Го искусства Оно насчитывает более пяти тысяч икон и около полутора тысяч произведений средневекового ювелирного мастерства, церковной утвари и предметов культа
| Вид материала | Документы |
СодержаниеМаковский. „Ночлежный дом". Репина „Заседание Государственного Совета Исаак Левитан Василий Верещагин Серова Софья Боткина Константин Коровин |
- Овары, торговые и бытовые услуги в широком ассортименте, по доступным ценам и в пределах, 161.2kb.
- Театр один из самых древних видов зрелищного искусства. Его история насчитывает более, 47.73kb.
- Реферат по курсу «Актуальные проблемы бухгалтерского учета» на тему: «Этический кодекс, 157.09kb.
- Понятие и классификация административно-территориальных единиц разработаны в юридической, 141.32kb.
- В 1922 году был создан Бухарский областной музей, преобразованный в 1985 году в Бухарский, 75.32kb.
- Описание России" в VII томе, 1528.6kb.
- Автор доклада: Иванова Елена Александровна Данные, 128.98kb.
- Социальный портрет пожилых людей города, 1482.57kb.
- Информация о предпринимательстве в городе Белгороде за 9 месяцев 2011 года, 47.99kb.
- Постановление, 23kb.
Эти проблемы пронизывают многие обличительные картины социально-критического характера из собрания Русского музея. Прочтение Николаем Ге (1831-1894) евангельской легенды о тайной вечере сквозь призму проблем 1860-х стало сенсацией для посетителей выставки 1863 года в петербургской Академии художеств. В облике апостола Павла они узнали Александра Герцена, лондонского эмигранта, издающего альманах „Колокол", посвященный проблемам России. Для современников мотив „Тайной вечери", разрабатывавшийся множеством художников, приобрел близкое, животрепещущее значение. Одни связывали его с расколом, произошедшим в среде единомышленников. Другие усматривали в трактовке евангельского сюжета мысль о трагедии человека, предвидящего предательство соратника, но готового к самопожертвованию. Библейская легенда превращается в картине Ге в воплощение нравственно-психологической драмы. Отношение к историческому жанру как к некоей реальности, заново переживаемой и воплощаемой художником, стало обычаем для передвижников.
„Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе" Николая Ге, „Запорожцы" Ильи Репина (1844-1930), „Покорение Сибири Ермаком" Василия Сурикова (1848-1916) и другие исторические полотна написаны не просто живописцами, но своего рода режиссерами, заново и по-своему осмысливающими старинные события. Показательно, что большинство передвижников тяготело в историческом жанре к психологизму, к прочтению ситуаций через переживания, реакции, состояния участников.
Не случайно все художники второй половины XIX века, писавшие на исторические сюжеты, были прекрасными портретистами. В собрании Русского музея представлено портретное творчество Василия Перова, Николая Ге, Ивана Крамского, Николая Ярошенко (1846-1898) и других художников-передвижников. Диапазон жанровых и тематических предпочтений в творчестве передвижников чрезвычайно широк и разнообразен. 1860-1870-е годы известны как пора активности в России народовольцев, представителей интеллигенции, поставивших целью борьбу за интересы народа. „Хождения в народ", митинги, террористические акты для многих политических деятелей тех лет кончались тюрьмами, ссылками, гибелью.
Не случайно в демократическом искусстве тогда был популярен образ революционера (Владимир Маковский (1846-1920). „Осужденный". 1879; Николай Ярошенко. „Курсистка". 1880). Огромную роль в раскрытии темы реформаторов сыграл скульптор Марк Антокольский (1842-1902). В его произведениях, особенно посвященных Христу, предстает человек новой идеи, революционер, далеко не всегда сразу понимаемый народом.
Художники тех лет продолжали писать картины о нищете и бедности (Владимир Маковский. „Ночлежный дом". 1889; Николай Касаткин (1859-1930). „Осиротели". 1891), о счастье и любви (Николай Ярошенко. „На качелях". 1888; Василий Максимов. „Мечта о будущем". 1868; Василий Суриков. „Взятие снежного городка". 1891 и другие).
Одним из самых известных среди передвижников был, пожалуй, Илья Репин.
Его творчество представлено в Русском музее разными периодами, начиная от самых ранних („Приготовление к экзамену". 1864; „Иов и его друзья". 1869, за которую Репин получил золотую медаль второго достоинства; „Воскрешение дочери Иаира". 1871) и кончая поздними картинами, такими как „17 октября 1905 года" (1907, доработана в 1911) и другими.
