Содержание лекций по курсу «Музыкальная культура в контексте мировой художественной культуры» Для студентов и преподавателей педагогического колледжа при подготовке к занятиям по дисциплине «Музыкальная культура»
| Вид материала | Документы |
- Краткое содержание темы, 353.84kb.
- Рабочая программа по курсу "Культурология" Для государственный университетов, 81.74kb.
- Календарно-тематический план по предмету «Музыкальная литература» 7 класс (7-летний, 22.28kb.
- Содержание музыкальная культура юга россии, 89.95kb.
- Маркс К., Энгельс Ф. Об искусстве. Т. 1-2, 327.79kb.
- Рабочая программа учебной дисциплины «мировая художественная культура» Направление, 481.57kb.
- Музыкальная культура Начало и развитие музыкальной культуры, 168.95kb.
- Л. И. Горбунова, Г. С. Келлер культурология часть I человек – общество культура, 2386.47kb.
- Краткий курс лекций по литературе XIX века (второй семестр) для студентов первого курса, 3146.38kb.
- Материалы к курсу лекций для студентов, обучающихся по специальности, 6067.87kb.
ключевые явления в музыке XX века.
Бела Барток (1881-1945).
Бела Барток - венгерский композитор, пианист, педагог и фольклорист. В начале своей творческой карьеры Барток выступал как продолжатель позднеромантических традиций Ференца Листа, Иоганеса Брамса и Рихарда Вагнера. Его близость к неоромантизму проявилась в вокальном сочинении «Любовные песни» на стихи Г.Гейне и рапсодии для фортепиано и оркестра (на основе народных песен).
Стремление «верно служить венгерской нации и венгерской родине» привела Бартока к собиранию и изучению народных песен. Вместе со своим другом, тоже композитором, Золтаном Кодаи он едет в фольклорную экспедицию, результатом которой явился «25 венгерских песен для голоса и фортепиано», изданный в 1906году. В течение всей жизни Барток собирал, Записывал и обрабатывал песни своего народа, а также словацкие, румынские, турецкие и североамериканские мелодии. Барток стал настоящим ученым - фольклористом. Огромный фольклорный материал, собранный Батроком, открыл всему миру богатство мелодий венгерских крестьян. Но как чуткий художник, Бела Барток не мог пройти мимо современного ему направления в искусстве. Элементы национального стиля сочетались у него с импрессионизмом, экспрессионизмом и, отчасти, конструктивизмом. Особенно ярко это нашло свое отражение в произведениях: опере «Замок герцога Синяя Борода»; балетах «Деревянный принц» и «Замечательный мандарин»; пьесах «Богатели» и «Бурлески». 30-40 годы ознаменованы стремлением композитора к простоте классического музыкального стиля. Именно в этот период Барток создает свой гениальный сборник «Микрокосмос» - плод композиторских и педагогических раздумий. Это цикл фортепианных пьес для начального обучения - 6 тетрадей, написанных в течение 10 лет. Что же нового задумал внести Барток в музыкальную педагогику? Главная музыкально - воспитательная идея цикла - это глубокая взаимосвязь между спецификой инструментального обучения и формированием музыкального мышления. Принцип обучения - «по спирали». В многообразии задач и смене впечатлений видит автор путь раскрытия ребенком мира музыки.
^ Джорж Гершвин (1899 - 1937).
Самобытная национальная культура, олицетворяющая американское начало, сформировалась в полной независимости от профессиональной музыки европейской традиции. Ни в одном другом районе мира нет такого разнообразия народной музыки, как в пестром фольклоре США. На протяжении 3-х веков выходцы из Европы и Африки привозили с собой песни своих стран, которые сохранились в Новом свете до наших дней. Два основных потока фольклора встретились на территории Америки и оказались способными к скрещиванию - фольклорная культура Британских островов и Западной Африки. Так родился своеобразный художественный организм, получивший название афроамериканской музыки. Особенностью развития американской музыкальной культуры было:
- отсутствие крупных художественно-культурных центров
- развитие небольших «театриков» самодеятельного плана, где культи
вировали народно-песенное творчество
- активное развитие музыкально-издательского дела
Композиторы, получившие классическое музыкальное образование - Чарльз Айвз, Генри Коуэлл, Роджер Сашенс и Элиот Картер - мыслили анти-традиционно по отношению к европейской музыке.
