Geum.ru

Е. П. Александров Музыкальная культура Курс лекций

Вид материалаКурс лекций

Содержание


Ключевые слова
Подобный материал:
1   2   3   4   5   6   7   8
Русская музыка


Ключевые слова: фольклор, Баян, былина, скоморошество, фольклор, протяжная песня, распев, знаменный распев, партесное пение, хоровой концерт, Могучая кучка, декаданс, символизм, акмеизм, футуризм, авангард


Персоналии: М.И. Глинка, А.П. Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков, П.И. Чайковский, С.В. Рахманинов, А.Н. Скрябин, С.С. Прокофьев, Д.Д. Шостакович


Основные вопросы к четвертой теме:
  1. Какое место занимала музыка в жизни древних славянских народов?
  2. Какие формы профессионального музыкального творчества в древней Руси?
  3. Что такое фольклор?
  4. Охарактеризуйте основные жанры русского песенного фольклора.
  5. Укажите основные черты русской распевности.
  6. Охарактеризуйте протяжную песню.
  7. Охарактеризуйте черты русского инструментального фольклора.
  8. Охарактеризуйте знаменное пение.
  9. Охарактеризуйте партесное пение.
  10. Какие художественные задачи ставило перед собой объединение композиторов, получившее название "Могучая кучка"?
  11. Охарактеризуйте творческие достижения композиторов, входивших в объединение "Могучая кучка".
  12. Какие наиболее важные для русской музыкальной культуры задачи удалось решить М.И. Глинке и композиторам "Могучей кучки"?
  13. Дайте краткую характеристику творчества П.И. Чайковского.
  14. Охарактеризуйте социокультурную ситуацию "серебряного века русской культуры".
  15. Охарактеризуйте творческий облик С.В. Рахманинова.
  16. Каковы философские позиции А.Н. Скрябина и как они были реализованы в его творчестве?
  17. Дайте характеристику творчества С.С. Прокофьева.
  18. Дайте характеристику творчества Д.Д. Шостаковича.



Русская музыка, также как и русская литература, поэзия, живопись, театр, является важнейшей частью русской культуры и в специфическом виде отражает основные этапы общественной жизни, становление русской философской и эстетической мысли. В ней нашли воплощение история народа, особенности русских характеров, своеобразие русской природы и быта. В то же время русская музыка является важным элементом мировой культуры, важнейшим звеном в общей цепи исторического развития музыкального творчества.

Музыка, как об этом свидетельствуют греческие, римские, арабские и византийские источники, играла большую роль в повседневной жизни славянских племен: в некоторых из них, отмечая любовь славян к пению, их называют "песнелюбцами".

Отметим, что в жизни славян значительную роль играли музыканты-профессионалы. В знаменитом "Слове о полку Игореве" древний безымянный автор упоминает Баяна - великого древнерусского сказителя, родоначальника русского героического эпоса и жанра былины. Былина - особый профессиональный жанр фольклора99, поскольку создавалась она сказителями и была продуктом индивидуального творчества. Композиция былин многослойна: начинались они, как правило, с запева-"зачина", не имеющего непосредственного отношения к повествованию, а лишь настраивающего слушателя на поэтический лад. Былина повествовала о важнейших событиях государственной жизни, о героических подвигах воинов. Историческая действительность в былинах всегда перемежалась с образами фантастики (Змей Горыныч, Соловей-разбойник и др.). Былина - синтетический литературно-музыкальный жанр, в котором главную роль играет текст. В основу мелодии обычно брался многократно повторяющийся напев. В ходе развития он мог видоизменяться и мелодически, и ритмически, однако контуры мелодии и характер движения сохранялись.

Другое направление профессионального музыкального творчества можно обозначить как скоморошество. Оно являлось искусством обличающим, высмеивающим уродливые стороны жизни государства и, часто несло в себе антицерковную направленность. Скоморошество – это кривое зеркало общественных отношений, своего рода общественное мнение.

