Содержание лекций по курсу «Музыкальная культура в контексте мировой художественной культуры» Для студентов и преподавателей педагогического колледжа при подготовке к занятиям по дисциплине «Музыкальная культура»
| Вид материала | Документы |
- Краткое содержание темы, 353.84kb.
- Рабочая программа по курсу "Культурология" Для государственный университетов, 81.74kb.
- Календарно-тематический план по предмету «Музыкальная литература» 7 класс (7-летний, 22.28kb.
- Содержание музыкальная культура юга россии, 89.95kb.
- Маркс К., Энгельс Ф. Об искусстве. Т. 1-2, 327.79kb.
- Рабочая программа учебной дисциплины «мировая художественная культура» Направление, 481.57kb.
- Музыкальная культура Начало и развитие музыкальной культуры, 168.95kb.
- Л. И. Горбунова, Г. С. Келлер культурология часть I человек – общество культура, 2386.47kb.
- Краткий курс лекций по литературе XIX века (второй семестр) для студентов первого курса, 3146.38kb.
- Материалы к курсу лекций для студентов, обучающихся по специальности, 6067.87kb.
В 1906 году в прессе появилось новое имя - И.Ф.Стравинский. Он вошел в XX век 18-летним юношей, принадлежащим к семье и среде, связанной с музыкой. Отец - Федор Игнатьевич - бас-солист Мариинского театра, был известным человеком в музыкальной среде петербуржцев. В большой квартире на Крюковом канале, рядом с театром, собирались Н.А.Римский - Корсаков, Петипа, Достоевский и другие.
Мать юноши, прекрасная пианистка, ученица Рубинштейна, учила Игоря игре на фортепьяно. После окончания гимназии Игорь поступил на юридический факультет университета. В этот период он начал свои первые сочинительские попытки. Первым, кто смог оценить необычность таланта юноши и его громадный композиторский потенциал, был Н.А.Римский-Корсаков, который отсоветовал Стравинскому поступать в консерваторию, чтобы не зашоривать художественные фантазии музыканта и не «причесывать» его гармоническое и мелодическое чутье. Римский-Корсаков предложил Стравинскому просматривать его сочинения и делать необходимые правки.
В 1907 году впервые была исполнена I симфония И.Стравинского, в которой ощущается влияние Глазунова.
В литературе о И.Ф.Стравинском принята классификация периодов его творчества, как в зеркале отразившем интересы русских музыкантов к разным художественным и временным пластам русской и мировой музыкальной культуры:
I период - русский - до 1923 года.
II период - неоклассический - 30 лет до 1953 года
III период - додекафонный.
В начале русского периода молодой Стравинский, можно сказать, отведал «запретный плод», каким тогда казались тонкие акварельные звучания, идущие от Дебюсси. Своеобразной данью Стравинского импрессионизму стал вокальный цикл «Фавн и Пастушка» на стихи А.С.Пушкина.
Событием, определившем целый этап в жизни И.Ф.Стравинского, было знакомство с С. Дягилевым, главой журнала и кружка «Мир искусств».
«Русские сезоны», организованные в Париже Дягилевым, включали в себя концерты, музыкальные спектакли, выставки молодых русских художников - были своеобразным творческим проектом, знакомившим Европу с молодыми русскими талантами. С С.Дягилевым сотрудничали Шаляпин, Ершова, Павлова, Красавина, Нежинский, Бакст. Дягилев «открывает» Михаила Фокина.
25 июля 1910 года в парижском Гранд Опера состоялась премьера балета Стравинского «Жар-птица». По музыкальному колориту музыка этого балета на тему русской сказки написана в традициях позднего Римского-Корсакова.
В 1911 году - премьера балета «Петрушка» на либретто Александра Бенуа. Незримо здесь присутствует и А.Блок с его «Балаганчиком», с Пьеро - родным братом Петрушки, с картонной невестой, напоминающей Балерину и кровожадным Араном.