Джорж Гершвин - первый композитор США, завоевавший мировую славу, чье творчество столь явно отражает национальную музыкальную традицию. Однако ни при жизни, ни после смерти Гершвин не был признан на родине профессиональным композитором, т.к. не получил академического образования. Его художественной школой были театры Бродвея и Тин-Пен-Али. Гершвин сохранял связь с Бродвеем (с легкожанровым искусством) всю жизнь, даже после создания своих лучших сочинений: «Рапсодии в стиле блюз», концерта для фортепиано с оркестром и оперы «Порги и Бесс». Гершвин родился в Нью-Йорке в 1899 году. В 16 лет начал работать в нотном магазине на Тин-Пен-Али, где для покупателей играл новинки современной музыки в разных жанрах.
Первые песни, принесшие популярность Гершвину появились в 1916 году , в 25 лет Гершвин становится популярнейшей фигурой театрально-развлекательного мира Нью-Йорка, а затем Лондона и Парижа. Под влиянием Шуберта песни Гершвина обогащались приемами классической музыки, стремлением к психологической тонкости и современному гармоническому мышлению. Его песни звучали на концертах «серьезного плана», в исполнении оперных звезд.
Годы восхождения молодого композитора совпали с окончанием 1 мировой войны и началом «джазовой экспансии». О Гершвине говорили, что «он родился под знаком саксофона».
Гершвин пишет мюзиклы, пробует себя в оперном жанре. По заказу «короля джаза» Пола Уайтмена Гервин пишет «Рапсодию в стиле блюз», наполненную целым хороводом музыкальных образов. «Рапсодия в стиле блюз» приближается к фортепианному концерту и во многом опирается на пианизм Ференца Листа и Сергея Рахманинова. Вместе с тем, композитор воплотил в ней самобытные, «неприглаженные» черты раннего джаза, бьющий через край темперамент, свободную импровизационность, яркие «варварские» краски, захватывающий, синкопированный ритм, воспроизводящий вокальную манеру негритянских певцов. Премьера рапсодии состоялась 12 февраля 1924 года, где Гершвин сам играл партию фортепиано. Позже появляются новые произведения в классических традициях: «Американец в Париже» и «Кубинская рапсодия». Идея создания национальной оперы зародилась в Гершвине еще во время пребывания его а Париже. Нужно было только найти тему. И композитору повезло. В 1924 году в Америке вышла книга Дю Бос Хейворда «Порги». В книге звучало сочувствие к обездоленному слою американского общества -неграм. Начиная с Марка Твена, Уолта Уитмена и Бреет Гарта литература США была проникнута мечтой об освобождении угнетенных. Музыкальная драма Гершвина «Порги и Бесс» повествует о жизни негров в захолустном рыбачьем поселке. Полунищие, полуголодные герои оперы живут в тесном общении. Их жизнь протекает на улице. Композитор показывает сильные, яркие характеры, в столкновение двух миров. Гершвин не просто использовал, но глубоко поэтизировал в своей опере общеамериканский музыкальный фольклор и открыл при этом в мире музыки новые выразительные сферы.
Премьера оперы состоялась 30 сентября 1935 года в Бостоне, в Колониаль-театре. В исполнении произведения участвовали только негры! Естественно критика разгромила оперу. Этого удара композитор не перенес. В 1937 году Джорж Гершвин скончался. В стране был объявлен национальный траур.
