По объему коллекция Национальной галереи несоизмерима с Лувром или Эрмитажем. Англичане предпочли при создании количеству качество. В собрании около 2000 образцов западноевропейской живописи XIII - начала ХХ века, другими словами - каталог шедевров изобразительного искусства от Джотто до Пикассо. Отличительная особенность Лондонской Национальной галереи в том, что все картины экспонируются в хронологическом порядке. Независимо от национальной принадлежности художника.
В Британии, как известно, самая старая конституционная монархия в мире (с 1215 года). Образование Национальной галереи к монархам имеет косвенное отношение. И, в отличие от большинства своих собратьев - крупных европейских музеев, королевской коллекции в основе своей не имеет. Хотя решение о покупке первого собрания, и положившего начало музею, - коллекции банкира Джона Джулиуса Ангерштайна (38 картин - 57 тысяч фунтов) было принято Парламентом под давлением короля Георга IV. Это событие произошло в 1824 году. Возможно, это было лучшее из того, что этот малосимпатичный монарх сделал для Англии.
Первоначально галерея располагалась в особняке Ангерстайна на улице Пэлл-Мэлл, в самом центре Лондона. Позднее галерея переехала на Трафалгар-сквер. Здесь в 1834-1838 годах было построено новое здание в любимом англичанами неоклассическом стиле по проекту архитектора Уильяма Уилкинса. Правда, некоторое время, до 1869 года, она делила помещение с Королевской Академией художеств.
Английская живопись
Конечно, находясь в Англии, в первую очередь хочется познакомиться с английским искусством. Музей предоставляет эту возможность в полной мере. Рейнолдс Джошуа (1723—1792) - крупнейший представитель английской школы портретной живописи. XVIII в. Благодаря своему таланту, способному в равной мере удовлетворить требованиям как аристократических, так и буржуазных кругов, Рейнолдс был популярен в самых разных слоях английского общества. Его блестящая портретная галерея насчитывает свыше двух тысяч произведений.
Портреты отличаются необыкновенным сходством с моделью, выразительностью и глубиной психологической характеристики, умелой расстановкой фигур, тщательным подбором аксессуаров, смелой, сочной манерой письма. За заслуги в создании Лондонского литературного клуба и Королевской академии художеств король Георг III пожаловал Рейнолдсу рыцарское звание, а в 1784 г. назначил своим придворным живописцем. Рейнолдс творил более 40 лет, имел множество поклонников и немало друзей, но всегда оставался одинок. Еще в молодости у него начались проблемы со слухом, а в 1789 г. он начал терять зрение. По свидетельству биографов, когда художник ослеп на один глаз, он положил кисть на мольберт и сказал с мужеством, которое ему никогда не изменяло: «Всему на свете есть конец, пришел и мой конец».
В раннем творчестве Гейнсборо (1727 – 1788) прослеживаются два основных мотива: пейзажи, навеянные голландской школой, а также парные портреты, исполненные на фоне пейзажа («ссылка скрыта«). Гейнсборо обладал исключительным даром передачи сходства и настроения модели, сочетая это качество со свежестью и живостью живописной манеры.
Хогарт (1697 - 1764) впервые создает социальную сатиру, опережая своего современника ссылка скрыта Филдинга и открывая путь в ссылка скрыта Уильяму Теккерею и Чарлзу Диккенсу в XIX веке, но в живописи Англии ни при Хогарте, ни позже уже ничего подобного не было. В 1744 году под кистью Хогарта рождаются шесть картин новой серии, самого ссылка скрыта его живописного театра - 'Модный брак', где ссылка скрыта высмеивает и осуждает высшие круги английского общества. В те времена беднеющая аристократия Англии стремилась сблизиться с богатыми буржуа, зачастую идя на 'модные браки' - 'деловые' союзы без любви.
Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (ссылка скрыта-ссылка скрыта) – британский живописец, мастер романтического пейзажа, предтеча французских импрессионистов. 1790-е годы определились два основных приоритета Тёрнера-художника. Работал он преимущественно в акварельной технике. Многие акварели были написаны им на заказ, о чем говорят записи, сделанные на обратной их стороне. Тёрнер хорошо знал, какие именно пейзажи пользуются наибольшим спросом, и в соответствии с этим планировал свои путешествия.
Итальянская живопись
Экспозиция содержит жемчужины итальянской школы живописи. Хотелось бы обратить внимание на коллекцию картин венецианца XV века Карло Кривелли. Сейчас этот прекрасный художник не так знаменит, как в 1861 году, когда он считался одним из самых значительных художников Итальянского Возрождения, и за его «Мадонну Рондино» была уплачена фантастическая по тем временам сумма в 2184 фунта. Для сравнения - единственная в галерее картина делла Франчески была куплена тогда же за 241 фунт.
