Geum.ru

Е. П. Александров Музыкальная культура Курс лекций

Вид материалаКурс лекций

Содержание


Вокальное исполнительство
Подобный материал:
1   2   3   4   5   6   7   8
Заклятие смехом


О, рассмейтесь, смехачи!

О, засмейтесь, смехачи!

Что смеются смехами, что смеянствуют смеяльно,

О, засмейтесь усмеяльно!

О, рассмешищ надсмеяльных – смех усмейных смехачей!

О, иссмейся рассмеяльно, смех надсмейных смеячей!

Смейево, смейево,

Усмей, осмей, смешики, смешики,

Смеюнчики, смеюнчики.

О, рассмейтесь, смехачи!

О, засмейтесь, смехачи!


На этом фоне напряженных исканий новых образов, новых смыслов, нового языка русской культуре и в искусстве существовало большое количество ярких новаторских направлений, например:
  • декаданс (от французского decadence - упадок), поставивший перед собой задачу противостояния общепринятой "мещанской" морали, возведение красоты в культ, что нередко сопровождалось своеобразной эстетизацией порока, стремлением к утонченному наслаждению жизнью;
  • символизм, который сосредоточился на художественном выражении посредством символа интуитивно постигаемых сущностей и идей, смутных, часто изощренных чувств и видений. Стремясь постичь в тайны бытия и сознания, символисты стремились проникнуть сквозь видимую реальность в сверхвременную идеальную сущность мира;
  • акмеизм (от греческого akme - высшая степень чего-либо, цветущая сила) провозгласил освобождение поэзии от символистских порывов к "идеальному", провозгласил необходимость возврата от многозначности и текучести образов, усложненной метафоричности языка к точному значению слова, к материальному миру, к предмету (или стихии "естества");
  • футуризм (от латинского futurum - будущее), стремясь создать “искусство будущего”, декларировал отрицание традиционной культуры (наследия "прошлого"), культивировал эстетику урбанизма (то есть эстетику больших городов) и машинной индустрии.

Кроме этого, возникли и другие направления в культуре: например, неонатурализм, богоборчество, мифотворчество, мистический анархизм, приятие мира, неприятие мира и др.

Отсюда становится понятным расслоение российского культурного сообщества по отношению к творчеству С.В. Рахманинова. Для него было абсолютно невозможным такое "тотальное новаторство" в сфере образов и языка. Поэтому в некоторых кругах современного ему российского общества он был непререкаемым кумиром, в то время как другие относились к нему как к эпигону П.И. Чайковского, как к эклектику. Но вот в отношении к С.В. Рахманинову как к гениальному, непревзойденному исполнителю общество было, безусловно, единым. Гений его как пианиста и дирижера не оспаривался никем. Его достижения в этой сфере музыкальной практики до сих пор считаются уникальными. Знакомство с сохранившимися грамзаписями в этом убеждают.

Национальное "зерно" сочинений С.В. Рахманинова воплощается прежде всего в их выразительном мелодизме и колоколъности. Мелодии композитора отличаются особой певучестью, протяженным широким дыханием. Он, как правило, не заимствовал подлинных фольклорных мелодий, но сумел создать обобщенные интонации национальной музыкальной речи, органично воссоединив характерные элементы народного мелоса и древнерусского богослужебного пения. Рахманиновская колокольность произрастает из глубин русской духовности. Она приобретает в музыке композитора то лирическую окраску, то гимнический пафос, то трагический смысл.

Ткань его произведений отличается полифонической насыщенностью и складывается из ряда самостоятельных мелодических линий, сплетенных в единое целое, из которого выделяется то один, то другой "поющий" голос. В музыкальной драматургии С.В. Рахманинова отмечается характерный прием: статичное и довольно длительное пребыванием в одном эмоциональном созерцательном состоянии контрастное сочетается с мощными динамическими всплесками энергии.

В 1917 г. С.В. Рахманинов покинул Россию и вплоть до своей смерти в 1943 г. жил за ее рубежами (преимущественно в США). Последние 25 лет С.В. Рахманинов вел жизнь активно концертирующего пианиста-виртуоза.

