«Виртуальный филиал Русского музея»
| Вид материала | Лекция |
- Процесс разработки мультимедийных приложений на примере проекта «Саратовская икона, 54.97kb.
- Опыт работы иоц «Русский музей: виртуальный филиал» емии с учащейся и работающей молодежью, 37.85kb.
- Проект «Русский музей: виртуальный филиал», 64.36kb.
- Диана Фимовна Шейнберг Музыка. Театр учебно-методическое пособие, 2486.13kb.
- Это долгосрочная программа по созданию в городах России и за рубежом интегрированной, 85.16kb.
- Работа информационно-образовательного центра «Русский музей: виртуальный филиал», 46.79kb.
- О. М. Киссель Музейный посетитель и современные образовательные технологии. Опыт Государственного, 92.12kb.
- Отчёт о деятельности виртуального филиала 2009, 146.55kb.
- Тур «Петровский Парадиз» понедельник-воскресенье 7дней/6 ночей, 26.91kb.
- Сайт музей русского слова, 13.85kb.
Лекция 4. Прогулки по Лувру
Откуда взялось название Лувр – Louvre – не совсем понятно. Самая известная версия сводится к тому, что название родственно слову «Loup» - «Волк». Как будто бы здесь держали и разводили специальных собак для охоты на волков – «луврье». Другие исследователи привлекают для сравнения древнесаксонское слово «Lower» - «Крепость». Кроме того, в текстах XII века упоминается деревня Лувр - Louvres, находившаяся к северу от парижского пригорода Сен-Дени, так что название это не было редким или необычным.
Начавшись с крепости короля Филиппа-Августа (1190), Лувр постепенно разрастался вдоль правого берега Сены. Построенный для обороны Парижа, именно этот замок-крепость и стал основой будущего королевского дворца. Фундамент замка XII века полностью раскрыли во дворе нынешнего Лувра уже в ХХ веке при археологических раскопках.
В середине XIV века король Карл V приказал окружить Париж новой крепостной стеной, и Лувр полностью потерял свое значение в системе обороны города. Туда переехал сам венценосец и перевез свою знаменитую библиотеку. Появилась специальная библиотечная башня. В ней хранилась тысяча рукописных книг, собранных королем, которого современники прозвали Мудрым. Это собрание впоследствии стало основой Национальной библиотеки Франции. Но запустение снова поселилось здесь - после смерти Карла V, и полвека замок стоял заброшенным. Короли и двор предпочитали парижские дворцы Сен-Поль и Турнель или же уютные замки в долине Луары.
В 1527 году король Франциск I объявил, что иной столицы для прекрасной Франции не видит и возвращается жить в Париж. В Лувре начались работы. Однако лишь через двадцать лет Франциск I отдал приказ приступить к строительству нового дворца на месте срытой крепости. Но наиболее основательно Лувр изменился при Франциске I в 1546 году, который снес значительную его часть и построил заново. С тех пор замок Лувр превратился в королевскую резиденцию. Архитектор Пьер Леско и скульптор Жан Гужон придали Лувру тот облик, который, несмотря на многочисленные последовавшие переделки, сохранился до настоящего времени. В дальнейшем Лувр неоднократно перестраивался и достраивался, менял свой облик. Шли годы, менялись короли.
В 1682 году, когда королевский двор переехал в Версаль, все работы были заброшены, Лувр пришел в состояние упадка. В 1750 году даже шла речь о его сносе. Людовик 14. В музей Лувр превратила Великая Французская революция. Якобинцы устроили здесь «Центральный музеум искусств». В годы революции и наполеоновских войн коллекция Лувра быстро разрослась за счет реквизиций у аристократов и конфискаций в ходе военных кампаний за границей.
После Революции работы по строительству Лувра были возобновлены Наполеоном. Ядром собрания картин, известного сегодня на весь мир, стала коллекция Франциска I, пополненная Людовиком XIII и Людовиком XIV. 10 августа 1793 года Лувр был открыт для посещений и стал музеем. Наполеон вернул Лувру былую значимость, отреставрировав обветшавшие стены, расширив внутренний двор и построив новый парадный въезд. Таким образом, Лувр соединил в себе стили нескольких эпох. Кстати, в подземной части современного музея посетители могут видеть сохранившиеся части древнего замка, построенного еще в 1200 году.
Лувр имеет семь «департаментов» и три «крыла», а также четыре уровня (не считая подземного, где расположены гардероб, кассы и информация). Первый и второй уровни называются соответственно «ре-де-шоссе» и «антресоль», а третий и четвертый - первым и вторым этажами. На деле же все оказывается просто. «Департаменты» здесь означают разделы экспозиции. Таких департаментов Лувр насчитывает семь: живопись, графика, скульптура, прикладное искусство, а также древности - восточные, греко-римские и древнеегипетские. Эти департаменты располагаются по трем крыльям здания (имеющим собственные имена - Ришелье, Денон и Сюлли). Каждый департамент имеет свои подразделения. Изобразительные искусства делятся в соответствии с той или иной художественной школой, древности - по эпохам.
