Geum.ru

Министерство образования азербайджанской республики азербайджанский технологический университет по предмету

Вид материалаДокументы

Содержание


Изобразительное искусство XVIII века. Франция. Италия. Англия. Россия.
Подобный материал:
1   2   3   4   5   6   7   8   9   ...   15

Изобразительное искусство XVIII века. Франция. Италия. Англия. Россия.



Восемнадцатый век в Западной Европе – последний этап длительного перехода от феодализма к капитализму.

В изобразительном искусстве возрастало значение непосредственно реалистического отображения жизни. Расширилась сфера искусства, оно стано­вилось активным выразителем освободительных идей, наполнялось злобод­нев­ностью, боевым духом, обличало пороки и нелепости не только феодального, но и нарождающегося буржуазного общества. Оно выдвинуло и новый поло­жи­тельный идеал ничем не скованной личности человека, свободного от иерар­хических представлений, развивающего индивидуальные особенности и вместе с тем наделенного благородным чувством гражданст­венности. Искусство стано­вилось общенациональным, обращалось не только к кругу утонченных цени­те­лей, но к широкой демократической среде.

Искусство 18 в. прошло два этапа. Первый продолжался до 1740-1760 гг. Он характеризуется видоизменением поздних форм барокко в декоративный стиль рококо. Своеобразие искусства первой половины 18 в. – в сочетании остроумного и насмешливого скептицизма и изысканности. Это искусство, с одной стороны, утонченное, анализирующее нюансы чувств и настроений, устремленное к изящной интимности, сдержанному лиризму, с другой стороны, тяготеющее к "философии наслаждения", к сказочным образам Востока- арабов, китайцев, персов. Одновременно с рококо развивалось реалистическое направление – у некоторых мастеров оно приобрело остро обличительный характер. Открыто проявилась борьба художественных направлений внутри национальных школ. Второй этап связан с углублением идеологических противоречий, ростом самосознания, политической активности буржуазии и народных масс. На рубеже 1760-1770-х гг. Королевская Академия во Франции выступила против искусства рококо и пыталась возродить парадный, идеа­лизирующий стиль академического искусства конца 17 в. Галантный и мифологический жанры уступили место историческому с сюжетами, заимст­вованными из римской истории. Они были призваны подчеркивать величие утратившей авторитет монархии в соответствии с реакционным истолкованием идей "просвещенного абсолютизма".

Со второго десятилетия 18 в. начался новый период развития французс­кого искусства. Содержание идейной жизни Франции этого времени опре­деля­лось борьбой демократических сил с разлагающимся абсолютизмом, с парази­тизмом и расточительством двора и аристократии, с церковью, преследовавшей вольнодумцев; эта борьба идеологически подготовила страну к буржуазной революции конца 18 в.

С конца 17 в. распространялась чисто декоративная нарядная живопись, возник интерес к колориту, в нем заметно влияние венецианцев, Рубенса, а так­же голландских мастеров. Живопись рококо, тесно связанная с интерьеров отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. Образ чело­ве­ка утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орна­мен­тального убранства интерьера. Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блек­лых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков.

Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж.

Реалистическое направление, развивавшееся параллельно с искусством ро­ко­ко, в основном выражало идеалы третьего сословия, и было различным в своих проявлениях. Великий реалист 18 в. Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779) своим происхождением, образом жизни и искусством был связан с ремесленной средой, с патриархальным бытом и традициями цехового строя. В скромных жилищах ремесленников художник находил темы для бытовых картин, натюрмортов и портретов. Шарден не получил академического образования. Работа с натуры была основой его творчества. Он находил поэзию в мелочах домашнего обихода, в изображение которых вкладывал теплоту чувств. В "низких", с точки зрения Академии художеств, жанрах Шарден достиг такого совершенства, что был принят в ее члены(1728).

Центральная тема Шардена – натюрморт. Отталкиваясь от голландцев, Шарден обрел в этом жанре полную творческую самостоятельность, достиг той значительности и содержательности, которых не знали его предшественники. Натюрморт Шардена – это мир домашних, обжитых человеком вещей, ставших частью интимной сферы чувств и мыслей. Мертвая натура превращалась под его кистью в живую одухотворенную материю, сотканную из тончайших красочных оттенков и рефлексов, окруженную воздухом. Совершенной вольерной живописью, отличающейся, по словам Дидро, чисто музыкальной гармонией тона и цвета, художник открыл качественное многообразие вещей, красоту обыденного. В ранних натюрмортах Шарден увлекался декоративными эффектами. В пору зрелости он достиг классической ясности композиции; скупо отбирал предметы, стремился в каждом выявить существенное – его структуру, форму, материальную характерность ("Натюрморт с зайцем", до 1741 г., Стокгольм, Национальный музей, ил.212). На его полотнах появились корзинки, кринки, чаны, кувшины, бутылки, овощи, фрукты, битая дичь. Чаще всего композиции натюрмортов Шардена, развернутые по горизонтали (что позволяет расположить предметы параллельно плоскости картины), непринужденно сво­бод­ны, но в них чувствуется строгая внутренняя закономерность, построенность.

