Книга из серии • 100 великих* рассказывает о самых знаменитых в мире режиссерах театра и кино
| Вид материала | Книга |
СодержаниеЭлиа казан Акира куросава Жан виаар |
- Рудольф Константинович Баландин 100 великих богов 100 великих c777 all ebooks com «100, 4831.44kb.
- Описание: Эта книга, продолжает серию "100 великих", рассказывает от истории самых, 8742.5kb.
- Книга рассказывает о самых знаменитых из богов, которым поклонялись в прошлом, а отчасти, 447.08kb.
- Книга «100 великих психологов» вполне могла бы называться иначе. Например, «200 великих, 5140.63kb.
- Книга «100 великих психологов» вполне могла бы называться иначе. Например, «200 великих, 5101.42kb.
- Сказы новогоднего леса впервые! В ряде спектаклей участвует, 22.95kb.
- Надежда Ионина, 6449.99kb.
- Язык: русский количество томов:, 9829.96kb.
- Фестиваль самодеятельного студенческого творчества «студенческая весна», 429.17kb.
- Которая касается самых известных научных открытий, произошедших за последние 100 лет, 24.63kb.
ЭЛИА КАЗАН
(1909-2003)
Американский режиссер театра и кино, писатель. Фильмы: «Джентльменское соглашение» (1947), «Трамвай «Желание» (1951), «В порту» (1954), «Америка, Америка» (1963). Спектакли: «Смерть коммивояжера», «Трамвай «Желание», «Кошка на раскаленной крыше» и др.
Элиа КазанжогЛу (Казан) родился 7 сентября 1909 года в Константинополе (ныне Стамбул) в бедной греческой семье. Когда ему было четыре года, его родители эмигрировали в США и поселились в Нью-Йорке.
Элиа провел безрадостное детство и юность, болезненно перенес лишения студенческих лет. Он закончил Уильямс-колледж, постигал искусство драмы в Йельском университете, играл в театре.
В течение двух лет Элиа состоял в компартии и вышел из нее весной 1936 года. Режиссер говорил, что сделал это в знак протеста против недемократических попыток партийного руководства установить контроль над театральной компанией.
В 1934 году Казан пробует себя в режиссуре. Познакомившись с системой Станиславского, он с тех пор придерживался ее принципов. Всю свою режиссерскую деятельность он связывал с серьезной реалистической драматургией. Будучи признанной и популярной на Бродвее фигуРой, он ставит пьесы О'Нила, Т. Уильямса, А. Миллера, Т. Уайлдера.
В 1947 году вместе с Ли Страсбергом Казан организует знаменитую Актерскую студию, обучение в которой велось на основе принципов системы Станиславского. Среди воспитанников студии — Марлон Брандо, Род Стайгер, Джеймс Дин, Натали Вуд, Мэрилин Монро й? многие другие звезды театра и кино.
На Бродвее Казан поставил три пьесы Артура Миллера. Первая из них — «Человек, которому так везло» (1945) провалилась, ее показали всего четыре раза. Вторая — «Все мои сыновья» (1946) — прошла с успехом. А появление на Бродвее «Смерти коммивояжера» (1949) делает Казана ведущим американским режиссером. Он сумел сделать спектакль не только правдивым, но и театрально выразительным, поэтичным. Критик Дж. М. Браун писал, что все актеры «играли с таким искусством и убежденностью, что разграничительная линия между жизнью и игрой казалась несуществующей».
Элиа Казан получил признание как лучший истолкователь ранних произведений Теннеси Уильямса на американской сцене. Особенным успехом пользовались спектакли «Трамвай «Желание» (1947), «Кошка на раскаленной крыше» (1955), «Сладкоголосая птица юности» (1958).
Успех бродвейской постановки пьесы «Трамвай «Желание» привлек внимание голливудских боссов. Права на экранизацию купила «Уор-нер бразерс». Снимать фильм поручили Элиа Казану (интерес к кино возник у него еще в 1930-х годах). Все актеры, занятые в спектакле, получили приглашение в Голливуд. И только героиню — странную женщину по имени Бланш Дюбуа сыграла Вивьен Ли.