Классификация фольклорного материала позволяет выделить несколько видов песенного творчества славян: песни календарные, так или иначе связанные со сменами времен года и соответствующими им формами труда; песни семейно-бытовые, посвященные важным событиям жизни человека. Здесь встречается довольно много разнообразных интонаций, но наиболее характерными и интересными являются плачи и причитаний, которые сопровождают не только оплакивания умерших, но и свадебные обряды. В историческом жанре русской песни речь идет о реальных событиях (взятии Казани Иваном Грозным, покорении Сибири Ермаком и др.). Большой цикл исторических песен посвящен крестьянской войне под предводительством Степана Разина. Из их многочисленных эмоциональных градаций, а также благодаря разработке лирического и исторического жанров русской песни, впоследствии возникли протяжные песни ("русское бельканто"). Отметим, что эта русская песенная кантилена100 достигла высочайшего уровня психологической выразительности, правдивости воплощения в образах искусства человеческих дум и переживаний. Протяжная русская песня – это достижение именно русского народа, поскольку ни у белорусов, ни у украинцев протяжных песен, тождественных русским, нет.

Господствующую роль в протяжной песне играет мелодия, полностью подчиняющая себе словесный текст и часто акцентирующая по существу "подтекст", который по своему смыслу далеко выходит за пределы прямого значения слов. Ее мелодическому развитию присуща особая сила напряжения; оно исходит обычно из зерна-тезиса, в котором заложена возможность непрерывного качественного обновления мелодической линии. Протяжной песне присущи такие черты, как перерывы слов, вставки-междометия (ой, ох, ах), вокализация на отдельных слогах текста (внутрислоговой распев), повторы слов ради создания протяженности напева, сцепления строк. Все это создает уже в самом тексте песни известную мелодическую напевность, усиливает эмоциональность высказывания.


Лучина моя, лучинушка бере... березовая.

Что же ты, моя лучинушка, Не вспыхиваешь?


Первоначально протяжные песни исполнялись исключительно женщинами, а их тематика определялась проблемами любви, брака, измены возлюбленного, тяжелой женской доли. Со временем жанр обогатился "мужскими" темами, связанными с нелегкими судьбами ямщиков, бурлаков, солдат, разбойников и др. Именно протяжная песня оказала наиболее существенное влияние на особенности мелодического мышления и характер интонирования в русской музыке. Композитор А. Кастальский писал (сохраним в цитате орфографию оригинального высказывания): "Роспев, роспевание - вот это и есть главное, на чем зиждется русская вокализация, а впрочем, и русское голосоведение, и если глубже вслушаться, то и все русское в русской музыке".

Можно выделить следующие черты русской распевности:
  • пространственная мелодического дыхания, плавная, постепенно разворачивающаяся текучесть;
  • наличие в ровном звуковом потоке энергетических "вспышек", что создает впечатление, что ровность и плавность скрывают внутреннюю энергию, что прекрасно передает свойства национального характера: спокойствие, терпение, сознание своей силы, способность к гигантским подъемам;
  • интонационное развитие звуковыми волнами, раскачка с компенсацией на вершине развития, длительный сосредоточенный натиск, в результате чего у слушателя возникает впечатление становления внутренней духовной силы;
  • предпочтение низким женским (меццо сопрано) и мужским (басам) голосам в вокализации.

Кроме песенного творчества, в жизни древних славян большое значение имела и получила и инструментальная музыка. Об этом свидетельствуют археологические раскопки и изображения инструментов на сохранившихся древних фресках. Славяне использовали музыкальный инструментарий различных типов: ударные (бубен, барабан), духовые (глиняные окарины, многоствольные флейты, сопели, жалейки, свирель, волынку), струнные (гусли, гудок). Вероятно, некоторые из музыкальных инструментов были заимствованы у других народов во время военных походов и культурных связей. Но были среди них и типично славянские, неразрывно связанные с характером народной песенной культуры. Это, прежде всего свирель и гусли.

Характер звучания многих древнеславянских инструментов, сам принцип звукоизвлечения стали в дальнейшем источниками целого ряда характерных национальных приемов русской музыкальной речи, нашедшей отражение и в профессиональном музыкальном творчестве. В том числе и в творчестве современных русских композиторов. Например, фактура многих повествовательных страниц русских оперных и инструментальных произведений XIX-XX века использует образ и исполнительскую манеру гусляров. Глубоко вошли в образный строй русской музыки и сами представители раннего русского музыкального исполнительства: бояны-сказители и "веселые гулящие люди" - скоморохи.