В 18 в. завершается классический период развития итальянского искусства. Профессиональный уровень мастерства художников был все еще очень высоким, их приглашали правители различных европейских стран. Однако твор­чес­кие искания даже самых видных художников были, по существу, ограниченными, и большинство из них не выходило за рамки барочного искусства. Отсутствие материальных средств и крупных заказов сужало воз­мож­ности работы на родине.

Разрозненные войнами, истощенные экономически, итальянские госу­дарст­ва большей частью находились под ярмом различных иноземных завое­вателей.

Лишь Папская область с Римом и Венецианская республика сохраняли государственную независимость, а их искусство сыграло значительную роль в художественной жизни Европы 18 в.

В Риме работали французы, немцы, датчане, приезжали совершенствовать свое мастерство русские художники. И хотя сами римские живописцы в большинстве не поднялись выше среднего уровня и не создали выдающихся произведений в художественной практике, их пропаганда античности имела глубокий отклик в европейском искусстве не только 18 в., но и 19 в.

Особое место в итальянском искусстве 18 в. заняла венецианская школа живописи, выдвинувшая ряд крупнейших художников, которые продолжали традиции высокого мастерства декораторов барокко и отчасти Возрождения.

Блестящим декоратором, живописцем т графиком был Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770), который работал не только в Италии, но и в Германии, Испании; его произведения украшали дворцы русских вельмож.

В обращении к реальному миру, к неповторимо прекрасной природе Венеции и ее нарядной архитектуре заложена основа успеха художников – пейзажистов, среди которых выделяется высоким мастерством исполнения и тонким колоритом Франческо Гварди (1712-1793). Он не покидал родной город и не переставал восхищаться им в течение всей своей жизни. В различные времена дня и года писал он словно тающие в воздушной дымке каналы и лагуны Венеции, скользящие по ним гондолы, шумные площади и укромные дворики, одухотворяя эти пейзажи личным чувством (ил.219).

Благодаря своеобразию географического положения, политического и экономического развития Англия занимала несколько обособленное место среди европейских стран, хотя и находилась в постоянном взаимодействии с ними. В пору формирования капиталистических отношений Англия опережает многие страны Европейского континента политической зрелостью. На 18 в. приходится расцвет национального английского искусства, связанный с общим подъемом английской культуры, особенности которой определялись буржуазной революцией 1640-1660 гг.

Основоположником реализма в английской живописи был Уильям Хогарт (1697-1764). Создатель общественной и политической сатиры, он стремился глубоко осмыслить действительность своего времени с типичными для нее явле­ниями: хищным стяжательством, социальными контрастами, столкно­вениями буржуазных законов с феодальными предрассудками и привилегиями.

Хогарт родился в Лондоне в семье учителя: профессиональному мас­терс­т­ву учился у гравера: самостоятельно работать начал в области гравюры и ил­люст­рации. В это время складывается его метод, основанный на наблюдениях жизни. Его первые живописные произведения в известной мере связаны с графическими. Это серии картин, объединенных сюжетной линией, в живо­пис­ной форме повествующих о судьбах персонажей различных социальных слоев, иногда навеянных литературой. Такова "Карьера мота" (1732-1735, Лондон, музей Соуна), "Модный брак" (1743-1745, Лондон, Национальная галерея), раскрывающие типичные неблаговидные и подчас трагические явления дейст­ви­тель­ности того времени. Каждая серия завершается ярко выраженной морализирующей концовкой. Распространенные в гравюрах художника, эти серии имели большой общественный резонанс.

"Карьера мота" (восемь картин) рассказывает о внезапно разбогатевшем юноше, который получил наследство и растратил его в кутежах, а затем попал в дом умалишенных. "Модный брак", наиболее значительная по глубине замысла серия Хогарта, состоит из шести полотен; это правдивая и поучительная история брака по расчету, своего рода живописный "роман нравов". Отдельные персонажи олицетворяют здесь, по существу, целые социальные группы и их взаимоотношения. Открывает серию картина заключения брака, фактически уподобленного торговой сделке разорившегося графского сына и дочери богатого торговца. Со скучающим видом отвернулись друг от друга молодые, в то время как их родственники оформляют брачный контракт. Картина "Вскоре после свадьбы" (ил.220) продолжает повествование; в ней каждая деталь свидетельствует о бессмысленности существования супружеской четы, о без­различии супругов друг к другу, о кутежах и развале дома, из которого управляющий выносит пачку неоплаченных счетов. Серию завершает тра­гическая развязка – гибель ее героев. С удивленным мастерством передает Хогарт последовательность хода событий, раскрывает характеры действующих лиц, их взаимоотношения, нравы, привычки. По его картинам можно писать целые рассказы. Каждая из картин – законченное самостоятельное произведение, все вместе они объединены одной идеей и дополняют друг друга. Художник заостряет внимание на узловых моментах повествования, усиливая досто­вер­ность изображаемого воссозданием конкретного места действия. Он прибегает к неожиданно резким сопоставлениям и тяготеет к анализу. Остро и насмешливо наблюденные детали позволяют угадывать события, предшествующие и последующие. Гармония мягких розоватых, серебристых, оливковых тонов способствует передаче внешнего благосостояния внутренне опустошенного мира, обреченность которого находит выражение в суматошном ритме линий, пронизывающем композиции.