«Трамвай «Желание» (1951) был выдвинут на соискание премии американской киноакадемии по двенадцати номинациям. «Оскары» получили: Вивьен Ли как лучшая актриса года, Карл Молдэн и Ким Хантер как лучшие актеры второго плана.
Пьеса Уильямса оказалась судьбоносной для Марлона Брандо, в исполнении которого Ковальский выглядит простым и обаятельным. Критики назвали его игру блистательной. Брандо отмечал, что Казан один из тех немногих режиссеров, которые позволяют актеру импровизировать на съемочной площадке.
В 1952 году в судьбе Казана настал драматический период: 14 января его вызвали в Комиссию по расследованию антиамериканской деятельности. Поначалу Элиа держался мужественно. Но 10 апреля, когда ему пригрозили, что он не снимет больше ни одного фильма, режиссер публично отказался от коммунистических убеждений и назвал имена своих коллег, которые придерживались левых взглядов.
После этого многие из тех, кого он считал друзьями, перестали подавать ему руку. Артур Миллер потребовал, чтобы Казана отстранили от работы над его пьесой «Суровое испытание».
По иронии судьбы в роковом для себя году Элиа Казан снял картину «Вива, Сапата!» по сценарию Дж. Стейнбека о мексиканском революционере, который до последнего вздоха сохраняет верность своим идеалам.
Одним из лучших в творческой биографии Казана стал фильм «В порту» (1954), рассказывающий о коррупции в профсоюзах. В этой драме Марлон Брандо сыграл Терри Малоя, бывшего боксера, попавшего под влияние мафии. Наивный парень, наставляемый на путь истинный любимой девушкой и священником, постепенно начинает прозревать. Убийство родного брата — адвоката мафии, наполняет его душу жаждой мщения. Нарушая кодекс молчания, он дает показания в комиссии по расследованию преступлений. Казан и сценарист Бадд Шульберг, который также был информатором, словно пытались оправдаться за свое предательство.
Фильм снят без режиссерских изысков — так, чтобы он казался хроникой реальных событий. Американские киноакадемики признали «В порту» лучшим фильмом года.
Экранизация романа Стейнбека «К востоку от Рая» (1955) завершает наиболее плодотворные для Казана годы в кинематографе. Писатель перенес библейскую историю Авеля и Каина в современную Америку. Кинодрама о распаде семьи (зрители были потрясены эмоциональным кипением Джеймса Дина в роли подростка) имела шумный успех.
Эйб Полонски заметил, что после дачи показаний Элиа страдал от «неспокойной совести». Именно в этом свете можно рассматривать «Лицо в толпе» (1957) по сценарию Шульберга. Казан создал фильм по-настоящему мужественный и социально значительный. Поражает яростная бескомпромиссность картины, с ее сатирическим разоблачением системы духовного оболванивания американского обывателя с помощью средств массовой информации.
Когда в 1964 году был организован «Репертуарный театр» Линколь-новского центра искусств, Казана назначили его художественным руководителем.
Театр торжественно открылся в январе 1964 года пьесой Артура Миллера «После грехопадения», поставленной по просьбе автора Казаном. Одной из центральных в пьесе стала проблема всеобщей вины. В персонаже по имени Мики нетрудно было угадать самого Казана, а в истории разрыва Мики с Квентином — историю былого разрыва режиссера с Миллером.
Однако хозяев театра интересовала только прибыль, их не устраивала серьезная репертуарная линия, проводимая Казаном. В результате острого конфликта режиссер ушел из «Репертуарного театра».
Он возвращается к писательству и создает трилогию о судьбах греко-армянской диаспоры: «Америка, Америка» (1963), «Сделка»
(1969) — рассказ о душевном срыве «удачливого» иммигранта, и «Анатолиец» (1982). Казан экранизировал первые две части трилогии, создав обширную, волнующую ретроспективную эпопею.