При этом следует подчеркнуть, что особый смысл для русских людей имели разнообразные колокольные звоны. Колокол в России использовал несколько иной принцип звукоизвлечения. Если в западноевропейской традиции раскачивался сам колокол, а его язык оставался неподвижным, то в русской культуре колокольных звонов в движение приводился язык. Этот принцип звукоизвлечения давал возможность значительно увеличить физическую массу колоколов, поскольку именно низкие по звучанию колокольные звуки оценивались наиболее высоко. Колокол для русского человека обладал большой палитрой смысловых оттенков. Колокол мог быть набатным101, свадебным, ярмарочным, похоронным, праздничным, вечевым102 и т.д. Тема колокольных звонов использовалась многими русскими композиторами XIX-XX вв.

Возникновение древнерусской профессиональной музыки (как в смысле композиторского творчества, так и в смысле профессионального ее исполнения певчими или музыкантами-инструменталистами) тесно связано с событием, определившим всю дальнейшую судьбу русского народа, - с принятием православия в 988 г. Христианство пришло на Русь из Византии, где к концу X в. полностью сложились храмовые виды искусства, в том числе богослужебное пение.

Основной вид церковной профессиональной музыки, которая развивалась на Руси в период Средневековья (с XI по XVII в.), назывался знаменное пение (или знаменный распев). Для его записи употреблялись не ноты, а специальные знаки - "знамена" (от славянского "знак"), или иначе "крюки" (крюк - тот же знак). Богослужебное пение являлось формой соборной молитвы возвышенно-просветленного характера. Знаменные распевы были одноголосными. Они исполнялись мужскими хорами без сопровождения инструментов. Культивирование монодии в течение семи веков способствовало развитию мелодического начала - основы русской национальной музыкальной культуры. Подчеркнем, что важнейшей особенностью русской церковной музыки является ее вокальный характер. Музыкальные инструменты, в отличие от католической и протестантской церквей (где широко использовался орган), не используются в православном богослужении. Именно поэтому в XVII и XVIII веках жанр концерта103, получивший развитие в искусстве западноевропейских стран как инструментальный жанр, в России интенсивно развивается как жанр вокально-хоровой.

В XVII - XVIII веках сложился новый вид храмового пения, получивший название партесного. Это было многоголосное пение. Свое название оно получило от латинского слова partes - партии. В его основе лежал принцип гомофонно-гармонического соподчинения голосов при господствующей роли четырехголосия. Партесное пение возникло на Руси путем "скрещивания" западной музыкальной системы с православными певческими традициями. Его введение было связано с деятельностью музыкантов, получивших возможность обучаться музыке за границей.

Наряду с церковным в слое образованных и экономически состоятельных (а следовательно, имеющих возможности для организации культурного досуга) людей интенсивно развивалось светское по характеру музицирование. В XVIII – XIX веках музыкальные инструменты, получившие широкое распространение в Европе (струнно-смычковые и клавишные), стояли не только во многих домах столичных жителей, но и в домах дворян, живших на периферии государства. При этом в качестве материала для музицирования использовались либо произведения зарубежных композиторов, либо сочинения отечественных композиторов-любителей.

Среди звезд "первой величины" не только в отечественной музыке, но и в мировой культуре, благодаря творчеству которого русская музыкальная традиция впервые вышла как самостоятельная и полноценная в художественном отношении ветвь на европейскую музыкальную сцену, следует назвать Михаила Ивановича Глинку (1804-1857 гг.). Его справедливо считают "Пушкиным русской музыки". С него начинается "золотой век" русской музыкальной классики и русской национальной школы пения.

В стилевом отношении М.И. Глинка разделял духовные устремления композиторов венской классической традиции и очень высоко ценил творчество В.А. Моцарта и Л. ван Бетховена. Вместе с тем, М.И. Глинка находился под влиянием романтического стилевого направления. Однако, пристально изучая технические находки композиторов-романтиков, М.И. Глинка не разделял творческую идею "ухода от действительности" в мир индивидуальных психологических переживаний, характерную для них. Скорее наоборот. Романтическое мироощущение позволило композитору, подобно А.С. Пушкину, воссоздать в музыкальных образах возвышенную лирику человеческих переживаний, героику исторического прошлого русского народа, поэзию русских эпических жанров и сказки. Поэтому можно сказать, что в стиле М.И. Глинки сплелись в неразрывном единстве классицистская рациональность, романтическая пылкость и российский реализм. Музыка М.И. Глинки проникнута искренностью, психологизмом и передает многообразный спектр образов - от мудрой философской обобщенности, страстных волнений до светлой поэтической умиротворенности. Главное качество его музыки - распевность, что роднит ее с русским народно-песенным творчеством, делает ее узнаваемой и эмоционально окрашенной. Музыкальный критик Г.А. Ларош писал: "… в стиле Глинки вполне взошли основные свойства русской песни: ее безбрежная размашистость, ее резко-величавая простота, ее первобытная грация".