18 в. – очень важная веха в истории России и развитии русской культуры. Реформы Петра I затронули в той или иной степени все стороны экономики, государственного устройства, военного дела, просвещения, общественной мыс­ли, науки и культуры. Эти преобразования приобщали Россию к достижениям сов­ременности, помогали преодолеть отсталость, поставить страну в один ряд с влиятельными странами Европы.

Россия перенимала, осваивала и перерабатывала опыт западноевропейских стран в разных областях человеческой деятельности, в том числе и в сфере искусства. Этот процесс шел несколькими путями: приобретение за границей готовых произведений искусства; привлечение иностранных специалистов для работы в России и для подготовки отечественных кадров; посылка русских людей за государственный счет в качестве так называемых пенсионеров для учения или совершенствования в своем деле.

Начиная с петровской эпохи, огромные изменения претерпевает живопись. Складывается искусство станковой картины с ее смысловыми и компози­ционными особенностями. На смену обратной перспективе приходит прямая и связанная с ней передача глубины пространства. Важнейшую черту составляет изображение фигуры в соответствии с принципами анатомической правиль­ности. Появляются новые средства передачи объема. В важнейшем качестве выступает светотень, потеснившая условно-символическую контурную линию. Сама техника масляной живописи с характерными для нее специфическими приемами и системой взаимоотношения цветов прочно, хотя и не сразу, входит в художественный обиход. Обостряется чувство фактуры. Художник обретает способность передавать конкретные свойства мягкого бархата, жестковатого горностаевого меха, тяжелой золотой парчи и тонкого кружева. В сюжетной картине можно проследить новые принципы взаимосвязи фигур. Изображение обнаженного тела составляет новую и труднейшую задачу. Сама структура живописи становится более разветвленной.

Основателем новой русской живописи 18 в. является Иван Никитин (ок.1680 г. – не ранее 1742 г.). Биография этого мастера типична для людей его поколения. Художественная деятельность Никитина началась в Москве. Портреты сестры Петра I – Наталии Алексеевны, цесаревны Анны Петровны и другие работы раннего периода говорят о том, что Никитин уже хорошо знаком с европейской системой композиции, вдумчиво и наблюдательно относится к модели. Вместе с тем в фигурах еще ощутима скованность, а в живописной манере проступают черты старых приемов. Работы, выполненные Никитиным, по возвращении из пенсионерской поездки в Италию, отличаются удивительной зрелостью. Художнику по-прежнему присущ серьезный и объективный взгляд на мир. Он вполне владеет современной системой живописи. Его манера далека от поверхностных ухищрений. Большинство полотен практически не отмечено стремлением к "грандиозности".

Другим крупным мастером этой эпохи был А.Матвеев (1701-1739). Посланный учиться в Голландию, он вернулся на родину уже после смерти Петра I и занял важно место в искусстве 30-х годов. Среди его произведений – "Венера и Амур" и "Аллегория живописи", свидетельствующие о трудном для русского искусства освоении незнакомого мифологического сюжета, довольно сложных композиционных схем и изображения обнаженного тела. Картинное начало, присущее этим маленьким полотнам, характерно и для "Автопортрета с женой" (1729) – наиболее популярной работы Матвеева.

Наиболее заметной фигурой в русской гравюре 18 в. является М.И.Махаев (1718-1770). В листах знаменитой серии видов Петербурга, исполненных в 1753 г., изображен город, который современники с любовью и гордостью считали своего рода чудом, возникшим всего за полстолетия. Значительный размер, величественность композиции, общее ощущение столичного размаха характерно для большинства гравюр. Махаев чрезвычайно изобретательно использует возможности перспективы – излюбленного художественного приема эпохи барокко.

Среди прославленных мастеров второй половины столетия ярко выделяется Федор Степанович Рокотов (1732-1808). Рокотов – мастер огромного дарования, художественная значимость его произведений выходит далеко за границы 18 столетия. Наряду с такими мастерами, как Баженов и Шубин, он составляет гордость национальной культуры.