В «Петрушке» все было ново: улично-балаганный «низменный» фольклор, новые приемы оркестровки, свободное многоголосие. В «Петрушке» Стравинский заговорил на музыкальном языке, ранее неслыханном, но узнаваемом благодаря остро театральной образности и национальным истокам.
Летом 1913 года в Париже разразился «грандиозный театральный скандал». Поводом скандалу послужила премьера балета И.Стравинского «Весна священная», носившего подзаголовок «Картины языческой Руси». Интерес к дохристианскому периоду славянских народов привел к появлению полотен Николая Рехиха, оперы Римского-Корсакова «Млада», стихов А.Блока, балета С.Прокофьева «Ала и Лоллий». В балете И.Стравинского были использованы обрядовые песни и наигрыши, которые композитор записывал в поместье Устилуг на Волыни. Сюжет балета таков: воскрешение первозданной суровости обычаев Старейшего - мудрейшего; весенние гадания, заклинания сил природы. Умыкание девушек, обряд Поцелуя Земли, величание избранной и орошение земли ее жертвенной кровью.
Необычным, шокирующим публику был не только сюжет, хореография, но и сама музыка с пометональными построениями, стихийными диссонансами, изощренными ритмами.
Критик: «Парижская премьера «Весны священной» вспоминается как что-то очень значительное... как битва при Ватермео, как первый полет воздушного шара».
Далее были» «История солдата», «Свадебка», «Мавра», раскрывающие разные грани национально-музыкального мышления композитора.
Литературные поиски материала для сочинений привели композитора к антологии русской народной поэзии А.Афанасьева и П.Киреевского. Это богатейшее собрание фольклора дало жизнь целому соцветию сочинений Стравинского: «Прибаутки», «Кошачьи колыбельные», «Байка про Лису, Петуха, Кота и Барана», детские песенки «Тилибом», «Гуси - лебеди», «Медведь» и др.
Русские народные сказки из собрания Афанасьева претворены в «Истории солдата» (1918г.)
Стравинский - о народной поэзии:
«В этих стихах меня прельщала не столько занимательность сюжетов, полнокровных, нередко даже грубоватых; или эпитеты и метафоры, всегда восхитительно неожиданные, сколько сочетания слов и слогов, то есть чисто звуковая сторона производит на наше чувственное восприятие впечатление, близкое к музыкальному».
На выбор инструментов в «Истории солдата» повлияло одно очень важное событие того времени - открытие американского джаза. Ансамбль инструментов в «Истории солдата» походит на джазовый ансамбль тем, что каждая группа инструментов - струнные, деревянные, медные, ударные - представлены как дискантовыми, так и басовыми разновидностями. Вместо саксофона - фагот!
Премьера «Истории солдата» состоялась в сентябре 1918 года в Лозанне. Особенность представления заключалась в том, что персонажи участвовали в действии, разыгрывая пантомиму и исполняя танцы; чтец, обращаясь к зрителям, пояснял происходящее и одновременно произносил реплики каждого из героев.
II период: обращение к искусству давно ушедших веков, в противовес экспрессионизму.
Балеты: «Пульчинелла», «Аполлон Мусагет», «Поцелуй Феи».
Опера - оратория «Царь Эдип»,
Симфония псалмов; мелодрама «Персефона».
В 1939 году Стравинский уезжает в США (за 2 года похоронил дочь, мать, жену. Лечился.) Получил приглашение Гарвардского университета прочитать лекции по музыкальной эстетике. Написал книгу.
В 1954 году - примкнул к додекафонии (12-система) Составляет серии из 8-ми и 5-ти звуков.
^ С.С. Прокофьев - «Моцарт XX века»
1891-1953
Д. Кабалевский: «Восторженный певец жизни, солнца
и молодости, он дал людям растревоженного, сурового и жестокого XX века ту радость и свет, которых им так часто недостаёт».