^ Южноамериканская музыка. Эйтор Вилла-Лобос (1887 - 1959)
На протяжении столетий искусство южной Америки оставалось локальным явлением, и только в 20 веке оно стало достоянием мировой культуры. В настоящее время уже не возможно представить общечеловеческой художественной культуры без монументальных фресок Диего Риверы и Сикейроса, грандиозных архитектурных творений Нимейры и Косты, завоеваний латиноамериканской литературы, связанной с именами Неруды, Амаду, Маркеса и Коэльо. Значительно также и музыкальное искусство этого континента. Уже с начала 20 века мелодии и ритмы аргентинского танго, бразильской самбы и кубинской румбы вошли в музыкальный обиход не только латиноамериканских народов. Эти жанры, сложившиеся внутри национальных культур и по сей день влияют на разные типы музицирования в Европе, главным образом на эстрадную и популярную музыку. В классической латиноамериканской музыке гармонично сочетаются: фольклор, сложный по составу (в каждой стране - специфическое образование на неевропейской основе) и жанры профессиональной музыки, оперно-симфоническая школа, продолжающая европейские традиции. Наиболее яркой фигурой в латиноамериканской музыке считают бразильского композитора Эйтора Вилла-Лобоса. Его творчество стало крупнейшим явлением в процессе формирования композиторских школ в Мексике, Аргентине, Чили и на Кубе. Диапазон творческих интересов композитора очень широк - от крупных монументальных симфонических фресок до небольших вокальных и инструментальных миниатюр. Вилла-Лобос родился 5 марта 1887 года в Рои в семье учителя. Юношей посещал курсы в Национальном музыкальном институте. Много занимался самообразованием и фольклористикой (путешествовал по стране). «Моим учебником гармонии стало карта Бразилии», - говорил Вилла-Лобос. Знакомясь со своим фольклором, композитор посещал те ее районы, где еще были живы традиции африканских негров и бразильских аборигенов, изучал музыкальный фольклор, сказки, легенды, народные обряды. В 1931 становится инициатором создания Национальной консерватории, вводит музыку в школьную программу, организовывает музыкальные школы и хоровые коллективы. В педагогической работе Вилла-Лобос исходил из убеждения, что «Музыка есть органическая часть человеческой деятельности», «она является социально организующей силой».
^ II. Русская музыка в XX веке.
Тема 1. Рассвет русской культуры на рубеже веков. «Серебряный» век русской поэзии и музыки». ВОСР и ее влияние на развитие русской культуры.
От своего предшественника XX век унаследовал неисчислимую сокровищницу музыки. Здесь было все: оперы, на спектаклях которых миллионы слушателей аплодировали Чайковскому, Мусоргскому, Бородину, Римскому-Корсакову. Сокровищница музыки XIX века включала гениальные партитуры балетов и симфоний; в ней сверкало бесконечное разнообразие национальных мелодий, ритмов и инструментальных красок.
Со второй половины XIX века в русской музыке наряду с романтизмом, усиливаются тенденции реализма и это непосредственно связано с демократическим общественным движением и передовой литературой.
К 80-м годам четко определились две музыкальные школ (Московская и Петербургская) со своими авторитетными лидерами и талантливыми последователями: Москва - Чайковский, Танеев, Зилотти; Петербург - Римский-Корсаков, Лядов, Глазунов, Рахманинов.
К началу XX века в музыке продолжают развиваться традиции «кучкистов» и Чайковского, одновременно возникают и новые явления: символизм (Скрябин), модернизация народной сказочности и «варварской старины» (Стравинский и Прокофьев). Эти явления теснейшим образом связаны с Российским Ренессансом т.е. «Серебряным веком» в русской культуре - ранняя заря которого приходится на начало 90-х годов XIX века, когда вышел в свет первый номер журнала «Мир искусств», положивший начало новой романтической эстетики, - поисков красоты, а не правды. «Мир искусств» - это целый ряд явлений в национальном искусстве; это, прежде всего, философия: жизнь - это театр и наоборот, где все светло, ярко, где сливаются грезы и действительность, где витает тоска по гармонии и красоте, утонченности и ироничному взгляду на реальный мир.
