту и невинность, это атрибут безгрешной жизни. Также она символизирует неделимость и изобилие. Для художника Ренессанса обращение к обнаженной натуре было осознанным выбором, продиктованным не только желанием использовать наследие античности для развития культурных достижений Средневековья, но и обновленным представлением о человеке, как «мере всех вещей» и центре мироздания. Человеческое тело воспринималось, как самое совершенное воплощение гармонии. Бедра мужчины оплетает тонкая ветвь винограда. Виноград древнейший символ плодородия и изобилия, силы и жизнерадостности. Мастер окрашивает ветку в зеленый цвет. Зеленая ветвь олицетворяет возрождение и бессмертие. Женщина, размещенная в левой части полотна кормит грудью младенца. Это символ материнства и милосердия. Позади другой младенец забавляется с тремя золотыми яблоками. Яблоки олицетворяют совершенство, красоту, любовь, мудрость. Кроме того, их связывают с вечной молодостью. Золотой цвет земного и небесного величия. Золотое яблоко считается знаком разума, мудрости и бессмертия. Это цвет солнечного бога Аполлона, один из цветов Зевса. Голову белого барана художник изображает справа. Баран олицетворяет мужское начало, порождающую силу, творческую энергию. Белый цвет символизирует чистоту, целомудрие, умеренность, свет. Он подразумевает невинность и истину. Также белый цвет может означать мир, доброту и высоту духа. Закрученный в спираль бараний рог считается символом мощи, грома. Дуб символизирует силу и долголетие, прочность и твердость. Благодаря своим огромным размерам и значительной продолжительности жизни он почитался, как царь леса, поэтому его посвящали главным богам (в Греции Зевсу, в Риме Юпитеру). Культ дуба существовал практически у всех европейских народов этрусков, римлян, скандинавов, славян, германцев. Во многих традициях существовали священные дубовые рощи. Также дуб отождествляется с мужским началом. Нередко предстает как мировое древо. Он обеспечивает связь земли и неба, переднего и заднего планов рассматриваемой картины.

  • 7543. Эпоха Возрождения в Японии
    Курсовой проект пополнение в коллекции 08.01.2011

    Уникальный, сохранившийся на протяжении веков суверенитет сделал Японию хранителем сокровищницы азиатского мышления и культуры. Утонченные достижения индийского искусства во многом были разрушены гуннами, фанатическим иконоборством мусульман и бессознательным вандализмом торгашеских европейцев, считает японский ученый Какузо Окакура. По его мнению, «Япония музей азиатских культур, и даже больше, чем музей». Такой тезис имеет под собой определенные основания достаточно вспомнить храмовый комплекс Нара, в котором богато представлены произведения искусства Индии и культуры Китая эпохи Тан. Во-вторых, нельзя сбрасывать со счетов то, что для японцев характерна исключительно сильно выраженная традиционность. А это значит, что нормативные функции народных поверий, великолепно совмещенных с положениями основных восточных религий (конфуцианство, буддизм и др.) еще долго будут играть свою роль в жизнедеятельности японской нации. Упомянутый выше Какузо Окакура отмечает роль традиций японской культуры в современной жизни: «Поэзия Ямато и музыка Бугако, которые отражают идеал Тан при режиме аристократии Фудзивары, являются источником вдохновения и наслаждения в наши дни, подобно мрачному дзэн-буддизму и танцам но, которые были продуктом просвещения Сун». Это значит, что Япония сохраняет истинно азиатскую душу, хотя она и «вплетает» ее в современные силы.

  • 7544. Эпоха Возрождения и работы Пьеро делла Франческа
    Информация пополнение в коллекции 12.01.2011