Среди наиболее известных произведений С.В. Рахманинова - 4 концерта для фортепиано с симфоническим оркестром, "Рапсодия на тему Паганини" для фортепиано с оркестром (1934 г.), прелюдии и этюды-картины для фортепиано, 3 симфонии, симфоническая фантазия "Утес", симфоническая поэма "Остров мертвых", "Симфонические танцы" для оркестра, кантата "Весна" и поэма "Колокола" для хора и оркестра, оперы "Алеко", "Скупой рыцарь", "Франческа да Римини".

Другим выдающимся современником С.В. Рахманинова и одним из самых ярких представителей искусства "серебряного века" в пору его бурного цветения является его товарищ по Московской консерватории Александр Николаевич Скрябин (1871 - 1915 гг.). Важной особенностью его творческой позиции является пристальный интерес к проблемам философского осмысления бытия и миссии художника. Результаты этого философско-мировоззренческого анализа А.Н. Скрябин своеобразно реализовал и переосмыслил в собственном композиторском творчестве.

Как и многие другие творцы "русского серебряного века", А.Н. Скрябин сформировал особое обновленное мироощущение и не искал опоры в художественном опыте предшественников. Он не разделял обыденность образной сферы, присущей так называемому критическому реализму, народно-бытовых ориентаций и преклонения перед фольклорными истоками, характерных для "кучкистов". Вместе с тем его музыка глубоко национальна, поскольку связана с возрождением в культуре "серебряного века" утерянного миропонимания человека в его космической божественной сути. В творческих устремлениях композитора своеобразно преломлено русское богоискательство и богостроительство с его максимализмом, страстными чувствами томления и устремленности, полета, экстаза107, которые прекрасно отражают интеллектуальные, социальные и религиозных поиски интеллигенции на "грани веков".

Стремление композитора к открытию новых духовных "миров" и к постижению инобытия порождает связь искусства А.Н. Скрябина с религиозно-эстетическими установками символизма, которые стремились постичь "знак иного мира в этом мире" и "красоту преображенного космоса", воплотить "связь между двумя мирами". Это стремление объясняет повышенный интерес композитора к явлениям, выходящим за пределы предметного мира. Для него характерно, с одной стороны, устремление, прорыв к грандиозному, вселенскому, макрокосмическому началу, а с другой, - погружение в "микрокосм" человеческой души, в сферу подсознания, наполненную смутными ирреальными предчувствиями, прозрениями и переживаниями. Подчеркнем, что чаще всего прорисовка глубинных состояний человеческой психики осуществляется через неустойчивые, изменчивые, трудноуловимые и не поддающиеся рациональному анализу переживания, воплощаемые в звуковых формах пульсирующих и вибрирующих гармонических звукокомплексов.

С юности А.Н. Скрябин был убежден в собственной миссии художника, которая заключается в спасении мира, поскольку только творчество и искусство способны очистить человечество от агрессии. Эту мысль прекрасно иллюстрирует сочиненный им поэтический текст для хора, включенного в исполнительский состав его Первой симфонии:


О дивный образ Божества,

Гармоний чистое искусство!..

Царит всевластно на земле

Твой дух, свободный и могучий,

Тобой поднятый человек

Свершает славно подвиг лучший.

Придите, все народы мира,

Искусству славу воспоем!


Философские интересы А.Н. Скрябина (сформировавшиеся уже в подростковом возрасте) были весьма многогранны и охватывали работы отцов христианского вероучения и восточных религиозных систем (прежде всего, буддизма), теософию "Тайной доктрины" Е.П. Блаватской; труды европейских философов – от И.Г. Фихте, Ф.В. Шеллинга, Ф. Ницше, А. Шопенгауэра до марксиста Г.В. Плеханова. Но ближе всего мировоззренческим исканиям А.Н. Скрябина были философские идеи его знаменитых современников - Вл.С. Соловьева, Вяч.И. Иванова, С.Н. Трубецкого, К.Д. Бальмонта. Причем, изученные им философские концепции он переосмысливал, тщательно и критично отбирал источники, соответствующие его собственным установкам. Главная философская идея, которую он положил в основу своего творчества: осмыслить свое неповторимое "я", преобразовать и усовершенствовать его в творческом процессе, в результате чего преобразится и усовершенствуется мир и человечество в целом.