В 1899 году под редакцией С. Дягилева состоялась Международная выставка «Мир искусств», которую Стасов назвал: «Выставка оргий и безумства», и в то же время «Волшебный кристалл, сверкающий в темноте множеством разных граней».
Идеологами этого явления в русской культуре стали Н.Бердяев, В.Соловьев, Мережковский и Оцуп, которые и ввели понятие «Серебряный век».
Наиболее сильное влияние на музыку оказали славянофильские интересы «Серебряного века», подходившие к славянской и русской теме не с узко националистических, а с общественных позиций, рассматривая ее как эстетический и духовный феномен (И.Стравинский и С.Прокофьев - в музыке; Кустодиев, Билибин, Васнецов, Рерих, Нестеров - в живописи).
Октябрьская революция сыграла огромную роль в размежевании русской художественной интеллигенции. С одной стороны - пафос революционных идей; с другой - террор и всяческие запреты. Практически «Серебряный век» закончился после 1917 года с началом гражданской войны. По инерции продолжались некоторые объединения - «Дом искусств», «Дом литераторов» (Москва), «Всемирная литература»(Петербург), но и это оборвалось, когда прозвучал выстрел, сразивший Н.Гумилева. Эмигрировавший «Серебряный век» не смог возродиться вне национальной почвы.
С другой стороны в стране создается сеть общедоступных музыкальных учреждений, оперных и концертных коллективов. Во взаимодействии с профессиональным искусством развивается массовое музыкальное творчество и исполнительство в формах самодеятельности. Появилось понятие - советское искусство. На его развитие заметное влияние оказывали объединения: Пролеткульт, начисто отметавший искусство прошлого, на том лишь основании, что оно старое, непролетарское.
«Духовный рост пролетариата базируется прежде всего на духовном разрыве с прошлым Пролетариат - творец нового, а не наследник прошлого».
«Мы во власти мятежного, страстного хмеля. Пусть кричат нам: «Вы - палачи красоты!»
Во имя нашего завтра - сегодня сожжем Рафаэля,
Разрушим музеи, растопчем искусства цветы».
Что мог написать умного и поучительного для коммуниста писатель - помещик или бюрократ - чиновник, не обладавший пролетарским сознанием? Пролеткультовцы отрицали и всякое проявление индивидуальности, личного в искусстве. Они призывали к «слиянию с массами», к «коллективной психологии».
Маякосвкий: Пролеткультовцы не говорят
Ни про «Я», ни про личность. «Я» для пролеткультовца
Все равно, что неприличность.
За эти строки Маяковский был прозван «истребителем пролетарского искусства».
РАМП (Российская ассоциация пролетарских музыкантов) члены ее писали, в основном, вокальные произведения - песни и хоры для самодеятельности. В своих декларациях ассоциация отрицала современную западную музыку и мещанскую бытовую лирику, любую классическую музыку (Кастальский, Каменников, Васильев - Буглай).
Маяковский: Разнообразны наши души,
Для боя гром, для кровати шепот,
А у нас для любви и для боя марши, Извольте под марш к любимой шлепать.
АСМ (Ассоциация современной музыки) - отрицали классику и народную музыку (Асафьев, Штейнберг, Юдин, Шапорин).
В 1932 году после постановления ЦК «о перестройке литературно - художественных организаций», появился «Союз советских композиторов»: Триодин - опера «Степан Разин», Золотарев - опера «Декабристы», Гладковский - опера «За красный Петроград» и т.д.
Лениниана - это оратории и кантаты о Ленине: Костальский «В.И.Ленин» («У гроба»), Крейн - «Траурная ода», Половинкин - «Пролог», Рославцев - «Октябрь», Шебалин - «Ленин» по поэме В.Маяковского и т.д.
Среди этой идеологической посредственности появлялись и выдающиеся произведения, такие как первые симфонии Н.Мясковского (в традициях русского симфонизма), симфонии Д.Шостаковича («1917 год»), опера «Нос» по повести Н.Гоголя; опера Кабалевского «Кола Брюньон» (по Ромену Роллану); опера Прокофьева «Семен Катко», балеты Глиэра «Медный всадник» и «Красный мак»; «Бахчисарайский фонтан» и «Пламя Парижа» Б.Асафьева.