    Художник из маленького городка, до 16 века не попавшего в сферу культурного влияния Флоренции, Пьеро с готовностью учился у мастеров из других городов. У Доменико Венециано, на формирование которого, в свою очередь оказал влияние стиль интернациональной готики, представленный в Венето творчеством Джентиле да Фабриано и Пизанелло, Пьеро дела Франческа научился натуралистической передаче освещения и светотени; этот прием лег в основу мощного поэтического реализма его произведений. Импрессионистические мотивы в трактовке листвы, заимствованные художником, возможно, у Доменико Венециано, в более поздних его работах, написанных под влиянием фламандской живописи, стали одной из самых ранних в заподноевропейском искусстве попыток изображения предметов с учётом освещения. «Пьеро делла Франческа был призван старшим Гвидубальдо Фельтро, герцогом Урбино, для которого сделал много красивейших картин с маленькими изображениями; большая часть их сильно пострадала, так как это государство много раз терпело войн. Там сохранились тем не менее некоторые из его рукописей по геометрии и перспективе, в которых он был не хуже любого в своё время и даже, может быть, тех, кто вообще когда-либо существовал. Это показывают его произведения, полные перспективы, и в частности сосуд, так нарисованный в квадратах с разных сторон, что дно и горлышко видны спереди, сзади и с боков; это поистине изумительная вещь, в которой он тончайшим образом нарисовал каждую мелочь и с большим изяществом произвел перспективное сокращение всех окружностей». Несмотря на то, что Пьеро всегда сохранял тесную связь со своей семьей и родным городом, примерно с 1446 по 1454 года он много работал при дворах правителей Пезаро, Феррары и Римини, в Болонье, Анконе и Лорето. «Так после Урбино,- пишет Вазари,- Пьеро отправился в Пезано и Анкору , откуда, среди занятий прекраснейшими работами, был призван герцогом Борсо в Феррару, где во дворце расписал много зал, впоследствии разрушенных герцогом Эрмоле Старшим, чтобы переделать дворец в современном стиле. Таким образом, в этом городе осталась только одна капелла в церкви святого Августина, расписанная фреской рукой Пьеро, но она от сырости сильно пострадала». После этого его призвал в Рим папа Николай V, там в верхних комнатах дворца конкурируя с Браманте из Милана он исполнил два сюжета, которые тоже по сведениям Вазари были разрушены папой Юлием II, так как Рафаэль из Урбино там должен был написать заключение святого Петра в темницу и чудо с причастием в Больсене. После того как Пьеро закончил свои работы в Риме, он «вернулся в Бонго, так как умерла его мать, и внутри приходской церкви сделал фреской на средних дверях двух святых, которые считались прекраснейшей вещью. В монастыре августинцев он написал на дереве алтарный образ, и эту вещь весьма хвалили; фреской он исполнил «Богоматерь Милосердие» в одном обществе, или как они себя называют, братстве; а во дворце консерваторов - воскресение Христа, которое считается лучшим из его произведений в названном городе и вообще из всех его работ»,- пишет Вазари.

  • 7545. Эпоха возрождения, титаны ренессанса
    Информация пополнение в коллекции 12.01.2009

    “Чтобы дать себе отчет, - пишет Вазари, - насколько небо может проявить себя расточительным и благосклонным, возлагая на одну лишь голову то бесконечное богатство своих сокровищ и красот, которое оно обыкновенно распределяет в течение долгого времени между несколькими личностями, надо взглянуть на столь же превосходного, как и прекрасного, Рафаэля Урбинского. Он был от природы одарен той скромностью и той ласковостью, что можно иногда наблюдать у людей, которые более других умеют присоединять к естественному благорасположению прекраснейшее украшение чарующей любезности, проявляющей себя во всем и при всех обстоятельствах одинаково милой и приятной. Природа сделала миру этот дар, когда, будучи побеждена искусством Микеланджело Буонарроти, она захотела быть побежденной одновременно искусством и любезностью Рафаэля”. В Рафаэле, свидетельствует Вазари, блистали “самые редкие душевные качества, с которыми соединялось столько грации, трудолюбия, красоты, скромности и доброй нравственности, что их было достаточно, чтобы извинить все пороки, как постыдны они ни были бы. Таким образом, можно утверждать, что те, кто так счастливо одарен, как Рафаэль Урбинский, не люди, но смертные боги, если только так позволено выразиться... В течение всей своей жизни он не переставал являть наилучший пример того, как нам следует обращаться как с равными, так и с выше и ниже нас стоящими людьми. Среди всех его редких качеств одно меня удивляет: небо одарило его способностью иначе себя вести, нежели это принято среди нашей братии художников; между всеми художниками, работавшими под руководством Рафаэля царило такое согласие, что каждый злой помысел исчезал при одном его виде, и такое согласие существовало только при нем. Это происходило от того, что все они чувствовали превосходство его ласкового характера и таланта, но главным образом благодаря его прекрасной натуре, всегда столь внимательной и столь бесконечно щедрой на милости, что люди и животные чувствовали к нему привязанность... Он постоянно имел множество учеников, которым он помогал и которыми он руководил с чисто отеческой любовью. Поэтому, отправляясь ко двору, он и был всегда окружен полсотней художников, всё людей добрых и смелых, составлявших ему свиту, чтобы воздать ему честь. В сущности, он прожил не как художник, а как князь”.