Ему повезло, Казалось само время благоприятствовало будущему композитора. Его талант формировался на рубеже веков, в тот период русского искусства, который называют «Серебренным веком».
Прокофьев в первых рядах бунтарей - наряду с Маяковским и Хлебниковым в
литературе, художниками кружка «Бубновый валет» - в живописи, Фокиным и
Нежинским - в хореографии. Встречи с Маяковским и яркие впечатления от его футуристической поэзии натолкнули Прокофьева на создание цикла небольших «фортепьянных пьес под «Наваждение, стихи А. Ахматовой – на вокальный цикл «Память солнца», а лирика Бальмонта – на цикл пьес под названием «Мимолётности».
Каратыгин: «В 20 миниатюрах, что автор метко окрестил «Мимолётностями» наряду с отзвуками прежнего звукового натурализма звучат уже ноты. Там и здесь, всяческих задорных всплесков и взвизгов, суетни и кутерьмы, вдруг пахнёт на чем-то нежным» кротким, и сладостным».
Эпиграфом к сборнику «Мимолётности» стали строки Бальмонта: «В каждой мимолётности вижу я миры, полные изменчивой, радужной игры», Таким же ярким, солнечным, неугомонным был молодой С. Прокофьев. Девизом юного Прокофьева были слова: «Я не люблю пребывать в состоянии, я люблю быть в движении ».
От природного динамизма появилась и собственная фонетика Прокофьева: без гласных - ПРКФВ. Каратыгин называл музыку молодого Прокофьева: «прыгающей, бегающей, кипящей, долбящей, гримасничающей».
После окончания консерватории С. Прокофьев едет в Лондон, где в это время проходил оперно-балетный сезон С.П. Дягилева. По заказу Дягилева Прокофьев начал писать балет на темы древнеславянских мифов «Алла и Лолий». Однако балет не понравился Дягилеву и Прокофьев переработал его музыку в оркестровую. «Скифскую сюиту». Содружество Прокофьева с группой С. Дягилева продолжалось до 1928 года. За эти 13 лет осуществились постановки трех балетов Прокофьева: «Шут», «Стальной скок», и «Блудный сын». Каждая новая премьера вызывала шумные дискуссии, бури восторга. А иногда и резкие отзывы критики.
С. Рихтер. «Когда жив был Сергеи Сергеевич, всегда можно было ожидать чуда. Будто находишься во владениях чародея, который в любой момент может одарить вас сказочным богатством».
Советский период С. Прокофева начинается с 1933 года. Этот период можно назвать неоклассическим.
Прокофьевской музыке неоклассического стиля свойственны: стройность форм, чистота, прозрачность и в тоже время современность гармонического языка, мелодическая выразительность.
Мироощущение в его произведениях как у Гайдна - в нём радость, энергия, моторность и открытость.
С годами, образный строй в симфонических произведениях Прокофьева существенно меняется: появляются темы серьёзного размышления, осторожного, спокойного течения жизни.
Звуковые высказывания Прокофьева всегда артистичны и элегантны. Он интригует слушателя искусством перевоплощения с достоверностью очевидно воскрешая
картины павловской России или Италии эпохи Возрождения, перенося слушателей из Новгорода ХШ века... в прелестный мир сказок Гоцци и Андерсена; обращаясь к героям Достоевского, Толстого или вдохновлённым немецкой хроникой драмой В. Брюсова.
В эти годы рождаю ениальные балеты Прокофьева, ставшие советской классикой: «Ромео и Джульетта», «Золушка» и «Сказ о каменном цветке».
Балет «Ромео и Джульетта» обозначал собой этап в истории русской и мировой хореографии, доказав, что ей подвластно воплощение сильнейших драматических коллизий. В захватывающей смене увлекательных уличных плясок и трепетных любовных сцен, в чередовании экспрессивной эмоциональности и проникновенного лиризма воплощена была сама жизнь во всем богатстве её достижешш, столкновений и страстей.