Основные черты искусства Пьеро делла Франчески (ок.1415/20 – 1492) – величие образов, объёмность форм, прозрачность колорита, последовательно перспективное построение пространства, выступают уже в произведениях 1550-х гг. Как сообщает Вазари, Пьеро делла Франческа работал в Риме для папы Николая V (1447–1454); должно быть, именно во время этой поездки мастер познакомился с произведениями античной скульптуры, прекрасное знание которой он демонстрирует в картине «Крещение Христа». На картине Крещение, написанной, вероятно, ок. 1453, Христос изображен стоящим в синих водах реки, в которых отражаются люди на берегу, – явное подражание фламандским мастерам.
ВЕРОНЕЗЕ Паоло (1528-88), итальянский живописец эпохи Возрождения. Представитель ссылка скрыта. В 70 гг. 16 столетия Веронезе с активностью работал в области
светской живописи, нередко вдохновляясь эротическими мотивами. Речь идет о художественном жанре, пользовавшемся большим спросом у коллекционеров, в особенности после того, как со смертью Тициана картины подобного рода почти исчезли. К этой группе следует отнести серию из четырех композиций, так называемых «Аллегорий любви». В XVIII веке, когда картины находились в коллекции герцога Орлеанского, считалось, что они изображают Неверность, Разочарование, Уважение и Счастливый союз. Предполагается, что поводом для их создания послужило событие, связанное с чьим-то бракосочетанием.
В собрании галереи находятся шесть полотен Боттичелли, в том числе одна из самых знаменитых его картин «Венера и Марс». Портреты женщин редко встречаются у Сандро Боттичелли, но он воспел и прославил Симонетту Веспуччи - женщину, знаменитую своей красотой и любовью. Она была возлюбленной другого человека - Джулиано Медичи. Она - сама Красота, царица всемогущего искусства. Жизнь разрушает красоту, рок преследует любовь. Симонетта умирает от чахотки, а через два года, в тот же апрельский день, когда была погребена прекрасная Симонетта, оплакиваемая всей Флоренцией, в соборе Джулиано Медичи был заколот ножом наемного убийцы. Но флорентийцы не хотели верить, что прелестные и нежные Черты Симонетты будут навсегда утрачены. И Боттичелли донес до нас священную память о ней. Смерть ее стала глубоким личным горем для художника. Стремясь заглушить страдания, художник запечатлевал Симонетту Веспуччи в своих картинах. Боль, всколыхнувшая Боттичелли, явила миру шедевры: «Весна», « Рождение Венеры». И наконец «Венера и Марс» написанная в 1485-м году. Искусствоведы единодушны: «Вытянутая композиция, замершие позы, работа явно не удалась мастеру». Однако по поводу этой картины есть и другое мнение. Жаль, что мало кто понял тяжкую боль и пустоту сердца Сандро Боттичелли.
Вглядитесь в эту поистине страшную картину. Никогда раньше Боттичелли не писал Джулиано в такой позе. Спящий Марс? Как бы не так, он мёртв. Болезненный реализм позы умершего, говорит о том, что художник видел Павшего Джулиано. Ещё секунда и тоненькая струйка крови потечёт по его лицу, ведь первый удар пришёлся по голове. Но мастер не может запятнать идеал. Теперь вглядитесь в Симонетту. Она смотрит мимо, в никуда, и как безвольно лежат кисти её рук. Наверняка художник не видел умирающей Симонетты, но что в этой позе, нега или бессилие? Фигуры Венеры и Марса разнесены в противоположные стороны и заперты в гнетущее, тесное пространство. Они умерли 26-го апреля, Муза и Принц Юности, а Сандро Боттичелли навеки запечатлел свою любовь и боль - свою молодость.
«Манчестерская» Мадонна. 1497
В коллекции галереи имеются и работы Тициана (1487 – 1576), главы венецианской школы Высокого и Позднего Возрождения. Тициан был величайшим новатором, предложив новую технику масляной живописи. Стал одним из основателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра и различных типов портретов.
Собрание Лондонской Национальной галереи гордится полотнами трех величайших Титанов Возрождения: Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэля. «Мадонна в скалах» Леонардо да Винчи (1452 – 1519) (зрелый вариант более ранней работы, хранящейся в Лувре). Самое поразительное в картине - это просвет в скалах в левом верхнем углу. Там видится целая аллея гигантских зубчатых утёсов, а в напряжённых тональных контрастах заключён световой эпицентр полотна. Свет, распространяющийся из грота, - не просто физический свет, - он придаёт образу картины космический масштаб, одухотворяет, возвеличивает героев. Также в галерее хранится картон Леонардо «Святое семейство».