Все свои интеллектуальные возможности и мощь музыкального гения А.Н. Скрябин направил на создание "Мистерии", синтетического произведения (поскольку оно должно органично объединять, синтезировать в себе музыку, свет, цвет, театральное действие, искусство танца, ароматы, декоративно-прикладное искусство и др.) - акта гармонического преображения человечества с помощью магии искусства. Большинство произведений А.Н. Скрябина являются своеобразными опытами, эскизами, набросками к этому грандиозному произведению. "Мистерия" - это грандиозный соборный спектакль, или Служба, в которой так или иначе должно участвовать все человечество. Храм в древней Индии, где должна была быть исполнена "Мистерия" был задуман композитором как гигантский алтарь, возвышающийся над истинным храмом - Землей. Исполнители этого произведения должны постигнуть космогоническую историю "божественного" и "материального", достичь экстатического воссоединения "мира и духа", а вместе с тем и "освобождения и преображения", в чем, по идее композитора, и должно заключаться "последнее свершение". Эта творческая и философская концепция по существу отражает извечную мечту и стремление человека к "чуду", к победе человека над злом и страданием, в результате чего он становится равным Богу. При этом себя композитор считал мессией (спасителем человечества).


Я апофеоз мироздания,

Я цели цель, конец концов...

Хотел бы я в сердцах пародов

Свою любовь запечатлеть...

Дарую им покой желанный

Я силой мудрости своей.

Народы, радуйтесь, - от века жданный

Конец настал страданий и скорбей.


Под воздействием этих идей формируется философский "сюжет" большинства скрябинских произведений, отображающих процесс развития и становления Духа: от состояния скованности, поверженности в косную материю - к вершинам гармонизирующего самоутверждения. Взлеты и падения на этом пути могут быть выражены через драматургическую триаду: томление - полет - экстаз.

Указанные особенности творческой установки композитора реализуются не только в образной сфере музыки, но и на уровне новаций в области музыкального языка, который, безусловно, носит весьма оригинальный характер. В своих зрелых произведениях А.Н. Скрябин отказался от традиционного для европейской музыкальной культуры мажоро-минора, заменив его собственной системой звуковой организации музыкальной ткани, основанной на так называемом "прометеевом аккорде".

В числе сочинений Скрябина 3 симфонии, 10 сонат, 9 поэм, 26 этюдов, 90 прелюдий, 21 мазурка, 11 экспромтов, вальсы для фортепьяно и др.

Музыкальная культура России ХХ века дала миру ряд выдающихся композиторов. Один из наиболее ярких - Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 – 1953 гг.).

С первых же своих шагов на музыкальном поприще С.С. Прокофьев, в целом разделяя антиромантические позиции раннего русского авангарда108, поставил перед собой задачу передать в музыке ощущение радостной всесокрушающей энергии, движения и мощного волевого начала, что потребовало интенсивного поиска новых для того времени средств музыкальной выразительности. Уточним, что под термином "авангард" имеется в виду совокупность художественных направлений (в частности, в изобразительном искусстве – это фовизм109, футуризм, кубизм110 и др.), вступивших в острое противоречие с традиционными стилями и использовавших в начавшемся противостоянии анархически-бунтарские приемы. Приведя к мощному обновлению всего художественного языка, авангардизм придал особую масштабность утопическим надеждам на возможность переустройства общества посредством искусства, тем более что его расцвет пришелся на период войн и революций. Музыкальная критика 1910-х годов аттестовала С.С. Прокофьева как "музыкального футуриста", посчитав его язык шокирующим, "экстремальным". Он активно использовал в образной сфере "поэтику улицы", ритмику и темпы современного города, давал характеристику природным феноменам с точки зрения ее мощи и созидательно-разрушительной силы. С.С. Прокофьев проявлял пристальный интерес к "странным мирам" новой науки и техники. В то же время, для образной системы композитора характерен неповторимый сплав лирики, иронии, юмора, ритмического напора и мелодического изящества, что придает особое обаяние созданным им шедеврам, делает их легко узнаваемыми на слух.

Жизненный путь композитора был осложнен различными обстоятельствами, большей частью носившими политическую и идеологическую окраску. Сформировавшись как русский художник, С.С. Прокофьев в 1918 г. эмигрировал и жил в разных странах, но в 1935 г. возвратился на Родину. Тем не менее, его пребывание на Родине было непростым, так как коммунистическая партия и правительство СССР "направляли" его творческий процесс, вмешиваясь в его "композиторскую лабораторию", "поправляли" художника, оторвавшегося, по мнению партийных бонз, от "простого народа".