Именно М.И. Глинка выдвинул перед собой задачу, казавшуюся в то время грандиозной и почти невыполнимой, - создать национальную музыкальную оперу. Композитор увлекся идеей, поданной В.А. Жуковским, написать оперу на сюжет об Иване Сусанине, о подвиге которого он узнал еще в юности, прочитав "Думу" К.Ф. Рылеева. Премьера оперы, названной "Жизнь за царя", 27 января I836 стала днем рождения русской героико-патриотического музыкального театра. Спектакль прошел с большим успехом, на нем присутствовала царская семья, а в зале среди многих друзей композитора был и А.С. Пушкин. Следующее оперное сочинение М.И. Глинки – "Руслан и Людмила" (на сюжет известного произведения А.С. Пушкина) – положило начало другому направлению отечественной музыкальной драматургии – опере-сказке, опере-былине. Симфонические сочинения Глинки: "Камаринская" (1848 г.), "Испанские увертюры" ("Арагонская хота", 1845 г., и "Ночь в Мадриде", 1851 г.), заложили основы русского симфонизма.

В конце 1850-х - начале 1860-х гг. сложилось творческое содружество композиторов, получившее наименование "Могучая кучка" (название дал кружку его идеолог - критик В.В. Стасов). В "Могучую кучку" входили: М.А. Балакирев (руководитель), А.П. Бородин, Ц.А. Кюи, М.П. Мусоргский и Н.А. Римский-Корсаков. Деятельность группы стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства. Удивительными являются не только огромные творческие достижения этой плеяды композиторов, но и то, что его члены не получили сколько-нибудь систематического классического музыкального образования и фактически являлись самоучками. Более того, некоторые из них добились выдающихся успехов и общественного признания в иных сферах профессиональной практики. Например, А.П. Бородин был выдающимся ученым-химиком, Ц.И. Кюи – профессором фортификации, М.П. Мусоргский и Н.А. Римский-Корсаков – офицерами.

Кратко остановимся на характеристике вклада членов этого объединения композиторов в мировую музыкальную культуру. Главная задача, которую поставили перед собой "кучкисты" – создать русскую национальную оперу и русский национальный симфонизм. Поэтому естественен их взгляд на русский национальный мелос как на основной "строительный материал", как на фундаментальную интонационную основу для творчества. При этом для них ярко выраженной является тенденция к использованию национального мелоса путем прямых заимствований фольклорного материала, хотя в некоторых случаях они охотно прибегали и к стилизации, когда сочиненные мелодии, не являясь прямыми заимствованиями, в то же время, воссоздавали колорит русской народной песни и танца.

Александр Порфирьевич Бородин (1833-1887 гг.) продолжил линию национального героического эпоса в музыке, начатую М.И. Глинкой, создав оперу "Князь Игорь" (в качестве литературной основы взят сюжет знаменитого литературного памятника "Слово о полку Игореве") и 2-ю "Богатырскую" симфонию.

Модест Петрович Мусоргский (1839-1881 гг.) - создатель монументальных народных музыкальных драм "Борис Годунов" (в качестве литературной основы послужило одноименное произведение А.С. Пушкина) и "Хованщина"104 (сюжет этой оперы обращается к событиям русской истории, связанным с расколом105). Выдающимися в своем жанре произведениями явились вокальные циклы композитора: "Детская" (на собственные тексты), "Без солнца" и "Песни и пляски смерти" (оба на стихи А.А. Голенищева-Кутузова, чью поэзию М.П. Мусоргский высоко ценил), а также очень популярный фортепианный цикл "Картинки с выставки", вдохновленный рисунками рано умершего друга М.П. Мусоргского - архитектора В.А. Гартмана.