Между 1870 и 1873 годами написана Репиным картина „Бурлаки на Волге", ставшая своеобразным живописным гимном эпохи. Лаконично, просто и мощно решил художник тему подневольного, рабского труда, волновавшую тогда многих. Соединив в одной композиции почти десять портретов, Репин только этим не ограничился. „Бурлаки на Волге" нельзя назвать картиной бытового жанра.
Это произведение шире и глубже, чем просто групповой портрет или жанровая сцена. „Бурлаки на Волге" - метафора силы и бессилия, свободолюбия и невозможности вырваться из рабства. Появившаяся в 1870-е годы на выставках, эта картина сразу привлекла к себе внимание публики и критики. Репин получил право поездки во Францию для совершенствования в искусстве.
В этом путешествии художник написал блистательный по живописи „Портрет негритянки" (конец 1875 - начало 1876) и картину в сказочном духе „Садко" (1876), за которую получил звание академика.
Из произведений 1880-х годов, принадлежащих Русскому музею, особенно важно отметить портреты композиторов Александра Глазунова (1865-1936). 1887; Антона Рубинштейна (1829-1894). 1887; Александра Бородина (1833- 1887). 1888.
Дружба с писателями, композиторами, общественными деятелями эпохи породила много портретов, написанных Репиным в разные годы. Среди них выделяется изображение Льва Толстого (1901). Репин не раз рисовал известного писателя.
В собрании Русского музея хранится несколько портретных набросков с Льва Толстого. В живописном произведении писатель представлен босым, похожим на себя и в то же время на одинокого путника. Портрет необычен форматом (207 х 73), цветом, композицией. Зеленовато-коричневая, несколько мрачная гамма, в полный рост стоящая фигура, с лицом, обращенным в сторону от зрителя, придают образу драматическую окраску, отрешенность, вполне соответствующие тогдашнему состоянию души Толстого.
Русский музей обладает самой большой по размеру картиной Репина „Заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года, в день столетнего юбилея со дня его учреждения", написанной вместе с группой учеников в 1903 году. Картина была заказана Репину и украшала один из залов Мариинского дворца в Петербурге. Групповой портрет из более чем 80 персонажей потребовал от Репина огромной подготовительной работы. Им были сделаны этюды с большинства членов Государственного Совета, также входящие в коллекцию Русского музея. Талантливый психолог, Репин запечатлел не просто внешний облик тогдашней государственной элиты, но и создал целый ряд интереснейших портретных характеристик людей, призванных решать судьбу России. Репин относился к числу художников, всегда искавших новые темы, сюжеты, образы, выразительные средства. Он никогда не был равнодушен к происходившему в стране. Такие его картины, как „17 октября 1905 года" или „Какой простор!" -свидетельства чуткости, внимания и интереса Репина к новым общественно-политическим настроениям, характерным для предреволюционной России. Одна из особенностей мировоззрения художников второй половины XIX века связана с вниманием к национальным проявлениям - в истории, в жизни, в природе. В это время художники тщательно изучают местные ландшафты, открывая в них поэзию, не замечаемую раньше (Алексей Саврасов (1830- 1897)). Творчество Ивана Шишкина (1832-1898) связано с воспеванием леса. После окончания Московского училища живописи, ваяния и зодчества он учился в Академии художеств. В 1862 году был отправлен ее пенсионером за границу. Жил и работал в Дюссельдорфе. Вернувшись домой, Шишкин записал в дневнике: „Мой девиз? Быть русским. Да здравствует Россия!" Стремясь создать точный жизнеподобный образ природы, Шишкин тщательно ее изучал. Многие его картины отражают все детали натуры („Корабельная роща". 1898). Однако Шишкина трудно обвинить в примитивном натурализме. Среди его этюдов есть немало не просто штудий, но подлинных шедевров поэтического изображения природы („Сныть-трава. Парголово". 1884-1885). Такие картины, как „Дубы" (1887), „Зима" (1890), „У берегов Финского залива" (1889) и другие из собрания Русского музея, - лирические и одновременно монументальные образы разных состояний русского пейзажа. Пейзажный жанр в живописи второй половины XIX века был похож на описания природы в русской литературе того периода. Не столько и не только видимая глазом действительность становилась предметом воспевания художниками и писателями. Через состояние природы передавали они умонастроения, эмоциональную атмосферу окружающего мира.