20-е годы создали новый жанр, доступный и массовый - советская песня, сыгравший огромную роль в формировании музыкального вкуса масс, привлекавшие своей простотой и, в то же время, глубоким художественным содержанием, передающим ощущением времени и пульса жизни. Песни, ставшие классикой: Шостакович - «Песня о встречном»
Д.Бедный - «Как родная меня мать провожала»
Дунаевский - «Широка страна моя родная»
Блантер - «Катюша»
Александров - «Священная война»
Соловьев-Седой, Островский, Петров, Таривердиев.
А если придерживаться классификации музыкальных направлений, то и в русской музыке XX века можно проследить приверженность композиторов в тот или иной период жизни к какому-либо стилю:
Импрессионизм - Стравинский и Прокофьев
Конструктивизм - Прокофьев и Шостакович
Экспрессионизм - Стравинский, Скрябин, Шостакович
Неоклассицизм - Стравинский, Прокофьев, Шостакович, Свиридов, Шнитке, Петров.
Неофольклоризм и неоромантизм - Стравинский, Прокофьев, Свиридов, Щедрин, Салманов.
^ Тема 2. Русский символизм и А. Н. Скрябин
За 5 лет до начала XX века А. Н. Скрябин написал цикл (12) этюдов до фортепиано. Последний поразил неистовством энергии, резкими взлетами волевой мелодии. А когда несколько лет спустя М. Горький обнародовал «Песню о буревестнике», молодежь стала называть и этот этюд «Буревестником», услышав в нем то же, что в горьковском: «Пусть сильнее грянет буря!»
Этюд № 12
Плеханов: «Музыка его - грандиозного размаха. Эта музыка представляет собой отражение нашей революционной эпохи в темпераментности и миросозерцании идеалиста- мистика».
Скрябин запечатлел в своей музыке те умонастроения русского общества, когда одна его часть шла за Брюсовым, Блоком, Горьким; а другая - за В. Соловьевым и В. Ивановым-философом-мистиком; еще какая-то часть отдалась богоискательству и «столоверчению».
А. Скрябин прошел весь путь как романтик, рвущийся из оков обыденности, ненавидящий прозу жизни, устремляющийся вслед за мечтой в дали: туманные, недосягаемые, где-то мистически- таинственные, часто - утопические. Он стремился прочь от будней, вдаль, ввысь, не зная, не понимая и не желая узнать подлинные законы жизни, захваченный миром идей, убежденный, что они и только они управляют миром. Отсюда - идеализм А. Скрябина. Уже в его юношеских сочинениях слышатся икания новых путей, новых созвучий, утонченной ритмики.
Необычайно широк диапазон эмоциональных состояний в его музыке. На одном полюсе - хрупкость, трепетность, застенчивая лирика, завуалированность мелодических контуров и незавершенность гармонических последовательностей, близкая импрессионистской звукописи. На другом - волевые призывы, неистовый темперамент, полетность, натиск.
Асафьев: "Его фортепианные произведения полны таких настроений, словно он видел, как распускается цветок, и слышал трепетный блеск и слияние звездных лучей. Поэтому никогда в его композициях нет веяния холода, каменности, застылости - в них всегда движение, всегда жизнь".
А. Скрябин - сам очень противоречивая натура. Человек - тайна! Портретов мало. Хилый, тщедушный ребенок, много тетушек, бабушка, мама. «Мимозное создание». Тепличная атмосфера, вечно больное горло. Плюс к этому гениален. В 17 лет - кризис, чуть не покончил с собой, мысли о Боге. Изменился. И вдруг превращается в мощного, физически невероятно сильного человека. Родился в Рождество, умер в Пасху. Обе жены погибли от удара головы; сын - утонул.