^ Л. Лавровский: Прокофьев продолжил дело Чаи'ковсхого, он развил и углубил принципы симфонизации балетной музыки. Один из первых советских композиторов он принес на балетную сцену правду человеческих чувств, полнокровные музыкальные образы».
Богатое оперное наследие композитора. В выборе сюжетов для своих опер С. Прокофьев обращается к произведениям писателей и драматургов разных времён. Здесь и «Игрок» Достоевского; «Огненный ангел» В.Брюсова; «Обручение в монастыре» («Дуэнья») Шеридана; «Любовь к трём апельсинам» Гоцци, «Семён Катко» Шолохова ( но повести «Я сын трудового народа»); «Война и мир» Толстого.
Серьезное место в творчестве С.С. Прокофьева занимает такой жанр, как киномузыка. За 20 лет Прокофьевым была написана музыка к таким шедеврам кинематографии, как фильмы С. Эйзенштейна; «Поручик Киже», «Иван грозный». «Александр Невский», «Король Лир».
Светлый, солнечный, оптимистический талант С. Прокофьева вдохновил его друга К. Бальмонта на стихи - посвящение:
Ребёнку богов, Прокофьеву:
Ты солнечный богач. Ты пьёшь, как медь закат.
Твоё вино рассвет. Твои созвучья в хоре.
Торопятся принять, в смешащем разговоре,
Цветов загрузивших невнятный аромат.
Вдруг в золотой поток ты ночь обрушить рад. Там где-то далеко рассыпчатые зори,
Как нитка жемчугов, и в световом их споре
Темнеющий растёт с угрюмым гулом сад.
И ты, забыв себя, но сохранивший свет
Степного ковыля, вспоённого весной,
В мерцаниях мечты, всё новой, всё иной,-
С травинкой, поиграл в вопросы и ответы,
И в звук свой заронив поющие приметы,
В ночи играешь в мяч с серебряной луной.
^ Тема 4. Трагизм и гражданственность
в творчестве Д.Д. Шостаковича (1906-1975)
Поль Элюар: Я существую в бесчисленных образах времени
Дней и годов.
В ясности, в мысли горячей, в желаньях.
Я существую в несчастьях и снова
Жизнью своей возражаю на смерть.
В формировании личности и творческих вкусов Д.Д. Шостаковича огромное значение имела эпоха, на которую пришлась юность композитора,
А. Блок: Новое время тревожно и беспокойно. Тот кто
поймёт, что смысл человеческой жизни заключается в беспокойстве и тревоге, уже перестанет быть обывателем.
^ Д, Шостакович: Общественное поведение человека-гражданина
вот что всегда привлекало меня, над этим я думал.
Причастность композитора к потрясениям времени наполняла его музыку обострённым чувством боли, горячего сочувствия к чужому страданию, протестом против несправедливости. И поэтому мир его образов в основе своей трагичен.
«Я убаюкивать не мастер», - мог бы сказать о себе Д. Шостакович словами
Ф.М. Достоевского.
Шостакович не был чужд экспрессионизму, господствовавшему в то время на Западе. Подчёркнутая выразительность, эмоциональная напряжённость, чёткость, подчас даже резкая графичностъ музыкального письма - отличали уже самые ранние сочинения композитора. И всё же искусство Шостаковича значительно отличается от творчества западных экспрессионистов; ему чужды их индивидуализм, отсутствие положительных идеалов, столь характерное для этого направления, и проистекающие отсюда трагически искажённое видение мира. Шостакович не ограничивается изображением страданий и скорби.
В его сочинениях образы - антиподы: добра и зла, света и мрака, мира и войны - сочетаются и взаимопротекают, создавая целостную, единую картину современного мира.