В настоящее время Лувр занимает сорок гектаров земли в самом центре Парижа на правом берегу Сены и вмещает выставочные залы, площадью приблизительно 60000 м2, предназначенные для хранения предметов, отражающих 11 тысяч лет развития цивилизации и культуры. В собрании Лувра есть экспонаты, датирующиеся периодом зарождения древнейших цивилизаций.
Обычно посетители, попавшие в Лувр, в первую очередь стремятся увидеть самые известные сокровища этого музея – «Джоконду» Леонардо да Винчи или знаменитую статую Венеры Милосской. Но коллекция Лувра бесконечно многообразна, и, помимо этих шедевров, содержит немало и других, не менее интересных произведений искусства. Многие картины, хранящиеся в музее, посвящены теме детства, и изображают детей разного возраста, разных характеров, разных социальных слоев.
  | Одной из любимых тем художников эпохи Возрождения была тема «Мадонна с младенцем». В коллекции Лувра мы встречаем множество картин, изображающих младенца Христа. Часто итальянские художники изображали Деву Марию, держащую на коленях младенца. Скульптор Донателло (Донато ди Никколо ди Нетто Барди) (ок. 1386-1466) воплотил этот сюжет («Мадонна с младенцем» (ок. 1440) в оригинальной трактовке. Как того требует традиция, Мария одета в голубое, небесного цвета платье. Но она не улыбается и держит Иисуса чуть дальше, чем обычно. В ее взгляде читается озабоченность, как будто она догадывается о трагической судьбе своего сына. Профили Девы Марии и младенца выделяются на фоне драпировки, создающей иллюзию глубины. В 15 веке знатные люди часто просили художников поместить свои изображения рядом с Девой Марией и другими святыми. Тем самым они хотели подчеркнуть свою религиозность. На картине Яна ван Эйка (ок. 1390-1441) «Мадонна канцлера Ролена» (1435) мужчина, преклонивший колени перед Марией и Иисусом, - канцлер Бургундии Никола Ролен, один из величайших политических деятелей 15 века. Ван Эйк одним из первых начал применять новую технику масляной живописи. Раньше художники смешивали краски с яйцом. Масляная живопись делает изображение на полотне более ровным и ярким, сохраняя свежесть красок на многие века. |
| Красное платье Мадонны и наряд канцлера Ролена удивляют сочностью цвета и тонкостью линий. В глубине картины виден город, где различима буквально каждая деталь. Картина Рафаэля (1483-1520) «Мадонна с младенцем и маленьким св. Иоанном Крестителем» (1507 или 1508) имеет второе название – «Прекрасная садовница». Вероятно, она получила его из-за цветущего луга, на котором сидит Дева Мария. Она смотрит на сына нежным и в то же время строгим взглядом. Он пытается дотянуться до книги, лежащей на ее коленях. Конечно, по Библия, в которой описана его собственная жизнь! Стоящий на коленях святой Иоанн Креститель направил свой взгляд на Иисуса. Таким образом, все три персонажа связаны между собой жестами и взглядами. Рафаэль написал много картин, на которых изображена Мадонна с младенцем, но эта одна из самых известных. Он создал ее в тот период, когда жил во Флоренции одновременно с Леонардо да Винчи. Рафаэль восхищался творчеством Леонардо и разместил персонажей своей картины так же, как это сделал бы он. В Лувре находится картина Леонардо да Винчи (1452-1519) «Мадонна с младенцем и святой Анной» (1508-1510). При создании своих картин художник всегда был очень терпелив. Он использовал сильно размытые тона, почти прозрачные. Таким образом, ему приходилось накладывать множество слоев, чтобы закончить картину. Эта техника позволяла ему плавно переходить от темной зоны к более светлой. Яркий тому пример изображение руки младенца на картине. Такая манера письма придает лицам и телам немного размытые очертания, этот эффект сам Леонардо называл «sfumato» (от итальянского sfumato - «исчезающий в дымке»). Эта же техника используется и при создании фона, где отдаленность гор подчеркивается лишь мягкой градацией цвета. Леонардо да Винчи так и не закончил картину, он хранил ее у себя до самой смерти. Но в работах художников эпохи |    |
    | Возрождения встречается не только младенец Иисус, но и обычные земные дети, как например, на каритне Доменико Гирландайо (1449-1494) «Старик и мальчик» (ок. 1490). Изображенный на картине старик с бугристым носом с любовью смотрит на мальчика, который, без сомнения, приходится ему внуком и пришел навестить своего дедушку. Несмотря на большую разницу в возрасте, становится ясно, что они очень близки. В их взглядах, обращенных друг к другу, светится столько любви и нежности! Конечно, что сам старик заказал картину флорентийскому художнику Гирландайо. Возможно, он коммерсант или банкир. В 15 веке их было очень много во Флоренции, одном из самых процветающих городов Европы. Многие художники приезжали туда, потому что богатые жители Флоренции часто заказывали картины для украшения своих домов. Гирландайо