Даже такая картина, как „Московский дворик" Василия Поленова (1844-1927) -живописная новелла об уютном кусочке Москвы, - окрашена свежестью восприятия художником этого обыкновенного сюжета. Поленов не был пейзажистом. Как и многие в ту пору, он писал картины на исторические („Арест гугенотки Жакобин де Монтебель". 1875), библейские темы („Христос и грешница". 1888), жанровые и пейзажные произведения. В этом синкретизме была логика развития искусства второй половины XIX века. Библейский исторический мотив оживал, погруженный в правдоподобную среду. Пейзаж переставал быть просто видом, одухотворенный эмоциональным и философским отношением художника к природе. Нередко, как в „Оттепели" (1871) Федора Васильева (1850-1873), перерастая границы своего жанра, пейзаж превращался в картину-метафору России и ее судьбы.
Вообще пейзаж в России второй половины XIX века был явлением довольно разнообразным и богатым.
В этом жанре были еще сильны романтические традиции (Иван Айвазовский, Алексей Саврасов, Федор Васильев). Необычными даже для этого типа мировидения были тогда произведения Архипа Куинджи (1842-1910). Грек по происхождению, Куинджи внес в пейзаж 1870-1880-х годов ту меру художественной условности и лаконизма, какая появится в русском искусстве только у художников рубежа XIX и XX столетий. Его интересовали не столько пейзаж, вид или предметы природного мира. Куинджи прежде всего волновали свет и цвет в разное время дня и ночи, летом и зимой.
Особое место среди пейзажистов второй половины XIX века занимает Исаак Левитан (1860-1900). Его произведения нередко и справедливо сравнивают с прозой Антона Чехова. Художник и писатель дружили. Их мировидение, действительно, во многом было похожим.
Поиски „души русской природы" характерны для творчества Левитана. Среди его произведений нет видов. „Пейзаж-настроение", в котором выражена целая гамма чувств - от радости до печали, от пессимизма до оптимистических нот -определяет творческое лицо художника.
Размышления о жизни, о человеке через природу, ее состояние свойственны и лучшим работам Левитана из собрания Русского музея („Золотая осень. Слободка". 1889; „Весна. Последний снег". 1894; „Сумерки. Луна". 1899; „Озеро". 1899-1900). Конец XIX - начало XX столетия - бурный период в истории русского искусства. В это время в нем появляются и развиваются самые разные течения. Одни художники по-прежнему обращаются к социальным темам (Абрам Архипов (1862-1930). „Прачки". 1901). „Осиротели" (1891), „Сбор угля бедными на выработанной шахте" (1894) Николая Касаткина (1859-1930) и другие продолжают темы, волновавшие передвижников.
Другие, как например, Василий Верещагин (1842- 1904), выбирают абсолютно свой путь, не имеющий традиций в русской живописи. Верещагин много путешествует, бывает на театрах военных действий. Его картины, в том числе и из собрания Русского музея, - о войне и ее трагедиях („Шипка-Шейново". До 1890), об особенностях быта народов разных стран („У дверей мечети". 1873; „В Иерусалиме. Царские гробницы". 1884 (5?); этюды и картины, написанные во время путешествия в Японию. 1903; и другие).
Изменение отношения к истории России тоже было одной из интересных особенностей русского искусства рубежа веков. Не только исторические сюжеты, но сказки, анекдоты и рассказы на темы русской истории становятся предметами воплощения. „Витязь на распутье" (1882) Виктора Васнецова (1848-1926), его же „Баян" (1910) обращены к русскому эпосу. „Московская улица XVII века" (1895), „Семья купца в XVII веке" (1896) и другие картины Андрея Рябушкина (1861- 1904) - сочинения художника на темы жизни в России XVII- XVIII столетий.
Легкий юмор, присущий взгляду Рябушкина на русский быт, противостоял пафосу, обычно свойственному историческим произведениям. Это новое отношение к национальной жизни позднее сказалось в творчестве и других мастеров, таких как Борис Кустодиев (1878-1927), писавший о роскошной красоте провинциального купечества („Купчиха". 1915; „Масленица". 1916; „Купчиха за чаем". 1918); Филипп Малявин (1869-1940), создавший экзотический образ русской крестьянки начала XX века.