Любимейшим жанром композитора была симфония. 15 симфоний Д. Шостаковича - это 15 глав летописи эпогей нашего времени. Оружие композитора - музыка, ставшая философией и философия ставшая музыкой. Шекспировская глубина, обобщённость, и многообразие в единстве, философичность и интеллект Толстого и Достоевского - вот характерные черты симфонической музыки Д. Шостаковича. Восторженное отношение к революции и всем последовавшим за ней событиям сменяются горьким разочарованием и мучительным осмыслением случившегося. В 1 927 году Д Шостакович выступает по поводу политической халтуры в искусстве! С этого времени начинается история русского интеллигента (с известным комплексом «вины» перед народом, а теперь ставшим «обвиняемым») Образ злой силы в музыке Шостаковича принимает разные отличия, то грубой поступи, то циничной ухмылки. В музыке Шостаковича звучит язык, который дал гениальный Зощенко. Это уже не язык Чехова и Бунина.
7-ю симфонию Шостакович начал писать ещё до войны. Здесь тема «зла», его «нашествия» получила свое наиболее яркое воплощение. Интонационно она связана с шонсоном, балаганными песенками, пивными братаниями, но с характерными квартово-квиктовыми оборотами советской музыки (родство с «Песней о встречном»)
В противовес теме «нашествия» в музыке зарождается и крепнет тема «мужетва», воспеваюшая твёрдость духа и победу над врагом, несмотря на все жертвы, дань которым будет отдана в финале симфонии, в скорбном эпизоде. Композитор прекрасной и возвышенной музыкой словно говорит стихами Твардовского: К Вам, павшим в той битве мировой
За наше Делон на земле суровой
К Вам наравне с живыми, голос свой
Я обращаю в каждом песне новой.
Премьера симфонии состоялась 5 марта 1942 года в Куйбышеве. Начиная с 1943 года произведения Д. Шостаковича не находят отклика у слушателей, т.к. идут в разрез с ожидаемым от него победным духом сочинений. Шостакович не нравится властипредержащим, он не исполняется. От него все отворачиваются.
В феврале 1 948 года - Шостакович, Мясковский, Прокофьев, Хачатурян и Шапорин были причислены к антинародному формалистическому направлению современной музыки. Исполнение музыки Шостаковича (за исключением 5 и 7 симфоний) было запрещено специальным приказом Главреперткома.
М. Цветаева о музыке Д Шостаковича: «... она одна со мною говорит,
когда другие подойти боятся»,
Шостакович ничего не пишет целые 10 лет.
В 13 и 14 симфониях тесно переплетается инструментальное и вокальное начало. Литературной основой 13 симфонии стали стихи Е. Евтушенко. Это программное произведение, состоящее из 5 частей, написано для оркестра, солиста и хора басов.
I часть - «Бабий яр» звучит как реквием.
П часть - «Юмор» образцы от весёлой шутки до едкой сатиры.
III часть - «В магазинчике» насмешливая патетика.
IV часть - «Страхи» сумрачность.
V часть - «Карьера» торжество посредственности и труса. Едкая насмешка над теми, кто ради своего благополучия отступался от истины, кто ... знал, что вертится земля, но у него была семья.
Сразу же после премьеры симфонии вышло распоряжение ЦК, гласившее, что эту музыку в этой стране исполнять нельзя (1961 год).
В 14 симфонии, состоящей из 11 частей озвучены стихи западноевропейских поэтов: Г. Лорки, Аполлинера и Рильке. Шедеврами мировой музыки являются
оперы Шостаковича: «Нос», «Катерина Измайлова»;
Балеты - «Золотой век», «Клоп»;
Вокальные циклы и романсы на стихи - Блока, Пушкина, Цветаевой, Светлова,
Саши Чёрного, Бернса, и Шекспира;
^ Музыка к к/ф - «Встречный», «Молодая гвардия», «Встреча на Эльбе», «Падение Берлина», «Овод», «Гамлет» и король Лир»
Тема 5. Творческие портреты композиторов
Г.В. Свиридова и Р.К. Щедрина
Музыка Георгий Васильевич Свиридов (1915-1998) с первого же знакомства поражает своей поэтичностью и простотой. На слух кажется, что все просто и ясно, анализ же раскрывает тончайшую и сложнейшую систему всех компонентов музыкального целого. И эта музыка захватывает, волнует, подчиняет себе слушателя, заставляет его думать о больших проблемах бытия, погрузиться в созданный художником мир.