Большим подарком для музея стало «Положение во гроб» Микеланджело (1475 – 1564), поступившее от частного собирателя живописи, который случайно обнаружил эту реликвия у одного римского антиквара. Хотя картина была в очень плохом состоянии, все в ней указывало на авторство Микеланджело; в 20 в. догадки подтвердились. Вслед за этой в 1870 г. в галерею поступила еще одна картина мастера «Мадонна с младенцем и Святым Иоанном» (Манчестерская Мадонна), как считают ученые, самая ранняя из его живописных работ. Предметом особой гордости музея являются эти две станковые картины Микеланджело (в мире их всего 3!), третья находится в галерее Уффици.
Музей владеет такими работами Рафаэля (1483-1520), как «Святая Екатерина», наивная аллегория «Сон рыцаря».
Испанская живопись
В Лондонской галерее выставлены произведения крупнейших испанских художников: Эль Греко, Мурильо, Риберы, Сурбарана, Гойи. Эль Греко (1541 – 1614) исполнил, по крайней мере, пять картин с изображением св. Иеронима. На этой картине, относящейся к последним годам жизни художника, святой изображен в красном кардинальском облачении, он сидит за открытой книгой, атрибутом, указывающим на его интеллектуальную деятельность.
Величайший живописец Испании Диего Веласкес (1599 – 1660) представлен в музее девятью полотнами, и среди них - едва ли не самая знаменитая картина испанской школы «Венера перед зеркалом». Искусствоведы считают, что среди работ Веласкеса было немало изображений богини любви, но в XVII в. испанские моралисты считали картины подобного рода непристойными. Так что реликвия лондонского музея – это единственная сохранившаяся обнаженная Венера из наследия великого живописца. Кстати, в 1914 г. Национальная галерея чуть было не лишилась своего сокровища: некая суфражистка, чье имя в анналах истории не зафиксировано, в порыве ярости нанесла невинному полотну ножевой удар.
Гойя (1746 – 1828) в портретах современников позволил заглянуть в самые сокровенные глубины человеческой души, уловить всю сложность человеческого характера, настроений и эмоций. Искусство Гойи несет сильный отпечаток темпераментной, яркой натуры, его личных чувств и переживаний. Открыто восхищается художник яркой внешностью, темпераментом и полнотой ощущения жизни в портрете Исабели Кобос де Порсель. Свободная энергичная поза, смелый взгляд, большая внутренняя сила и уверенность невольно заставляют вспомнить испанок-героинь, сражавшихся во время герильи (народной войны).
Немецкая живопись
Альтдорфер Альбрехт (ок. 1480 -1538), немецкий живописец и график эпохи Возрождения, глава
Рафаэль. Св. Екатерина Александрийская. 1508
Эль Греко. Св. Иероним в кардинальском одеянии.
До 1600
Диего Веласкес.
Венера перед зеркалом.
1647-51
Франсиско де Гойя. Портрет Исабель де Порсель. 1805
Альбрехт Альтдорфер.
Пейзаж
Ханс Хольбейн Младший. Портрет французских послов Жана де Дентвиля и Жоржа де Сельва. 1533
Вермеер Дельфтский.
Молодая дама за спинетом. 1670
Возрождения, глава ссылка скрыта. Одним из первых в немецком искусстве Возрождения изображал реальный мир во всей его широте и поэтичности. Насыщенность бытовыми деталями, богатство пейзажных фонов, выразительность типов придают картинам Альтдорфера большую жизненность. Он писал и чистые пейзажи, являясь одним из самых ранних представителей пейзажной живописи в Европе.
В коллекции галереи встречаются работы Кранаха, Гольбейна, Дюрера, Каспара Давида Фридриха. В историю искусства Ханс Хольбейн Младший вошёл главным образом как автор портретов, знаменующих одну из вершин художественной культуры Возрождения.
Нидерландская школа
Нидерландская школа представлена самой значительной в Европе коллекцией. Обсобое снимание обращает на себя великий голландский художник XVI века Ян Вермеер Дельфтский («Молодая дама за спинетом»). В Лондонской галерее есть две его картины, и это немало: Вермеер, один из самых загадочных художников Нидерландов, оставил после себя так мало произведений, что по всему миру они наперечет, и даже в Голландии, на родине художника, находятся лишь шесть его полотен.
Посетители имеют возможность познакомится с работами Кампена, Мемлинга, Кристуса, ван дер Вейдена, Боутса, Давида, Босха - всех звезд нидерландского «золотого века» живописи.
Нидерландская коллекция включает четыре полотна Яна ван Эйка (ни один музей мира не располагает таким собранием), в том числе одну из самых значительных его картин – «Портрет четы Арнольфини».