  • 7546. Эпоха вселенских соборов
    Доклад пополнение в коллекции 17.05.2010
  • 7547. Эпоха греческого просвещения: история и полемика
    Информация пополнение в коллекции 12.01.2009

    В 1745 году, как лучший ученик, он был принят в одно из самых известных в то время учебных заведений Османской империи - "Евангельскую школу" города Смирны. После семилетнего обучения здесь, в 1752-м году он отправился на Святую Гору, где записался в Афонскую богословскую школу, так называемую "Афониаду". В то время во главе школы стоял Неофит Кавсокаливит (предположит. 1713-1784) - один из первых колливадов. Неофит преподавал здесь грамматику, а другой выдающийся ученый и богослов эпохи - Евгений Вулгарис - философию. В этой школе Афанасий тоже был первым учеником. Проучившись три года, он остался здесь преподавать. Между тем, в Солунской народной школе освободилось место директора, и ему было предложено занять эту должность. В то время он был уже диаконом. Должность директора Солунской школы он занимал на протяжении двух лет - с 1757-го по 1758-й годы. В 1760-ом году он переехал на остров Керкира, где преподавал в школе известного богослова, философа и натурфилософа Никифора Феотокиса. Однако это продолжалось недолго. Близкий друг Афанасия и коллега по преподаванию в Афонской школе, Панайот Палама (1722-1803), основатель так называемой "паламитской школы" в Мессолонге, предложил ему стать преподавателем в его школе. Афанасий принял его предложение, однако и в Мессолонге ему не удалось обосноваться надолго, потому что в 1767-м году он переехал опять в Салоники.

  • 7548. Эпоха Нового времени
    Информация пополнение в коллекции 12.01.2009

    Общие принципы барокко были порождены кризисным состоянием общества, которое проявилось в ходе Реформации буржуазных революций, в столкновении научных и религиозных представлений о мире. Поэтому в искусстве барокко духовное находилось в контрасте с материальным. Художники этого стиля стремились запечатлеть движение, нереальность, сказочность мира. Лоренцо Бернини (1598-1680) был самым ярким мастером римского барокко. Архитектор, скульптор, живописец, он наиболее полно вобрал изящность стиля со всеми его достоинствами и недостатками. Главное и наиболее величественное сооружение католического Рима- собор св. Петра - представляет собой своеобразный музей творчества Бернини. Под его могучим куполом, воздвигнутым ещё Микеланджело, возвышается тридцатиметровая сень - монументально-декоративное сооружение мастера, а в алтаре - сверкающая белизной мрамора и игрой золота, украшенная фигурами, изображениями отцов церкви, ангелами и амурами, гениями и святыми кафедра Петра. Однако самое незабываемое впечатление от барочного Рима 17 в. производит площадь перед собором св. Петра. Это грандиозное творение Бернини, состоящее из 284 колонн, обнимает в четыре ряда огромное пространство.

  • 7549. Эпоха Просвещения – становление рационализма
    Информация пополнение в коллекции 22.11.2009

    Просвещение можно считать главным феноменом XVIII века. Если деятели предыдущего столетия еще учились сами, то теперь мыслящая часть общества осознала, что знания должны быть доступны и народу. Самыми мощными средствами на тот момент для целей Просвещения стали литература и театр. Центральные идеи просветителей были таковы: критика феодального общества и церковного “мракобесия”, осознание основополагающей роли знания, воспитания и образования, материализм, исторический оптимизм, понимание человека как “tabula rasa” (“чистая доска”), на которую можно записать все разумное, и, конечно, идея прогресса человека и человечества. Важным явилось осознание возможности существования различных взглядов на мир, философию, искусство, мораль. Культура XVIII века создала научное, философское, мировоззренческое течение модернизм, который, вобрав в себя основные прогрессивные черты предыдущих этапов культурного развития общества, стал определяющим направлением для культуры последующих двух столетий. Ознакомившись с основными особенностями модернистского мышления, можно придти к выводу, что причины современной кризисной культурной ситуации лежат именно в нем, и это обуславливает актуальность данной работы.