Одетые в яркие сарафаны и платки, его модели вошли в художественный обиход под названием „малявинские бабы". Любопытно, что Кустодиев, Малявин, Рерих были учениками Репина. В Русском музее есть их произведения времени близости к репинскому реалистическому отображению мира.
Отход учеников Репина от передвижнических традиций, поиски и определение ими собственного пути - одно из подтверждений достаточно широких возможностей, появившихся в художественном мире России на рубеже XIX и XX столетий.
Чем ближе к этому переломному времени – тем напряженнее становятся отношения между человеком и обществом, художником – и объектом его творчества. Приобретая изощренную сложность, интеллектуальную остроту и философскую глубину, искусство вместе с тем утрачивает былую, по-детски наивную ясность мировосприятия, патриархальную простоту диалога художника, изображаемого им мира и зрителя.
И если в начале XIX века мы застаем российскую живопись за неторопливым созиданием единых, высоких и строгих эстетических канонов классицизма, то начало века двадцатого становится временем предчувствия и предвидения социальных потрясений и катастроф, ниспровержения идеалов и традиций.
ХX ВЕК
Рубеж девятнадцатого и двадцатого века – время расцвета модерна – стиля, распространяющегося уже одновременно в России и в Западной Европе. Открытие невиданных возможностей как привычных, так и новых для изобразительного искусства материалов; причудливое подражание природным формам – мир природы, с которой сливается человек, отражаясь в зеркале искусства, превращается в затейливый изысканный орнамент, причудливую декоративную комбинацию красок, объемов, орнаментов, ритмов. Изгиб, мерцание, почти болезненный надлом – изощренность фантазии и мастерства художника стремятся унести его прочь от всего привычного и обыкновенного.
В нынешней экспозиции Русского музея XX век начинается с зала Михаила Врубеля в корпусе Бенуа (зал № 66).
В эту часть экспозиции входят произведения, созданные не только в XX веке. Многие картины были написаны раньше. Однако, чтобы не разрушать монографического показа творчества наиболее важных и интересных мастеров XX века (Михаил Нестеров, Борис Кустодиев, Валентин Серов и другие), их произведения сосредоточены в экспозиции корпуса Бенуа. Михаил Врубель (1856-1910) начинал свой творческий путь в конце XIX века, как Валентин Серов, Михаил Нестеров, Борис Кустодиев и многие художники, чьи произведения экспонируются в разделе XX столетия. Он обращался к сюжетам сказок, былин („Богатырь". 1898), литературных произведений („Гамлет и Офелия". 1884), как и многие мастера конца XIX века. Однако трактовка этих мотивов принципиально изменилась. Художественный язык и образность произведений Врубеля выходят за пределы характерных для XIX столетия. Гипертрофированно преувеличенная фигура богатыря, откровенно декоративное изображение пейзажа, нетрадиционный формат выделяют это полотно среди работ других художников на сказочные сюжеты.
Построение формы живописными мазками, похожими на мозаику, в „Шестикрылом серафиме" (1904), лаконичное и предельно условное изображение моря и воинов в „Тридцати трех богатырях" (1901) выводят эти и прочие работы Врубеля в иную, чем было принято в XIX веке, художественную систему воплощения реального или воображаемого мира. Врубель разрушает классические понятия формы и композиции. Но это не единственный признак, сближающий его с XX веком. Широко образованный Врубель переосмысливает и предлагает новую трактовку важнейших литературных персонажей. К примеру, Врубель утверждал, что Демона обычно путают с чертом (по-гречески „рогатый") или дьяволом („клеветник"). Демон в переводе Врубеля означает „душа". Образ Демона - одна из центральных тем в творчестве Врубеля. „Демон сидящий" (1890) и „Демон поверженный" (1902) принадлежат Третьяковской галерее. Несколько иллюстраций к поэме Лермонтова „Демон", а также картина „Летящий демон" (1899) находятся в Русском музее. „Летящий демон", как и некоторые другие произведения Врубеля, относится к числу работ, связанных с идеями символизма. Воплощение духовного, создание нового языка символов - характерная примета рубежа XIX и XX столетий. У Врубеля Демон - „страдающий и скорбный <...> властный и величавый". Его распростертая горизонтально фигура парит над землей. Воспаленные, горящие глаза всматриваются в происходящее внизу.