Среди наиболее популярных произведений композитора – оперы "Любовь к трем апельсинам", "Обручение в монастыре", "Огненный ангел", "Война и мир", балеты "Ромео и Джульетта", "Золушка", оратория "На страже мира", кантата "Александр Невский", 7 симфоний, концерты для различных музыкальных инструментов с симфоническим оркестром, сонаты и циклы пьес для фортепьяно, музыка к фильмам.

Глубокий след в отечественной и мировой музыкальной культуре оставил Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 – 1975 гг.). В его 15 симфониях и других сочинениях современными средствами инструментальной музыки воплощен сложный духовный мир художника-гуманиста ХХ века: протест личности против тирании, переживание неотвратимости смерти, просветленная лирика. Первым по-настоящему оригинальным произведением Д.Д. Шостаковича стала его выпускная консерваторская дипломная работа - симфония № 1; после премьеры (Ленинград, 1926 г.) критика заговорила о композиторе как о художнике, по масштабу дарования сопоставимом с эмигрировавшими С.В. Рахманиновым, И. Ф. Стравинским, С.С. Прокофьевым. Уже в этом произведении отчетливо просматриваются черты зрелого художника, склонность к иронии и сарказму, к гротеску, к внезапным, драматически насыщенным контрастам, к широкому использованию мотивов-символов, часто подвергаемых образной и смысловой трансформации. В произведениях молодого Д.Д. Шостаковича предвосхищаются многие открытия в сфере языка и музыкального мышления (сонорика, микрополифония, пуантилизм, автоматическое письмо и др.), получивших впоследствии довольно широкое распространение в западноевропейской музыке.

Сложность, художественного содержания (связанного, в первую очередь, с философским осмыслением бытия человека и общества, при акцентировании трагических сторон и гротеска) и интерес к новациям в сфере музыкального языка определили неоднозначность положения Д.Д. Шостаковича в советском культурном пространстве. Ему пришлось выдержать ряд критических нападок, не только на уровне собственно музыкальной критики, но и на уровне государственно-политических структур, объявлявших музыку композитора "формалистической" и "чуждой советскому народу". В 30-40-50-х годах большинство произведений композитора практически исчезло из культурного обихода страны и не исполнялось. С позиций сегодняшнего дня творчество Д.Д. Шостаковича можно оценить как глубоко трагический документ эпохи сталинского террора, потрясающий своей эмоциональной достоверностью.

Особо следует подчеркнуть значение (как культурное, так и политическое) своеобразного ответа композитора на фашистское нашествие - симфонию № 7 (1941 г.), посвященную Ленинграду и получившую всемирное признание как символ борьбы с фашизмом. Масштаб Д.Д. Шостаковича как гениального художника современности проявляется в серии поздних автобиографических по характеру партитур, каждая из которых представляет собой опыт прощания с прожитой, исчерпавшей себя жизнью. Эту серию скорбных "автоэпитафий"111 составляют симфония № 14 для сопрано, баса и камерного оркестра на стихи Г. Аполлинера, Р.М. Рильке, В.К. Кюхельбекера и других поэтов (1969 г.), симфония № 15 (1971 г.), струнный квартет № 15 (1974 г.), сюита на слова Микеланджело Буонаротти для баса и фортепиано или оркестра (1974-75 гг.), соната для альта и фортепиано (1975 г.). В этих произведениях широко используются мотивы-символы (например, отчаяние, протест, трагическая отрешенность), в функции которых порой выступают цитаты из более ранних партитур самого композитора или из музыки других авторов.

Наиболее известные произведения композитора: оперы "Нос" (по произведению Н.В. Гоголя), "Катерина Измайлова" (по произведению Н.С. Лескова), вокально-симфоническая поэма "Казнь Степана Разина", 10 поэм для хора без сопровождения на стихи русских поэтов, камерные произведения (15 струнных квартетов, фортепианный квинтет, 24 прелюдии и фуги для фортепиано), музыка к спектаклям, кинофильмам.