  • 7550. Эрих Фромм - "Искусство любви"
    Информация пополнение в коллекции 09.12.2008

    Вторая глава книги, собственно, и посвящена теории любви. Здесь я бы хотела добавить, что содержание книги выходит за рамки просто определения этого чувства, что понятно. Наша жизнь совокупность различных факторов и обстоятельств, поэтому и любовь нельзя отделить от действительности, от окружающей среды. Тут (в этой главе), как я уже говорила, есть много небезынтересных идей. Например, одна из них состоит в следующем: человек по своей сути стремится быть идентичным, то есть подсознательно ему хочется, чтобы он был не один. Хотя и внешне кажется обратное: “люди живут с иллюзией, что они следуют своим собственным идеям и наклонностям, что они оригинальны, что они приходят к своим убеждениям в результате собственного раздумья”. На самом деле, если копнуть глубже, можно увидеть, что “их идеи схожи с идеями большинства”, то есть “согласие всех служит доказательством правильности “их” идей”. Но поскольку все же есть маленькая необходимость в индивидуализме, то она удовлетворяется с помощью таких незначительных отличительных знаков, как инициалы на одежде, принадлежность к какой-либо партии и так далее. Но, на самом деле, полное единение, то есть ощущение, что не одинок, приходит только в любви. Но в то же время только это чувство позволяет двум существам стать одним и при этом оставаться двумя. Тут же Фромм дает некоторое определение: “Любовь это активная сила в человеке, сила, которая рушит стены, отделяющие человека от его ближних; которая объединяет его с другими; любовь помогает ему преодолеть чувство изоляции и одиночества; при этом позволяет ему оставаться самим собой, сохранять свою целостность”. Достаточно емкая, на мой взгляд, дефиниция. Таким образом, активный характер чувства состоит именно в том, что любовь это, прежде всего, давать, а не брать. Но для того, чтобы давать, человек должен дойти до определенного уровня развития. На самом деле, “давать более радостно, чем брать, не потому, что это лишение, а потому, что в этом акте давания проявляется выражение моей жизнеспособности”.

  • 7551. Эрих Фромм - Искусство любви
    Информация пополнение в коллекции 12.01.2009

    Вторая глава книги, собственно, и посвящена теории любви. Здесь я бы хотела добавить, что содержание книги выходит за рамки просто определения этого чувства, что понятно. Наша жизнь совокупность различных факторов и обстоятельств, поэтому и любовь нельзя отделить от действительности, от окружающей среды. Тут (в этой главе), как я уже говорила, есть много небезынтересных идей. Например, одна из них состоит в следующем: человек по своей сути стремится быть идентичным, то есть подсознательно ему хочется, чтобы он был не один. Хотя и внешне кажется обратное: “люди живут с иллюзией, что они следуют своим собственным идеям и наклонностям, что они оригинальны, что они приходят к своим убеждениям в результате собственного раздумья”. На самом деле, если копнуть глубже, можно увидеть, что “их идеи схожи с идеями большинства”, то есть “согласие всех служит доказательством правильности “их” идей”. Но поскольку все же есть маленькая необходимость в индивидуализме, то она удовлетворяется с помощью таких незначительных отличительных знаков, как инициалы на одежде, принадлежность к какой-либо партии и так далее. Но, на самом деле, полное единение, то есть ощущение, что не одинок, приходит только в любви. Но в то же время только это чувство позволяет двум существам стать одним и при этом оставаться двумя. Тут же Фромм дает некоторое определение: “Любовь это активная сила в человеке, сила, которая рушит стены, отделяющие человека от его ближних; которая объединяет его с другими; любовь помогает ему преодолеть чувство изоляции и одиночества; при этом позволяет ему оставаться самим собой, сохранять свою целостность”. Достаточно емкая, на мой взгляд, дефиниция. Таким образом, активный характер чувства состоит именно в том, что любовь это, прежде всего, давать, а не брать. Но для того, чтобы давать, человек должен дойти до определенного уровня развития. На самом деле, “давать более радостно, чем брать, не потому, что это лишение, а потому, что в этом акте давания проявляется выражение моей жизнеспособности”.