был одним из самых популярных живописцев, потому что умел лучше других передавать портретное сходство, а также мельчайшие детали одежды и предметов. Художники 17 века часто изображали карликов, попрошаек и калек, потому что это было время бесконечных войн, чумы, голода и бедности. Эта тема волновала и испанских художников. Своими картинами они хотели показать ту нищету, которую презирало испанское дворянство. На картине Хусепе де Риберы (1591-1652) «Хромоножка» (1642) на бумажке в руках у мальчика можно прочитать: «Подайте, Христа ради!». Несмотря на бедность и хромоту, мальчик выглядит счастливым. Гордо держит он свою трость, как будто это ружье. Может показаться, что его ничем нельзя испугать. Изображая маленького бедняка улыбающимся, Рибера как бы подает нам знак надежды и призывает помогать нуждающимся. Другой испанский художник Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682) изобразил маленького попрошайку, которого он увидел, |
| прогуливаясь по улицам своего родного города Севильи «Маленький нищий» (1650). На земле рядом с мальчиком лежат выпавшие из корзины яблоки. Объедки креветок и немного воды вот и вся его еда. Основные цвета картины коричневый и серый, но сцена слегка подсвечена солнечным светом, который проникает в окно и как будто пытается согреть беднягу. Ярким контрастом к этим работам является картина голландского художника Фердинанда Бола (1616-1680) «Голландские дети в карете, запряженной козами» (1654). Трое детей гуляют в лесу. Их позолоченная карета украшена фигурой маленького пухлого ангелочка и странного существа, похожего на рыбу. Она запряжена не лошадьми, которые слишком велики для детей, а двумя козами. Раздетые ребятишки бегут за каретой, они ноют песенки и наигрывают музыку. Один из них, тот, который слева, ведет коз. У него в руках веревка и маленький кнут, чтобы погонять коз. Кто же эти трое детей, прогуливающиеся в такой красивой карете? Их великолепные одежды говорят о том, что они, конечно, из состоятельной семьи. Мальчик в красном платье и шляпе с перьями смотрит на нас очень |   |
серьезно. Хотя он невысокого роста, выглядит он почти как взрослый.
Работа Франсуа Буше (1703-1770) «Завтрак» (1739) демонстрируют вкусы буржуазной публики 18 века, эпохи Проесвещения. Дневной свет через окно проникает в зал, где собралась дружная семья, чтобы выпить кофе. В 18-м веке кофе был еще очень редким и дорогим напитком. Также в то время были очень модными восточные изделия, такие как статуэтка на этажерке или фарфор из Китая, выставленный на комоде. Мебель с изогнутыми ножками и закругленными позолоченными элементами также очень типична для 18-го века. Можно предположить, что для картины позировала семья художника. Его жена, сидящая справа, наклонилась к сыну, а женщина, которая кормит маленькую девочку, скорее всего, приходится художнику сестрой.
Родившаяся во второй половине 18 века Элизабет Луиза Виже-Лебрен (1755-1842) была любимой художницей и подругой королевы Франции Марии-Антуанетты. Она написала множество портретов королевы, чаще всего изображая ее в окружении детей. В то время немногие женщины занимались живописью, еще реже они становились знаменитыми. На картине Автопортрет с дочерью (1786) художница изображена нежно обнимающей свою маленькую дочь. Мягкое и мечтательное выражение ее лица призвано передать любовь, которую мать испытывает к своему ребенку. Эта картина была написана незадолго до Французской революции 1789 года. После революции все приближенные к королевскому двору лица подвергались преследованиям. Виже-Лебрен, подруге королевской семьи, пришлось бежать из Франции. Она путешествовала но Италии, России, Австрии, где продолжала писать портреты членов королевских семейств Европы.
Английский художник сэр Томас Лоренс (1769-1830) был признанным мастером портрета. Его кисти принадлежат портреты самых известных людей Англии и их детей: в конце 18 века тема детства волновала воображение многих художников. На этом коллективном портрете «Дети Эйскоу Бушрет» (1800) дети изображены в застывших позах, но зато ярко показаны их чувства, а лица полны жизни. Художник искренне пытается отразить характер каждого. Мальчик в красном бархатном костюме выглядит самым серьезным из всех четверых. Две сестры, одетые в красивые белые платья, обмениваются многозначительными взглядами, и создается впечатление, что они играют в пантомиму. Еще одна девочка выглядит немного уставшей от долгого позирования. Она прислонилась к колонне, которая служит декорацией для картины и одновременно подчеркивает маленький рост детей. Сэра Томаса Лоренса считают величайшим английским портретистом первой половины девятнадцатого века. Его карьера развивалась исключительно успешно. Им открыто восхищались такие французские художники, как Делакруа и Жерико, которые даже посетили его мастерскую в Лондоне.