В коллекции галереи мы встречаем замечательные работы Питера Пауля Рубенса (1577 – 1640). Картина Рубенса «Суд Париса» может считаться эталоном живописи барокко. Рубенс вернулся к этому ранее уже написанному им мифологическому сюжету во время своего второго брака.
Перед богинями сидит на камне Парис в пастушеской одежде. Рядом с ним - пытающийся помочь ему сделать выбор Гермес (или Меркурий) со своим, обвитым змеей, жезлом. Парис, в раздумье протягивающий яблоко, явно не знает, которая из богинь более его достойна. Кажется, что ничто не может возмутить покой этого уравновешенного, разумного мира. Вот только в небе над головами богинь можно различить силуэт богини раздора, желающей посеять смуту.
Великий Рембрандт (1606 – 1669) создал замечательные произведения почти во всех жанрах и пользовался разнообразной техникой письма. Ореол славы вокруг имени Рембрандта не померк и после его смерти, он получил истинное признание как один из выдающихся живописцев всех времён. На последних автопортретах Рембрандта, ставших вершиной его не имеющей аналогов портретной галереи, перед зрителем предстаёт человек, стоически переносящий тяжёлые испытания и горечь утрат (в 1668 г. он потерял свою возлюбленную Хендрикье Стоффелс, а в 1668 г. - сына Титуса). В творчестве Рембрандта имеется множество картин, написанных на религиозные сюжеты.
Французская живопись.
Представитель импрессионизма, Дега, увлечённый многообразием и подвижностью городской жизни, пишет современный ему Париж (улицы, театр, кафе, скачки) в непрерывно сменяющихся аспектах, воссоздавая атмосферу города, показывает характерность поведения и облика людей, порождённую спецификой их труда и быта. В 1860-е гг., копируя старых мастеров в Лувре, Э.Дега знакомится с ссылка скрыта. Импрессионисты считали Э.Мане своим идейным вождем и предшественником.
Клод Моне (1840 – 1926) считал, что для того, чтобы так передать световоздушную среду, надо было не только выйти на природу, но и по-новому увидеть предметы, отказавшись от тех правил, которым учили при работе в мастерских, и полностью довериться своему зрению. «Забыв» такие основополагающие принципы
Ян ван Эйк.
Портрет четы Арнольфини. 1434
П.П Рубенс.
Суд Париса. 1632-35
Рембрандт.
Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669
Э. Дега.
Балерины. 1890-1900 гг.
К Моне.
Купание в «Лягушатнике». 1869
О. Ренуар.
Зонтики. ок. 1881-86
В. Ван Гог.
Подсолнухи.1888
академической живописи, как рисунок и постепенный переход от света к тени, К.Моне составляет и фигуры, и пейзаж из обобщенных световых пятен, оттенки и цвет которых зависят только от освещения, нет четких контуров предметов: они как бы смазаны легким движением воздуха. Закончив «Завтрак на траве», К. Моне продолжает совершенствовать открытый им метод в многочисленных этюдах, которые пишет в «Лягушатнике» - любимом месте отдыха парижан. Любовь Ренуара (1841 – 1919) к театру была особенной. Ренуара больше волновали и захватывали те, кто дышал театром, его атмосферой. В картине «Первый выезд» Ренуар не только сумел передать впечатление от первого посещения театра очаровательной девушкой. «Зонтики». Детальное изучение фасонов показывает, что платья на женщинах, изображенных в правой части картины, соответствуют моде 1881 года, а платье на женщине слева - моде 1886 года. Эта картина была последним большим полотном, на котором Ренуар изобразил сцену из современной ему жизни. 1. Молодая женщина слева - это «мидинетка», девушка, которая очень рано приступает к работе и освобождается уже к полудню (midi). На ее лице читаются следы усталости. 2. В центре картины курносая девушка смотрит, не кончается ли дождь. Несмотря на то что мы видим лишь часть ее лица, Ренуар сумел живо передать его вопросительное выражение. 3. Модно одетая молодая мать с опущенными глазами повернулась, чтобы поторопить своих заигравшихся детей скрыться от дождя. 4. Маленькая девочка с обручем - яркий пример мастерства, которого достиг Ренуар при передаче на холсте того невинного очарования, присущего детям.
Каким-то странным и загадочным образом имя Ван Гога (нидерландского и французского постимпрессиониста) всегда было связано с цветами. Он сам писал в письме к брату Тео: «Подсолнух - это мое, в известном смысле». Этот цветок имел для него особое значение: желтый цвет олицетворяет дружбу и надежду, в то время
как цветок сам по себе представляется «идеей, символизирующей признательность и благодарность». В галерее мы встречаем и работы Поля Сезанна (1839-1906) - французского живописца, одного из крупнейших представителей постимпрессионизма