  • 7552. Эрмитаж
    Информация пополнение в коллекции 12.01.2009

    Одним из самых замечательных творений русских камнерезов прошлого является знаменитая Колыванская ваза (в зале № 128). Созданная из красивого камня ревневской яшмы, она поражает своими размерами, красотой формы и совершенством обработки материала. Высота вазы более двух с половиной метров, большой диаметр чаши пять метров, малый - свыше трех метров. При весе в девятнадцать тонн (это самая тяжелая в мире ваза, выполненная из твердого камня), она не выглядит громоздкой. Тонкая ножка, удлиненная овальная форма чаши, расчлененной с боков и снизу радиально расходящимися „ложками", соразмерность частей придают ей изящество и легкость. Ваза изготовлена из глыбы камня, которую в течение двух лет обрабатывали на месте находки, а затем тысяча рабочих доставила ее за пятьдесят верст на Колыванскую фабрику, прорубая для этого дороги в лесах и создавая переправы через реки. Непосредственно над выполнением самой вазы, создававшейся по проекту архитектора Мельникова, мастера Колыванской гранильной фабрики трудились в течение двенадцати лет, закончив работу к 1843 году. В Петербург ее доставили с большим трудом, в разобранном виде (ваза состоит из пяти частей, причем основная из них чаша монолитна). До Урала вазу везли на специальной телеге, в которую впрягали от ста двадцати до ста шестидесяти лошадей. А далее по Чусовой, Каме, Волге, Шексне и Мариинской системе переправили на барже до места выгрузки на набережной Невы. После предварительного укрепления фундамента семьсот семьдесят рабочих установили ее в зале Эрмитажа, где она находится и в настоящее время.

  • 7553. Эрнест Геллнер \"Две попытки уйти от истории\"
    Статья пополнение в коллекции 12.01.2009

    Способы, которыми два мыслителя использовали эти подспудные тенденции, были совершенно различны. Малиновский воспринял методы полевой работы восточноевропейского популизма, обосновывая их, как это ни парадоксально звучит, принципами венского позитивизма, и применил их в разработке сюжетов социальной антропологии. Витгенштейн в конечном счете воспринял тот же популизм, но обосновывал его принятие крушением венского позитивизма и применил для изучения человечества в целом. Для Малиновского наблюдение и описание тесно сплетенных элементов культуры было результатом применения идей Венского кружка, в то время как для Витгенштейна такое наблюдение и описание явилось альтернативой тем же идеям. Малиновский соединил черты, взятые с двух противоположных сторон габсбургского спектра идей, и придерживался выработанной в результате этого позиции в течение всего периода своей профессиональной зрелости. В отличие от него Витгенштейн пережил резкую смену одной четкой позиции другой — не менее четкой, но совершенно противоположной, причем обе эти позиции являлись крайним и бескомпромиссным выражением сначала одной, а затем противоположной стороны того же габсбургского спектра идей. В юности он сообщил человечеству, что его — человечества — речь, подозревает ли человек об этом или остается в неведении, есть результат применения единой универсальной логики, недавно открытой и выявленной исчислениями теории множеств и изучением основ математики. Разнообразие культур и языков — это лишь не имеющие отношения к делу помехи, не вносящие ничего реального в реальное дело полагания смысла. Все остальное, что человеческая душа переживает и ценит, находится вообще вне пределов речи. Следовательно, невыразимое, так же как и произносимое, по сути своей одинаковы у всех людей. Все мы — одно: и в том, что говорим, и в том, о чем молчим. Позднее Витгенштейн утверждает, что истинна противоположная точка зрения: человечество должно согласиться с владычеством своих концептуальных или языковых обычаев во всем их разнообразии и не должно ни в коем случае искать им объяснения, равно как

  • 7554. Эрнст Неизвестный: путь жизни, мысли и творчества
    Информация пополнение в коллекции 09.12.2008

    Связь русской философии и искусства и есть тот культурный и интеллектуальный контекст, в котором надо понимать Неизвестного. Неизвестный не только продолжает традиции русского революционного авангарда 20-х своим монументальным искусством он создал новый визуальный язык и новый тип синтеза. Синтез основан на мощном сплаве форм природы таких как человеческое тело с орудиями и техникой, продолжающими наши чувства в том, что Неизвестный зовет «второй природой» человека. Среди этих гибридов ярче всего удивительное племя современных кентавров, сотворенных Неизвестным, полулюдей, полумашин, которые свободно бродят по его картинам и рисункам и распоряжаются пространством в его мощных скульптурах. Один из центральных образов его творчества это кентавр, мифическое существо, получеловек-полуконь-полумашина. Он, представляющий сплав прошлого, настоящего и будущего, являет собой пластическую метафору и символ современной цивилизации. По Неизвестному, народы Востока и Запада теперь живут в «цивилизации кентавров». Кентавр заставляет вспомнить античность и царство мифа и архетипа. Используя определение Юрия Тынянова, можно сказать, что Неизвестный и архаист, и новатор в одно и то же время. Он черпает вдохновение в древних метафизических культурах Египта, Индии, Китая, Греции и Мексики, в которых искусство и его творец составляли часть трансцендентального видения мира. Но вместе с тем, разрабатывая собственное искусство, он обращается к темам и инструментарию высокой технологии. Доминирование «деформации», «приема» и «сведения» в эстетике и поэтике Неизвестного указывает на его прямую связь и с движением русских формалистов 20-х годов.