Главное в творчестве Георгия Свиридова – вокальная музыка (песни, романсы, вокальные циклы, кантаты, оратории, хоровые произведения). Здесь счастливо соединились его удивительное чувство стиха, глубина постижения поэзии и богатое мелодическое дарование.
Еще на грани 40-х-50-х годов среди музыкантов бытовало мнение, что интонационный материал русской песенности исчерпан до конца классиками XIX века и ничего в этом направлении сочинить невозможно.
Вокальное творчество Г. Свиридова полностью опровергает это мнение. Музыкальный язык композитора своеобразно сочетает такие древние ладовые элементы, как пентатоника с характерными приемами гармонического письма XX века политональными и сонорными эффектами.
В произведениях Свиридова каким-то чудом слились интонации исконной русской песенности с переборами гармоники, удалые частушки с трепетными хороводами Купальской ночи, грозный гул свирепеющей вьюги с возвышенными звучаниями знаменного рапева.
Для Г. Свиридова слово значит чрезвычайно много. Оно буквально, конкретно воспринимается людьми; музыка со словом доступна самой широкой публике. Композитор стремился дать такое прочтение поэтического текста, найти такие краски, такие средства выражения, в которых творения того или иного поэта получили бы максимально современное звуковое воплощение. средствами вокала можно ярко выразить человеческий характер, показать тончайшие нюансы его настроения, создать неповторимо своеобразный или типичный образ. Собрание текстов в сочинениях Свиридова может составить уникальную поэтическую хрестоматию. Каждое обращение Свиридова к тому или иному поэту – это всегда открытие. Пушкинская тема у Свиридова - одна из ярчайших звезд в русской музыке XX века. Романсы на стихи Пушкина, хоровой цикл «пушкинский венок» и Музыкальные иллюстрации к повести Пушкина «Метель!» - пронизаны ощущением пушкинской эпохи, ароматом поэзии Пушкина, красотой поэтического лова.
Есенин – любимейший «автор» Свиридова и не только по количеству написанного на его стихи. Свиридов впервые в своих есенинских поэмах и циклах ввел поэта в мир большой музыки. именно с Есениным связано утверждение его творческих идей и выразительных средств.
«Поэмой памяти Сергея Есенина» Свиридов положил начало новой трактовке русской темы в нашей музыке, и новому прочтению Есенина, и даже целому направлению, получившему в дальнейшем довольно условное наименование «новой фольклорной волны».
До Свиридова на музыка не знала такого веселого, озорного, юного Пушкина, мелодически щедрого Маяковского, этически величавого, как горные скалы Исаакяна. Своеобразно раскрывает композитор страницы поэзии А. Прокофьева, Твардовского и Р. Бернса.
Еще одним постоянным «соавтором» Свиридова явился Александр блок. Мир Блока глубок и многообразен и Свиридов находит музыкальные эквиваленты для самых разных ипостасей. Здесь и городская лирика «Петербургские песни» и многообразная жанровость «Ночные облака», и глубочайший драматизм «Песни безвременья».
В хоровом письме Свиридова сочетаются черты самоуглубленного психологизма, выражаемые в «тихих» и напряженных звучаниях и разнообразной красочности, своего рода звукописи, позволяющей воплощать великое множество оттенков тончайших «акварельных» узоров до монументальной фрески.
Из поэтического наследия Б. пастернака для своей маленькой кантаты «Снег идет» Г. Свиридов выбрал три стихотворения. При внешней несвязности между собой, они объединены внутренней темой6 «Художник и время».
Размеренный, безостановочный ход времени – нечто неуловимое и отвлеченное – представлен в I части кантаты «Снег идет» - в зримом образе непрерывно падающих снежинок.