Талантливый музыкант и композитор А. Скрябин увлекался философией и поэзией. Он участвовал в серьезной философской полемике с Плехановым и писал стихи, которые служили программными эпиграфами к его сочинениям.
^ В сонатах: «душа бросается... в пучину страдания и борьбы»; «В тумане мягком и призрачном, вдали затерянная, но ясная звезда мерцает светом неясным»; «Я к тебе, светило чудное, устремляю свой полет».
А. Н. Скрябин был дружен с отцом Б. Пастернака и в свое время круто повернул жизненный курс молодого музыканта. Борис Пастернак пришел в стихи из музыки. Еще долгое время, и даже после выхода двух его сборников, в художественных кругах, о нем нередко вспоминали как о музыканте.
Вот свидетельство ^ Марины Цветаевой: «Я и в 1921 году встречала отзывы: «Ну да, Борис Пастернак, сын художника, такой воспитанный мальчик, очень хороший. Он у нас бывал. Так это он пишет стихи? Но он ведь, кажется, занимается музыкой...»
Между живописью отца и собственной (очень сильной) музыкой Пастернак был затерт, как между сходящимися горами ущелья».
Сам ^ Б. Пастернак в автобиографической повести «Охранная грамота» писал: «Больше всего на свете я любил музыку, но больше всех в ней - Скрябина. Музыкально лепетать я стал незадолго до первого с ним знакомства... Мне было 12 лет. Скрябин покорял меня свежестью своего духа. Я любил его до безумия».
Действительность, природа, предметный мир, окрашивали для Пастернака, уже отказавшегося от звука ради слова, музыкальными предметами.
Импровизация. Б. Пастернака 1915 г.
Я клавишей стаю кормил с руки
Под хлопанье крыльев, плеск и клекот.
Я вытянул руки, я встал на носки,
Рукав завернулся, ночь терлась о локоть.
И было темно. И это был пруд,
И волны, - и из птиц из природы люблю вас,
Казалось скорей умертвят, чем умрут
Крикливые, черные, крепкие клювы.
Музыка Скрябина, созвучная поэзии Пастернака, првлекала поэта своей эмоциональной насыщенностью и стремлением к познанию высших, запредельных состояний духа. Эти идеи наиболее полно воплотились в симфонических поэмах Скрябина: «Трагическая поэма», «Поэма томления», «К пламени», «Прометей», «Божествнная поэма».
В 1907 году на свет появилась симфоническая «Поема экстаза». В героическом и тревожном пафосе легко улавливаются предгрозовые настроения русского общества начала века.
«Поема экстаза». В героическом и тревожном пафосе легко улавливаются предгрозовые настроения русского общества начала XIX века. «Поэма экстаза» - программа произведения. Взаимодействующие в нем темы - образы названы самим композитором в философском комментарии к поэме, написанном в стихотворной форме. В поэме 8 тем, весьма характерных для позднего Скрябина, символиста - мистика: Темы томления, мечты, полета и протеста (с одной стороны) и Темы воли, тревоги, самоутверждения и экстаза.
Весь путь от образов томительно - призрачных в начале к пламени грандиозного экстатического «пожара» в конце проходит волнообразными взлетами эмоциональных нагнетений.
В «условиях» изысканной гармонии и рафинированной оркестровки создается синтез титанического и хрупкого – «высшая грандиозность в сфере высшей утонченности». «Поэма экстаза»
Из рецензии Каратыгина: «В ней Скрябин предстает как «Необузданный», мятущийся романтик, с вечными порывами к «новым берегам» с упорными стремлениями к новым формам звуковой красоты, с постоянным истерическим «надрывом» в музыкальном мышлении своем».
В последние годы жизни А. Н. Скрябин - аккультист, - мечтая о музыкальном храме на необитаемом острове в Индийском океане, воспоряя духом к несбыточной мечте о Сверхсознании и высшем счастье. И как говорили: плоть отмстила духу! Неожиданно он умирает от фурункула на верхней губе. Его смерть потрясла многих. Стихи Брюсова «На смерть А. Н. Скрябина».