  • 7555. Эрос в культуре
    Информация пополнение в коллекции 22.11.2009

    По-другому происходит в ситуации открытого фильма, например, «Калигулы». «Калигула» не считается порнофильмом, говоря о формальной классификации. Продюсер этого фильма специально пригласил сниматься очень крупных актеров (например, Джона Гилгуда), чтобы убрать порноэффект, поэтому формально этот фильм не является порнографическим, что и обеспечило фильму высокий уровень проката, но это только формально... Это все настолько условно, что почти невозможно установить различия. Хотя можно сказать эротическое создается искусством заслонения сексуального объекта, в то время как при порнопоказе сексуальный объект, во-первых, подвергается полному разглядыванию заслонение теряет всякий смысл. Возбуждение охватывает разглядывающего в силу машинизации того, что было органичным, интимным и запретным. Вот в этом и заключено главное различие между порно- и эротическим фильмом. При просмотре последнего зритель впитывает красоту женского и мужского тела, любуется прекрасной обстановкой, восхищается романтикой отношений между мужчиной и женщиной, уходящей за границы обыденности, просто секса на все накинута вуаль стыдливости, но стыдливости не за свое тело или проявление физиологии. А за то, что это могло быть еще более красиво, эстетично... Человек, воспитанный на прекрасных эротических картинах, никогда не «клюнет» на дешевое порно, в котором на задний план кидается красота, отбрасывая всякую стыдливость, а на первый план выставляется грубый механизм секса в будничной обстановки без налета романтики, иногда находящийся на грани животной грубости и насилия, почерпнутого из откровений маркиза де Сада.

  • 7556. Эскимосско-алеутские языки
    Доклад пополнение в коллекции 12.01.2009

    3) В эскимосских языках чрезвычайно развит синтетический способ словообразования, как внутриклассного (модификация глагольной основы, в результате которой получается более сложный по значению глагол), так и междуклассного (глагол в языке может быть порожден с помощью специальных суффиксальных показателей практически от любой основы - именной, местоименной, междометной и др.). В одной глагольной форме может быть выражено суффиксально до 12 грамматических категорий, ср. аз.-эск. аг,уляк,-сюг,-ма-н,ик,-сях,-т-а-ш-тын 'говорят, что ты не хотел приехать, но...', где аг,уляк, - основа со значением 'приезжать', -сюг,- - префикс модальности желания, -ма- - показатель прошедшего времени, -н,ик,- - суффикс передачи чужой речи, -сях,- - суффикс действия, не приведшего к ожидаемому результату, -т- - показатель финитности, -а- - показатель индикатива или двухличной формы, -ш- - 3 л. ед. ч. агенса, -тын - 2 л. ед. ч. объекта; таги-пыстаг-йах,х,а-ма-йаг,-т-у-н,а 'я обязательно должен был прийти, но...', где таги- - основа со значением 'приходить', -пыстаг- - оценочный показатель со значением 'обязательно', -йах,х,а- показатель модальности долженствования, -ма- - показатель прошедшего времени, -йаг,- суффикс действия, не приведшего к желаемому результату, -т- - показатель финитности, -у- - показатель индикатива для одноличной формы, -н,а- - 1 л. ед. ч. субъекта.