… может быть за годом год
Следует, как снег идет
Или как слова в поэме
II часть – «Душа», где речь идет о художнике и его горьком долге нести в себе печали человечества, быть летописцем его тягот и утрат.
III часть – «Ночь» - противостоит обеим предыдущим. время в ней не шествует, а бежит. Подчиняясь этому бодрому пульсу парит над аккордами легкая прозрачная мелодия.
Детские голоса поют:
Не спи, не спи, художник,
Не предавайся сну,
ты вечности заложник
У времени в плену.
После Пушкина, Блока, Есенина и Пастернака, сопровождавших Г. Свиридова всю жизнь им в последние годы жизни полностью овладел духовный стих. Подспудно он жил в Свиридове всегда, и интонация его проявлялась не только в хоровой музыке (3 хора к трагедии А. Толстого «Царь Федор Иоаннович»), но и в оркестровой - «триптих для симфонического оркестра». Но теперь немые слова молитв обрели голос. «Песнопения и молитвы» не предназначены для исполнения в церкви в силу несовпадения их формы с порядком службы. Они созданы для концертного исполнения. Но они в высшей степени церковны по глубокой духовности своей, молитвенной сосредоточенности, по значимости в ней слова, по определяющей его роли в строении мелодии, по подчиненности напева интонации живой речи.
Г. Свиридов сегодня – подлинный наследник Мусоргского. Как и у великого предтечи, его искусство – о Родине в целом, о ее людях, о ее прошлом, настоящем и будущем. композитор к широким этическим обобщениям и проявил себя как художник, сумевший выразить в своей музыке время.
^ Радион Константинович Щедрин
Щедрин: «Теперь использование элементов фольклора иногда считается для композитора своеобразной «индульгенцией», свидетельством «правильности» выбранного пути. Однако в мою творческую жизнь фольклор вошел органично без всякой умозрительности. какое это чудо, когда через два поля, за озером женский голос выводит тончайшие «Хрустальные2 узоры страданий… Для меня народное искусство – это пастуший клич, одноголосые переборы гармониста, вдохновенная импровизация деревенских плакальщиц, терпкие мужские песни».
такое понимание и восприятие народного фольклора очень ярко отразилось в творчестве Радиона Щедрина в разных музыкальных жанрах. Здесь и инструментальная, и оркестровая музыка. Весь пронизан интонациями русской песенности и танца балет по сказке Ершова «Конек-горбунок».
балеты щедрина – особая статья его творчества. Преклоняясь перед талантом и обаянием великой нашей балериной Маей Плисецкой его женой – щедрин являл одним за другим великолепные балетные сочинения, основой для которых были шедевры, прежде всего русской литературы: «Анны Каренина», «Чайка», «Дама с собачкой».
удивительно современно, возможностями хореографии трактуется образ Кармен в знаменитом балете «Кармен – сюита». Гениальная опера француза Жоржа Бизе, не утеряв своего очарования, по-новому раскрывает перед зрителями обольстительную и жестокую цыганку.
В выборе сюжетов для своих опер Щедрин обращается к авторам любимым и очень интересующим композитора, благодаря потрясающему умению заглянуть в потаенные уголки человеческой души, нарисовать психологические портреты людей.
Среди опер Щедрина – «не только любовь», но комедии Шекспира «Много шума из ничего», «Мертвые души» по Гоголю и «Лолита» по Набокову.
Нельзя не отметить и удачного творческого сотрудничества композитора с мастерами кинематографии. Музыка к кинофильмам «Коммунист2, «Высота», «Анна Каренин6а», «А если это любовь?» - любима зрителями и слушателями разных поколений.
^ Приложение 1. Содержание музыкального материала
Западно-европейская музыка XX века.
Пендерецкий - концерт для скрипки с оркестром.
Мессиан
Дебюсси К. Образы. Бергаманская сюита.
Равель М. Игра воды. Хабанера. Болеро. Дафнис и Хлоя.