Разумеется, наш краткий обзор не охватил всех имен деятелей, оказавших влияние на становление и развитие русской музыки. Мы остановились лишь на наиболее ярких событиях и людях. Однако очевидно, что успехи русской музыки на фоне европейской и американской культуры не могли бы быть столь значительными, если бы не существовал слой людей, искренне заинтересованных в развитии отечественной культуры, немало сделавших для этого и послуживших своеобразным гумусом, плодородной почвой, на которой взросли композиторы, о которых шла речь выше. Следует подчеркнуть эту мысль: даже гениальные художники нуждаются в публике, в людях, ряди которых собственно и создаются художественные ценности. Вот почему культура России зависит, в конечном счете, культурного развития общества и каждого отдельно взятого гражданина. Отсюда вытекают и те задачи культурного самосовершенствования, которые должен выдвинуть перед собой интеллигентный человек.


Музыкальное исполнительство

Ключевые слова: исполнительский стиль, вокальное исполнительство, инструментальное исполнительство, смешанное исполнительство, сопрано, меццо-сопрано, альт, тенор, баритон, бас, a capella, колоратура, виртуозность, ансамбль, камерное исполнительство, кантилена, бельканто, оркестр, деревянные духовые инструменты, медные духовые инструменты, ударные инструменты, струнные инструменты, клавишные инструменты, дирижер, опера, опера-сериа, опера-буффа, оратория, месса, реквием.


Основные вопросы к пятой теме:
  1. Раскройте содержание понятия "исполнительский стиль".
  2. Охарактеризуйте основные жанры вокального исполнительства.
  3. Дайте характеристику певческим голосам.
  4. Что такое кантилена и речитатив?
  5. Охарактеризуйте колоратурное сопрано.
  6. Охарактеризуйте основные типы хоров.
  7. В чем заключаются достоинства и недостатки музыкальных инструментов, основанных на формировании звука с помощью компьютеров.
  8. Охарактеризуйте группу духовых музыкальных инструментов.
  9. Охарактеризуйте группу струнных оркестровых музыкальных инструментов.
  10. Охарактеризуйте группу ударных оркестровых музыкальных инструментов.
  11. Чем звукоизвлечение на кларнете отличается от звукоизвлечения на гобое?
  12. Чем звучание клавесина отличается от звучания фортепиано?
  13. Расскажите об особенностях звукообразования на органе.
  14. Что такое пиццикато и вибрато?
  15. Что такое камерный оркестр и камерный ансамбль?
  16. Каковы основные функции дирижера оркестра?
  17. Раскройте основные этапы развития оперы.
  18. Что такое опера-сериа и опера-буффа?
  19. Что такое увертюра?
  20. Что такое ария?
  21. Что такое лейтмотив?
  22. Охарактеризуйте кантатно-ораториальный жанр музыки.
  23. Что такое месса и реквием?


Музыка входит в сознание людей не прямо и непосредственно, как ее создал композитор, а всегда в конкретном исполнении. Композитор - не единственный творец материальной формы музыки. С последним тактом, записанным на нотной бумаге, музыкальное произведение еще, по существу, не рождено. Необходим посредник, который донесет произведение до слушательских масс и таким образом даст ему жизненный импульс. Благодаря исполнителю-интерпретатору одно и то же музыкальное произведение не застывает в неизменных звуковых формах, но постоянно обновляется. В этом кроется секрет свежести ее воздействия. История музыки знает много случаев, когда произведения, вначале не принятые широкими массами слушателей и преданные забвению (именно потому, что не нашлось достойных сочинения музыкантов-исполнителей), рождались заново, попадая в руки первоклассных исполнителей. Например, даже последние фортепианные сонаты Л. ван Бетховена - глубочайшие по мысли - считались недоступными для исполнения, пока Ференц Лист не раскрыл их своеобразные красоты для публики.

Как мы уже отмечали выше, музыка является интернациональным универсальным языком. Как и любой другой язык, музыка имеет элементы, которые позволяют воспринимать ее как стабильную структуру, сохраняющую смысловые единицы во времени и в пространстве (обозначим их как инвариантные единицы). В то же время в ней содержится огромное количество изменчивых (вариативных) элементов, которые способны каждому конкретному музыкальному произведению, творчеству каждого конкретного композитора придавать индивидуальное своеобразие в зависимости от того, кто и в какой временной период обращается к его интерпретации.