Характерной чертой творческой идеи Мусоргского является то, что он уподоблял свое творчество "живой беседе с людьми" и считал своим долгом говорить людям правду, которую он противопоставлял самодовлеющей красоте так называемого академического искусства. М.П. Мусоргский разработал новый для русской музыки тип вокального речитатива, который он назвал "осмысленной/оправданной мелодией"; средствами этой "мелодии" композитор психологически достоверно воплотил как нюансы повседневных взаимоотношений персонажей, так и их переживания в ходе тяжелых испытаний.

В операх композитор обращается к неоднократно повторявшимся в истории России ситуациям духовной смуты, когда главными носителями твердых нравственных ценностей становились народные массы, юродивые и религиозные фанатики. Жизнь самых разных слоев общества показана в операх М.П. Мусоргского как с внешней, парадной стороны, так и с изнанки, часто весьма непривлекательной. В драматургии опер важную роль играет противопоставление русского и иностранного (чуждого) начал. Причем для обрисовки иностранного начала композитор использует резко отличающуюся "западную романтическую манеру музыкального высказывания, либо стилизацию в восточном стиле, когда речь идет о персонажах восточного происхождения (поляки в "Борисе Годунове", немцы и персидки в "Хованщине").

Музыке Николая Андреевича Римского-Корсакова (1844-1908 гг.) присущ живописно-изобразительный характер, особая чистота лирических эпизодов, склонность к поэтическому осмыслению русской природы, картин народного быта, русской сказки. Он написал 15 опер: эпических, сказочных, историко-бытовых, в том числе: "Псковитянка", "Майская ночь", "Снегурочка", "Садко", "Царская невеста", "Кащей Бессмертный", "Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии", "Золотой петушок"; симфонических произведений - "Испанское каприччио", "Шехеразада" и др.

Благодаря основанию Петербургской (1862 г.) и Московской (1866 г.) консерваторий в России появилась реальная возможность подготовки профессиональных музыкантов-исполнителей и композиторов высшей квалификации. Новое поколение композиторов, пришедшее на смену кучкистам, получило прекрасную академическую школу выучки, что позволило им закрепить успехи русской музыки и сделать ее положение на мировой музыкальной арене еще более прочным и авторитетным.

В первую очередь, здесь следует назвать имя Петра Ильича Чайковского (1840-1893 гг.). Его творчество глубоко психологично и запечатлело естественный порыв человека к счастью, с одной стороны, и невозможность преодолеть трагический смысл земного бытия, с другой. Гений П.И. Чайковского сформировался в пореформенную эпоху106. Он был свидетелем подъема и упадка народнического движения в русской культуре, современником композиторов "Могучей кучки". Окончив курс Петербургской консерватории, он явился одним из первых профессоров открывшейся немного позднее Московской консерватории.

Являясь глубоко национальным композитором, он шел иным путем, нежели приверженцы "кучкизма". Он редко заимствовал напрямую мелодии русского фольклора, но создавал большое количество обобщенных, опосредованных народно-песенных интонаций. П.И. Чайковский воплотил собирательный образ "русскости", России, российской действительности в ее многогранности.

При этом следует заметить, что композитор ориентировался не на крестьянские фольклорные традиции, а преимущественно обращался к "интонационному словарю" городского музыкального быта. Привычные городские интонации в сочетании с эмоциональной открытостью, искренностью и мелодичностью сделали музыку П.И. Чайковского понятной и доступной самому широкому слушателю и в России, и за границей. Именно поэтому произведения композитора быстро завоевали симпатии европейцев, способствовали международному признанию русской музыки во всем мире.

Несмотря на то, что музыка П.И. Чайковского имеет отчетливо выраженный русский колорит, не менее органично в нее вписываются и достижения европейского искусства, стилистика романтизма. Это, например, проявляется в конфликтности его музыкального мышления, отражающего сложную душевную жизнь композитора, охваченного поиском романтического идеала и мучительными размышлениями о смерти.

Обращает на себя внимание проникновенный лирический дар композитора. Лучшие страницы его сочинений окрашены в эмоциональные тона, придающие музыке характер исповедального высказывания. Во многих симфонических, инструментальных сочинениях П.И. Чайковского имеется программность, то есть скрытый или явный, созданный самим композитором или навеянный образами русской или западноевропейской литературы, сюжет.