Малер Г. Симфония №1, III часть.
Симфония №5,1 и III часть.
«Песни об умерших детях».
Штраус Р. - Дон-Жуан. Ночь. Бурлеск.
Берг А. - Соната для фортепиано.
Веберн А. - Вариации для ф-но
Шенберг Г. - Песня лесной голубки.
Уцелевший из Варшавы.
Хиндемит П. - Питсбургская симфония. Регтайм.
Орф К. - «Кармина Бурана»
«Триумф Афродиты».
Бриттен - Песня на стихи Блейка.
Путеводитель по оркестру для юношества.
Симфония. Реквием.
Оннегер А. - «Жанна д'Арк на костре», Пасифик 231.
Пуленк Ф. Лань. «Негритянская рапсодия» - рондо
Барток Б. Контрасты. Концерт для оркестра.
Гершвин Д. «Рапсодия в стиле блюз».
«Порги и Бесс».
Вилла-Лобос Э. «Бразильская бахиана» №1,
«Бразильская бахиана» №5.
^ XX век. Россия.
Глиэр Р. «Красный цветок».
Дунаевский И. Песни из кинофильмов.
Рахманинов С. Прелюдии для ф-но.
Романсы.
Концерты для ф-но с оркестром №2, №3.
«Колокола»
«Три русские народные песни».
Скрябин А. - Прелюдии для ф-но.
Этюды.
«Поэма экстаза».
Стравинский И. - «История солдата». - балет
«Петрушка» - балет
«Весна священная» - балет
Прокофьев С. - Марш из оперы «Любовь к трем апельсинам»
Романс на стихи А. Ахматовой
Мимолетности.
Симфония № 1.
Балеты «Золушка», «Ромео и Джульетта».
«Александр Невский» - кантата.
Шостакович Д. Симфонии: №1, 7, 8, 15.
Романсы.
Музыка из кинофильмов.
Свиридов Г. - Музыкальные иллюстрации к к/ф «Метель»
Романсы на стихи Пушкина. «Поет зима» - оратория.
«Курские песни» - кантата.
Щедрин Р. - Концерт №2 для ф-но с оркестром.
«Кармен-сюита», «Конек-Горбунок».
Салманов В. - «Двенадцать». - оратория.
Шнитке А. Концерт для виолончели с оркестром.
Петров А. «Сотворение мира»
Приложения 2. Учебно-методическая литература.
1. Житомирский Д.В., Леонтьева О.Т., Мяло К.Г. «Западный
музыкальный авангард после второй мировой войны» М. «Музыка» 1989
2. «Западно-европейская музыка в лицах и звуках» Москва «Пассим» 1994
3. В. Конен «Этюды о зарубежной музыке»
4. Конен В. «Рождение джаза» Москва. Всесоюхзное издательство советский композитор. 1984
5. Леонтьева О. «Карл Орф» и Пауль Хиндемит. «Музыка и
современность» М. 1962
6. Мархасев Л. «Андрей Петров, знакомый и незнакомый». 1974.
7. Мир русской культуры. Энцикл. Справочник Москва 1997
8. Музыка в зеркале поэзии Москва 1985
9. Музыкальная энциклопедия под редакцией Ю.В. Келдыша Москва 1981
10. Очерки «Музыка XX века». Музыка. М. 1987
11. «Поэзия и музыка» Сб. статей, Музыка 1973
12. «Русская и советская музыка» Сост. Блек В.М. и Португалов К.П. М. «Просвещение» 1977
13. Тетерская Т.Н. «Европейская художественная культура и проблема гуманизма педагогики» С. Петербург, 1995
14. Третьякова Л.С. «Дмитрий Шостакович» «Советская Россия» М. 1976
15. Ципин Г. «Морис Равель» Москва 1964
16. Швейцер А. И.С. Бах М. 1966
17. Энтелис Л. «Силуэты композиторов XX века» «Музыка»
1975
СОДЕРЖАНИЕ