  • 7557. Эстетика
    Информация пополнение в коллекции 18.06.2008

    В XX в. искусство выдвинуло концепцию непрерывно растущего человека. Однако результаты этого роста могут быть и отрицательными. Американский фантаст Д. Шеллиг в рассказе «Чудо-ребенок» прогнозирует непрерывный и убыстренный рост личности, который приводит к страшным последствиям. Доктор Эллиот изобрел и применил к ребенку своих друзей стимулятор физического и духовного роста. Результаты сказочны: в шестинедельном возрасте ребенок уже сам ест и разговаривает, в два года читает книги. Доктор Эллиот утверждает, что убыстренный рост единственный для ребенка способ выжить в условиях усиливающейся беспощадной конкуренции. Однако шестилетний чудо-ребенок, развиваясь как конкурентоспособный эгоист, все более и более отчуждается от людей. Обеспокоенный происходящим, отец идет к доктору Эллиоту и отнимает у него тетрадь с заголовком «Ребенок будущего. Проспект», в которой читает: «У ребенка будущего... шестой год будет отмечен высоким развитием его стремлений к соревнованию... Он... обратится против своих родителей и быстро уничтожит их, как помеху к своему дальнейшему развитию». Отец в ужасе. Он торопится домой, но, отперев дверь, слышит предсмертный крик своей жены... Таковы результаты «непрерывного роста» личности, если этот рост не освещен гуманистическими идеями и человек эгоцентрически замкнут, не имеет целей вне себя, в обществе. Развитие характера на эгоистической основе оборачивается деградацией всего человеческого в человеке. Человек должен отдавать себя людям, быть человеком для других, иначе эгоистическая замкнутость лишает жизнь смысла, превращает ее в абсурд. Рост личности вне гуманистической ее социализированности и самоценности, а также рост общества вопреки интересам человека одинаково губительны. Однако с гуманизмом в истории дело обстояло невесело, символом чего служит сервантесовский образ пастушонка, которого хозяин порол за малейшую провинность. Благородный искатель справедливости Дон Кихот заступился за бедного мальчишку и даже пригрозил хозяину расправой, если тот и впредь будет жесток. Но как только рыцарь уехал, хозяин сильнее прежнего поколотил пастушонка. И когда рыцарь вновь появился в этих краях, мальчишка умолял его больше не заступаться за него; поиск добра оборачивается новым, еще худшим злом. Может быть, идея непротивления злу насилием справедлива? А может быть, не теми средствами сопротивлялся Дон Кихот злу?

  • 7558. Эстетика «Не-Х»
    Доклад пополнение в коллекции 12.01.2009

    Итак, мы встречаемся с понятием «искусство», а также с оценочными шаблонами «настоящее искусство» и «ненастоящее искусство». Ещё бывает «высокое искусство» уж оно-то всегда обладает качеством Х. Но и «низкое» искусство может обладать Х, вернее, Х постоянно поглощает и подчиняет себе всё: это экспансия «культурной» империи, направленная на «варварские» окраины. Это ещё называется «признанием»: художника не воспринимали всерьёз, считали его доморощенным и невнятным (как, допустим, импрессионистов во Франции на фоне «Х-вого» чертёжника Энгра), но «самодеятельный выскочка» из года в год демонстрирует своё упорство и уверенность в своей правоте и, поскольку с ним больше ничего нельзя поделать, его принимают в «настоящее искусство», он «добивается признания». Вот это и есть самое отвратительное. Хотелось бы жить и творить в таких областях, до которых мертвящая лапа Х никогда не дотянется. Но именно областей таких сейчас не осталось, а каждая вновь найденная захватывается Х почти мгновенно. Зато есть способы художественной жизни, спасающие от Х. Во-первых, как ясно из вышесказанного, это должна быть неуверенность: эстетическое недоумение, даже некая растерянность, свойственная дилетантизму. И если не хочешь стать в один прекрасный день Х-профессионалом, от этого никогда не следует отказываться. К сожалению, очень немногие сознательно и последовательно держатся своего дилетантизма. Я таких, может быть, и не знаю вовсе... Второй принцип это эклектика: быстрая смена и невнятное микширование различных областей творчества. Понятно, что если ты будешь до посинения долбить одну какую-нибудь область, то рано или поздно пакостное признание снизойдёт до тебя, как снизошло до Некрасова, Пригова, Рубинштейна, Кибирова, нашедших свою «жилу» и долбящих её без скуки... Здесь, к слову, интересно отметить мощную генетическую связь концептуализма (нынешнего Х-цербера) с миром художников. А ведь у художников как считается? ты должен найти свой собственный, уникальный способ выражения, свой «язык», и если вдруг ты что-то такое нащупаешь, ты счастливчик: ты застолбляешь за собой участок, как золотокопатель на Аляске, и начинаешь этот «способ выражения» эксплуатировать без оглядки, без всякой, так сказать, экологической совести. Тогда тебе и выставки: тебе есть чем однородно (и внятно) завесить экспозиционное пространство, у тебя есть концепция... Моя любимая художница, Света Литвак, никогда в жизни не написала больше четырёх-пяти картин в одной манере. Просто поразительно, как резко и далеко она меняла эти самые «способы выражения». Резонёры от Х-эстетики на это отзывались (логично, в своей логике): «Она еще до сих пор в поисках. Она не нашла себя». Соответственно, когда она пробовала договариваться о выставках, ей возражали: «Ну, мы же не можем повесить и то и это: будет эклектика. Не будет единой организации пространства. Вот если бы вы сделали штук двадцать-тридцать работ в одном ключе, то появилась бы какая-то внятная концепция выставки»... О Боже! двадцать-тридцать работ! и не осточертеет?... Нет, я решительно не понимаю, как работает Рубинштейн! По мне так каждая следующая работа должна быть новой в сравнении с предыдущей по языку, иначе умрёшь со скуки и просто не вытянешь её до конца...