Неопределенной формы рисунок, сложный цвет, необычная композиция выделяют это, как и другие полотна Врубеля, в истории русского искусства. Другом Михаила Врубеля, его соучеником по мастерской Павла Чистякова в Московском училище живописи, ваяния и зодчества был Валентин Серов (1865-1911). Как и Врубель, он начал свой творческий путь еще в XIX веке. И его ранние работы можно отнести к импрессионистическим („Портрет Аделаиды Симонович". 1889). По преимуществу портретист, Серов не ограничивался этим жанром. Он писал тонкие, лиричные пейзажи („Зимой". 1898), исторические композиции („Петр II и цесаревна Елизавета на псовой охоте". 1900), сцены, жанр которых трудно точно определить („Дети". 1899).
Последователь классической линии западных и русских мастеров, он до определенного момента развивал ее, дополнив поисками цвета и света, свойственными импрессионистам. Самая блистательная грань творчества Серова -портреты. Они разные по размерам, колористическому строю, композиции. Серов был беспощаден к изображаемым. Роскошная обстановка, дивной красоты платья не могли скрыть отношения художника к его моделям.
Светски холодными, надменными предстают в парадных портретах кисти Серова Софья Боткина (1899), Зинаида Юсупова (1902), Феликс Юсупов (1903), Ольга Орлова (1911) и другие.
Последняя заказчица была так недовольна своим портретом - подлинным шедевром художника, что сразу поспешила избавиться от него, в 1912 году подарив Русскому музею. В 1907 году Валентин Серов вместе с Леоном Бакстом едет в Грецию. Эта поездка оказала решающее влияние на перемены в творчестве Серова. Он увлечен искусством архаики, греческими и египетскими рельефами, росписями. В последние годы короткой жизни Серов создал несколько произведений в совершенно ином, чем раньше, стиле. В какой-то степени в некоторых из них можно усмотреть отзвуки символизма („Похищение Европы". 1910), в других - „Портрет Иды Рубинштейн" (1910) - близость к Матиссу.
Независимо от источников вдохновения, Серов создает произведения нового для XX века стиля. Особенно в этом смысле выделяется „Портрет Иды Рубинштейн". Знаменитая танцовщица, прославившаяся исполнением нескольких партий в балетах „Русских сезонов" Дягилева, представлена обнаженной, без всякой идеализации формы. Напротив, художник выявляет и подчеркивает угловатую, резкую пластику ее тела. Лаконизмом цвета и рисунка картина напоминает плакат или стенную роспись. Художник отказывается от деталей, изображения окружающей обстановки, сосредоточив все внимание на пластике, выражающей главное существо Иды Рубинштейн.
Товарищем и современником Серова и Врубеля был Константин Коровин (1861-1939), последователь импрессионистической линии в искусстве. Его пейзажи и натюрморты, блистательные по живописным достоинствам, дополняются театральными эскизами и декоративными панно, а также портретами. Коровин, как правило, изображал в портретах хорошо знакомых ему людей. Татьяна Любатович (1880-е) - оперная певица, исполнявшая главные роли в постановках частного оперного театра С. И. Мамонтова.
В селе Абрамцево, имении Мамонтова, одном из художественных центров в конце XIX века, в котором собирались писатели, художники, артисты, часто бывали Коровин, Врубель, Серов и другие. Там познакомились и подружились Коровин и Любатович. Ее портрет - не просто изображение конкретного лица. Олицетворение женственности, свежести, вдохновения несет в себе образ Любатович, созданный Коровиным.
Столь же светлым, веселым и роскошным предстает знаменитый певец и друг художника Федор Шаляпин в портрете, написанном с него Коровиным в 1911 году.
Но идиллическое спокойствие, равновесие постепенно утрачиваются – и в стилистике, и в самой художественной жизни. Накаляются страсти в связи с противостоянием между теми художниками, которые, объединившись в Товарищество передвижных выставок, считали искусство "учебником жизни", стремились занимать в творчестве активную социальную позицию, обличать и бичевать пороки современного общества, - и теми, кто стремился к гордому затворничеству в "башне из слоновой кости", к созданию чуждого суетным сиюминутным проблемам, обращенного в прошлое, отстраненного и совершенного мира.
'Значительную роль в истории русской культуры сыграло на рубеже XIX и XX веков объединение, получившее название по издаваемому журналу „Мир искусства".
История и быт старой Европы и России оживают в произведениях