Однако исполнительское искусство вносит в это стилистическое разнообразие дополнительные черты. Музыкант-исполнитель (инструменталист, вокалист, дирижер, певец, ансамблист) привносит в звучащее благодаря его деятельности произведение дополнительные особенности. С одной стороны, исполнитель обычно ставит перед собой задачу донесения до слушателя художественного замысла автора. С другой стороны, в исполнительском процессе он вовсе не предстает как машина, скрупулезно выполняющая все исполнительские указания автора. Он является интерпретатором, личностное начало которого неизбежно оказывается в той или иной степени представленным в реальном звучании произведения. Исполнитель, хочет он того или нет, всегда в некоторой степени изменяет произведение по собственному вкусу и доминирующим в его художественном сознании представлениям. Вот почему исполнение разными музыкантами одного и того же сочинения практически никогда не бывает идентичным, а неизбежно несет черты индивидуального стиля исполнителя. При этом наиболее яркие исполнители, выдающиеся музыканты формируют собственный, хорошо узнаваемый подготовленными слушателями, исполнительский почерк, стиль. Отсюда и возникает феномен, когда часть слушателей отдают предпочтение интерпретации конкретного произведения одним исполнителем, а другая часть – считают более убедительной трактовку иного музыканта.

Исполнительское искусство не находится в застывшем состоянии, с течением времени оно постоянно изменяется. Каждое новое поколение "открывает" в музыкальном произведении новые стороны, грани, особенности, смыслы. Социальные и культурные процессы, протекающие в конкретный временной период, неизбежно оказывают влияние на состояние общественного сознания, миропонимание, культурные потребности, совершенствуются традиционные музыкальные инструменты и изобретаются новые, развиваются представления о технических навыках игры на музыкальных инструментах, а современные средства трансляции музыки и информационные технологии довольно быстро делают достижения и открытия одних людей достоянием других, что, безусловно, способствует интенсификации прогресса исполнительского искусства.

Если попытаться классифицировать исполнительское искусство, то можно наметить несколько его видов, в зависимости от того, какой критерий кладется в основу классификации. Наиболее широкий взгляд позволяет выделить вокальное, инструментальное и смешанное исполнительство.

Вокальное исполнительство112 связано с озвучиванием произведений, предназначенных для исполнения одним или несколькими певческими голосами (с инструментальным сопровождением или без него) и за немногими исключениями обращено не только к музыкальной интонации, но и к поэтическому тексту. Оно различается по видам – сольное113, ансамблевое114, хоровое, жанрам – оперное, камерное115, стилям – например, кантилена116, речитатив117.

История вокального исполнительства ведет свое начало с очень отделенных времен. Искусство пения высоко ценилось до нашей эры в Египте, Малой Азии, Греции. Имеются исторические данные, подтверждающие наличие отечественной певческой культуры еще в X-XIII вв. Музыка в древней Руси почиталась одной из семи свободных мудростей, одним из семи свободных искусств. Так, например, известно, что при киевском князе Владимире Святославовиче существовали певчие профессионалы. В XYII в. уже существовали специальные школы церковного пения. Преподавание пения в этих школах и монастырях уже в ту эпоху находилось на довольно высоком уровне. К нынешнему времени в мировой музыкальной культуре создан огромный по масштабам вокальный репертуар, сформировались выдающиеся вокальные школы. Общепризнанной является итальянская школа пения, получившая название бельканто118.

Человеческий голос, пожалуй, самый выразительный и богатый по возможностям, наиболее совершенный музыкальный инструмент. При всем разнообразии голосов (а если мы учтем все богатство тембральных, динамических особенностей, то поймем, что нет двух абсолютно одинаковых человеческих голосов), их можно классифицировать по ряду параметров: по высотным характеристикам (сопрано, меццо-сопрано, контральто, тенор, баритон и бас), по тембральным характеристикам и степени подвижности (колоратурный, лирический, драматический и др.), по диапазону119.

В пределах диапазона различают регистры. Здесь имеется в виду участок диапазона певческого голоса, характеризующийся единым тембром. Обычно у певческого голоса различают грудной, головной и смешанный регистр. Мужские голоса могут извлекать и звуки так называемого фальцетного регистра120 - это самый верхний регистр мужского певческого голоса, в котором используется лишь головной резонатор. Поэтому он беден обертонами и обычно звучит несильно, мягко.