Симфоническая музыка П.И. Чайковского отличается многогранностью воплощения эмоциональных состояний и переживаний. В ней есть пейзажные зарисовки, образы народного быта, просветленные лирические эпизоды, нравственные, мистические и философские раздумья. Однако самые трепетные страницы его оркестровой музыки и главные композиторские достижения связаны с отражением конфликтного мировосприятия в высоко трагедийном смысле. Создав симфонию-драму и симфонию-трагедию, П.И. Чайковский фактически завершил формирование "энциклопедии" русского классического симфонизма, начало которому было положено М.И. Глинкой.

Диапазон творческих интересов композитора необычайно широк. В его наследии десять опер ("Евгений Онегин", "Мазепа", "Черевички", "Чародейка", "Пиковая дама", "Иоланта" и др.) три балета ("Лебединое озеро", "Спящая красавица", "Щелкунчик") семь симфоний (одна из них имеет название "Манфред"), увертюра-фантазия "Ромео и Джульетта", фантазия "Франческа да Римини", "Итальянское каприччио", 3 концерта для фортепьяно с оркестром, концерт для скрипки с оркестром, хоровая и фортепианная музыка, камерно-вокальные произведения.

Творческая концепция П.И. Чайковского дала прекрасные плоды в лице композитора следующего поколения, выпускника Московской консерватории - Сергея Васильевича Рахманинова (1873-1943 гг.). Отметим, что художественный стиль С.В. Рахманинова сложился под непосредственным влиянием московской композиторской школы, прежде всего - П.И. Чайковского. Вместе с тем ему были близки многие черты творчества "кучкистов".

Также как П.И. Чайковский и композиторы "Могучей кучки", С.В. Рахманинов опирался на глубинные русские духовные традиции. В творчестве композитора с особой силой воплощена тема Родины. В его музыке запечатлен многообразный спектр образов, имеющих внутреннюю связь с особенностями православного сознания, с невысказанной словесно, но прочувствованной духовно "русской идеей"”, "русской правдой".

С.В. Рахманинов создает в своих произведениях особый, неповторимый и самобытный русский мир. Драматургию своих произведений он строит на основе глубокого, имеющего источником не внешние, а духовные посылы, контраста, в котором сталкиваются не столько разнообразные эмоциональные сферы, сколько Божье и антихристово, Свет и тьма, что порождает у слушателя представление, что композитор сумел постичь какие-то очень важные тайны и грани Бытия.

Учитывая, что как музыкант и художник С.В. Рахманинов формировался в период, получивший название "Серебряного века русской культуры", следует отметить определенную двойственность его положения в художественной практике. Общая картина "серебряного века" достаточно противоречива: на одном ее полюсе - страх, тревога, смятение, ожидание грядущих социальных катаклизмов, на другом - стремление заглянуть в эту бездну, подталкивание событий, напряженные интеллектуальные усилия, направленные на осмысление ситуации. С одной стороны, С.В. Рахманинов, безусловно, является одним из наиболее выдающихся деятелей русского "культурного ренессанса", поскольку в своем творчестве он воплотил новые черты русского общества и культуры. В частности, композитору была близка идея мессианской роли России в духовном развитии человечества в целом. В его образах, в характере музыкальной драматургии и в стиле художественного мышления много черт, родственных психологическим обобщениям И.А. Бунина и А.П. Чехова, русских поэтов-символистов. Также, как и И.И. Левитан, С.В. Рахманинов передает гармонию психологического слияния с бесконечными, не имеющими видимых пределов российскими пространствами. Как М.В. Нестеров, он ценил духовные начала русского человека, обращающегося к молитве, к Богу в поисках ценностных смыслов своего бытия. При этом в музыке композитора явственно просматривается пророческое предвидение (как и у Н.С. Гумилева) ее трагического крестного пути.

С другой стороны, положение С.В. Рахманинова осложнялось некоторыми обстоятельствами культурной жизни России. М. Шагинян пишет: "В близких модернизму кругах высшим критерием искусства была степень формальной новизны. Все, что не носило в себе элементов такой "новизны вообще", новизны, во что бы то ни стало, непохожести на прежнее, на старое, тотчас получало кличку "эклектики"". Чтобы проиллюстрировать эту жажду новаций, пусть даже и связанных с некоторой потерей смыслового начала, приведем стихотворение широко известного (и очень талантливого) поэта Велемира Хлебникова, написанное в 1908-1909 гг.):