  • 7559. Эстетика античности
    Информация пополнение в коллекции 12.01.2009

    Одним из ранних рабовладельческих государств, где наука и искусство получили высокое развитие, был Египет. Уже в додина-стический период (4 тысячелетия до н.э.) наблюдается развитие строительного дела, прикладного искусства, скульптуры. В период Древнего Царства в Египте складываются основные формы художественной культуры: архитектура, портретная скульптура, рельефы и росписи, художественное ремесло, различные жанры искусства слова (поучения, автобиографии вельмож и чиновников, надписи на стенах пирамид и т. д.). Изучение памятников изобразительного искусства Древнего Египта и лингвистические исследования различных литературных произведений свидетельствуют о том, что древние египтяне имели не только представление о прекрасном, о связи прекрасного с добрым, но и соответствующие эстетические термины. Анализ художественных памятников говорит также и о том, что творчество египетских художников регулировалось определенными канонами, эстетическими принципами, которые передавались от поколения к поколению. Правда, эти нормы и принципы еще не получили теоретического обоснования и надлежащего оформления, но они существовали; об этом свидетельствуют каноны иконографии, пропорций и цветовых отношений. Задолго до пифагорейцев египтяне применили математику для решения художественно-эстетических задач.

  • 7560. Эстетика барокко
    Курсовой проект пополнение в коллекции 19.06.2010

     

    1. Бореев Ю.Б. Эстетика М.; Феникс, 2006. 290 с.
    2. Васильев А.А. Европейская культура средневековья СПб.: Алетейя, 1998. 582 с.
    3. Вельфин Х. Ренессанс и барокко. М.: Познание, 1989. 340 с.
    4. Вейс Г. История культуры народов мира. М.: Эксмо, 2005. 560 с.
    5. Виноградов М.А. Барокко - жемчужина неправильной культуры XVII века. М.: Эдельвейс, 1999. 158 с.
    6. Владимирова С.А. Эстетика барокко: причины появления, происхождение термина. М.: Гардарика, 1994. 203 с.
    7. Всемирная история архитектуры // Отв. ред. А.П. Чубовой М.: 1978. 680 с.
    8. Всемирная история в 24 тт. Том 9. Начало возрождения Минск: Литература, 1997. 592 с.
    9. Всемирная история в 24 тт. Том 10. Возрождение и реформация Европы Минск: Литература, 1997. 480 с.
    10. Дасса Ф. Барокко. Архитектура между 1600-1750 годами. М.: Наследие, 2004. 230 с.
    11. История искусства зарубежных стран // Отв. ред. М.В. Доброклонский М.: Изобразительное искусство, 1980. 406 с.
    12. Коломийцев В.Ф. Познание культуры. М.: Искусство, 2001. 340 с.
    13. Капиталов С.М. Западноевропейская скульптура в XVII XVIII веках М.: Знание, 1973. 170 с.
    14. Ливанова Т. История западноевропейской музыки до 1789 года - М.: Музыка,1982. 345 с.
    15. Липатов В.М. Этюды по теории западноевропейского искусства. - М.: Искусство, 1963. 380 с.
    16. Офицеров С.А. Диалогическая культура эпохи барокко М.: Книжная лавка, 1997. 206 с.
    17. Очерки по истории зарубежной литературы. СПб.: Питер, 1997. 420 с.
    18. Ренессанс. Барокко. Классицизм. Проблемы стилей в западноевропейском искусстве // Отв. ред. Е.А. Виллер - М.: Наука, 1966. 450 с.
    19. Русское искусство барокко // Отв. ред. М.А. Алексеева - М.: Наука, 1970. 250 с.
    20. Шубарт В. Европа и душа востока. М.: Русская идея, 2000. 448 с.
    21. Фукуяма Ф. Великий разрыв. М.: АСТ, 2003. 474 с.
    22. ru.wicipedia.org. - материалы сайта.