Итак, женские певческие голоса подразделяются:
  • Сопрано121 является самым высоким певческим голосом (женским или детским) с развитым головным регистром. Различают сопрано: драматическое, лирическое, колоратурное122 (этому голосу доступно исполнение быстрых, технически трудных, виртуозных мелодий), а также лирико-драматическое и др.
  • Меццо123-сопрано, женский голос, средний по высоте между сопрано и контральто.
  • Контральто - низкий женский голос.

Мужские певческие голоса подразделяются на:
  • Тенор124 - высокий мужской певческий голос. Различают лирический, драматический, лирико-драматический.
  • Баритон125 (от итальянского baritono) - мужской голос среднего регистра (между басом и тенором).
  • Бас126 - самый низкий мужской голос.

Отметим, что большими выразительными возможностями обладает ансамблевое вокальное (дуэты, трио, квартеты, квинтеты, секстеты и др.) и хоровое исполнительство. Хор127 представляет собой певческий коллектив, состоящий из 12 и более певцов. Хоры подразделяются на однородные: женские, мужские, детские и смешанные, то есть одновременно состоящие из женских и мужских партий (иногда, в русле европейских исторических традиций в смешанном хоре используются детские и мужские хоровые партии). Произведения для хоровых коллективов могут быть как с сопровождением (например, фортепиано, органа, камерного ансамбля, камерного оркестра, симфонического оркестра и др.), так и без инструментального сопровождения. В этом случае они называются a capella. Разумеется, хоровые произведения, которые предусматривают исполнение a capella, как правило, предъявляют к исполнительскому мастерству хоровых коллективов более высокие требования, чем произведения с инструментальным сопровождением.

Хоровое произведение состоит из ряда хоровых партий128, то есть горизонтальных мелодических линий, предназначенных для исполнения группой певцов с однородными голосами. Партий в произведении бывает 2, 3, 4, а иногда и более. Как правило, за партиями закрепляются названия: так самые верхние голоса называются сопрано, за ними следуют альты, затем тенора и, наконец, басы.

Инструментальное исполнительство связано с игрой на музыкальных инструментах и может быть сольным (с сопровождением или без него), ансамблевым и оркестровым. Средства для извлечения разнообразных звуков были изобретены и активно использовались в человеческих сообществах еще в эпоху палеолита и неолита. Древнейшие функции музыкальных инструментов – магическая (обрядовая), информационно-сигнальная и др. Например, при помощи звуков и соответствующих им движений древние люди вводили себя в экстатические состояния во время разнообразных ритуальных действий, а благодаря ударным инструментам передавали важную друг для друга информацию на большие расстояния.

В современной музыкальной практике музыкальные инструменты делятся на различные классы и семейства: в зависимости от источника звука, материала изготовления, способа звукоизвлечения и др. признакам. В художественной практике широко используются: духовые, клавишные, струнные, ударные музыкальные инструменты, металлофоны.

Современный технологический прогресс привел к тому, что в музицировании активно используются разнообразные электромузыкальные инструменты. Особенно сильно повлияла на художественную практику разнообразная компьютерная техника, которая необычайно расширила тембральную палитру музыки. Она обеспечила высококачественную запись и, если в этом возникает художественная потребность, смешение в едином звуке разнообразных сэмплерных129 звучаний различных инструментов, благодаря чему на одной клавиатуре синтезатора музыканты получили возможность имитировать звучание сотен разнообразных акустических музыкальных инструментов и их различных сочетаний. В то же время, синтезаторы открыли необычайно широкие возможности для редактирования (то есть изменения) тембров и создания таких тембров и их сочетаний, которые недоступны акустическим музыкальным инструментам.

В печати иногда высказывается мнение, что в скором времени компьютерные средства полностью вытеснят акустические музыкальные инструменты, поскольку довольно успешно имитируют или сэмплерно передают их тембр. Думается, что это не так, поскольку инструменты, использующие природные элементы для звукоизвлечения, обладают рядом преимуществ, которые вряд ли могут быть игнорированы человеческим слухом. Даже непрофессионалы замечают, что звучание акустических музыкальных инструментов обладает особой естественностью, в то время как попытки сэмплерного воспроизведения тембра обретают некоторые черты искусственности. Кроме того, в звучании акустических музыкальных инструментов важную роль играют и внешне посторонние звуки: шум вдуваемого воздуха, постукивания, поскрипывания (например, от перемещения пальца по струне), похлопывания (например, от открывающихся клапанов) и т.д., которые, хотя и специально не дифференцируются слухом, но неизбежно оказывают значимое влияние на целостное художественное впечатление.

Духовые инструменты классифицируются по ряду признаков: по материалу, из которого они изготовлены, по особенностям конструкции, по способам звукоизвлечения и др. В симфоническом оркестре они подразделяются на группы деревянных (флейта, гобой, кларнет, фагот) и медных (труба, валторна, тромбон, туба) инструментов. Источником звука является либо трость130, прикрепляющаяся к клювообразному основанию (у кларнета и саксофона), либо две тонкие тростевые пластинки, скрепленные между собой (у гобоя и фагота), либо ограниченный мундштуком участок губ музыканта, вибрирующих от вдуваемого воздуха (у трубы, валторны, тромбона, тубы). Эти колебания источника звука затем усиливаются столбом воздуха в канале ствола (трубки).

Клавишные музыкальные инструменты объединяются благодаря общему признаку - наличию клавиатуры и механики, заставляющей работать звучащее приспособление. В свою очередь в качестве источника звука в клавишных музыкальных инструментах могут использоваться натянутые струны (клавесин, фортепиано), трубки, в которые вдувается воздух (орган), или язычки, представляющие собой тонкую пластинку, закрепленную с одной стороны и колеблющуюся от струи вдуваемого воздуха (фисгармония, баян и аккордеон), свободно подвешенные металлические пластины (челеста).

Дадим краткую характеристику некоторым из них.

Клавесин131 представляет собой струнный инструмент, звуки на котором извлекаются посредством механизма, прикрепленного к основанию клавиш. Характер взаимодействия механизма со струной – щипок. В качестве медиатора (то есть приспособления для осуществления щипка), как правило, используется перо птиц. Звук клавесина звонкий, отрывистый, достаточно яркий, но он не зависит от характерных особенностей удара пальца по клавише. Некоторого разнообразия тембра и громкости конструкторы этого инструмента достигали за счет механизмов удвоения количества активизируемых клавишей струн.

Фортепьяно132 - это название относится к группе инструментов различных форм, но имеющих в своей основе принцип удара мягких, обтянутых специальным войлоком деревянных молотков по натянутым на чугунную раму струнам, которые посредством довольно сложной механики приводятся в движение клавишами. В пианино струны натянуты в вертикальном положении, а в рояле - в горизонтальном. Клавиатура и механика обеспечивают удар по струнам с разными оттенками силы, благодаря чему исполнение музыки на фортепиано обеспечивает удивительное богатство динамической и тембровой нюансировки. Фортепиано современной конструкции имеет две ножные педали. Одна служит для увеличения громкости и тембрального богатства звука за счет механизма поднятия демпфера (войлочной подушечки, лежащей на струнах), в результате чего все струны инструмента начинают резонансно вибрировать совместно с той, которая была активизирована посредством молотка. Другая передвигает молотки, вследствие чего они ударяют не по всем струнам - чаще всего трем или двум, настроенным на одну высоту (то есть в унисон), и натянутым для извлечения каждого звука, а по одной. Фортепиано широко используется в исполнительстве как солирующий и ансамблевый инструмент. Для него создана обширная музыкальная литература как зарубежными, так и отечественными композиторами.

Орган (существует уже две тысячи лет, за которые подвергся значительным техническим усовершенствованиям) состоит из воздухонагнетательного механизма (до середины XIX в. использовался ручной или ножной привод, затем - электрический), набора деревянных и металлических труб разных размеров, клавиатур для исполнения музыки руками, называющимися мануалами (до 5 и более), и ножной клавиатуры. Количество труб органа иногда достигает нескольких тысяч. Каждая органная труба способна издавать звук неизменной высоты, тембра и громкости. Они объединены в регистры, то есть в группы, формирующие звуковые ряды одной тембральной окраски (до 150). Посредством специальных рычагов органист может менять регистр, включать одновременно несколько регистров. Поскольку таким образом одна клавиша в ходе игры активизирует одновременно несколько труб, относящихся к различным регистровым рядам, то это приводит к увеличению мощи звучания и обогащению тембрального спектра звука.

Баян и аккордеон