В ленте «Америка, Америка» режиссер рассказывает историю эмиграции его дяди Ставроса из Турции в США в начале XX века. Большая часть фильма снималась в Малой Азии, с участием неизвестных актеров. Казан подчеркивал: «...капитализм — это джунгли, верно. А в джунглях либо погибаешь ты, либо погибаю я. Так. Вот что, по сути, ощутил здесь Ставрос. Вот какой урок дала ему жизнь».
В 1972 году на экран вышла картина Казана «Посетители» о моральном растлении американской молодежи, участвовавшей в войне во Вьетнаме. Сценарий был написан сыном режиссера.
После экранизации незавершенного романа Ф.С. Фицджеральда «Последний магнат» с Робертом Де Ниро в главной роли (1976) Элиа Казан больше не ставил фильмов и посвятил себя литературной деятельности. Его автобиография «Жизнь» была опубликована в 1988 году. После смерти первой жены актрисы Молли Дей Тэтчер, с которой он прожил более тридцати лет (1932—1963) и воспитал четверых детей, Элиа был женат еще дважды — на актрисе Барбаре Лоден, а после того как и она умерла — на Франсис Рудже. Из детей Казана наибольшую известность получил сын Николас — талантливый сценарист и режиссер.
В 1999 году Мартин Скорсезе и Роберт Де Ниро вручили Казану почетного «Оскара» — за творческую карьеру. В общей сложности фильмы выдающегося мастера получили в различных номинациях двадцать «Оскаров». Однако предательство навсегда запятнало репутацию режиссера. На оскаровской церемонии его приветствовала только половина зала...
Классик американского кино Элиа Казан умер 28 сентября 2003 года в возрасте 94 лет.
АКИРА КУРОСАВА
(1910—1998)
Японский режиссер, сценарист. Фильмы: «Расёмон» (1950), «Семь самураев» (1954), «Трон в крови, или Паучий замок» (1957), ««Телохранитель» (1961), «Красная борода» (1965), «Дерсу Узала» (1975), «Кагё-
муся» (1980), «Ран» (1985) и др.
Акира Куросава родился 23 марта 1910 года в пригороде Токио Та-тикаве в семье кадрового офицера, потомственного самурая. «Мы были токийцами в третьем поколении, то есть коренными токиозами, — писал режиссер. — Моя мать отличалась мягким характером, отец — довольно суровым». Хейго Куросава, брат Акиры, был комментатором немых фильмов (представиители этой профессии в Японии пользовались
огромной популярностью). Брат часто водил мальчика в кинотеатры. Через несколько лет жизнь Хейго оборвется трагически — он уйдет в горы и покончит с собой...
В семнадцать лет Куросава поступил в школу живописи и некоторое время работал художником. В 1936 году, с честью выдержав большой конкурс на место помощника режиссера, Акира был принят в компанию «PCL», преобразованную вскоре в студию «Тохо».
«Меня прикрепили к группе Кадзи-ро Ямамото, — вспоминал Куросава. — Он был настоящим учителем. Благодаря ему я нашел свое призвание, и кино стало делом всей моей жизни. Он учил меня работе на всех этапах — писать сценарии, монтировать и так далее — всей азбуке режиссуры».
В 1943 году Куросава снял свой первый фильм «Легенда о дзюдо» («Сугата Сансиро») по роману Цунео Томита. В нем рассказывалось о вражде двух школ японской борьбы, джиу-джитсу и дзюдо, в XIX веке. «Легенда» была поставлена с большим мастерством: достоверность описания школы дзюдо сочеталась с лиризмом и поэтичностью рассказа о духовной эволюции героя. Фильму присущи лаконизм и выразительность, которые были так редки тогда в японском кино.
21 мая 1945 года Акира Куросава женился на актрисе Його Якути, а 20 декабря в молодой семье родился первенец — Хисао.
После войны на студии «Тохо» большое влияние приобрел профсоюз, руководимый коммунистами. Куросава, как и многие интеллектуалы тридцатых годов, участвовал в коммунистическом движении. Вместе с другими режиссерами «Тохо» он выпустил фильм о профсоюзах «Творящие завтрашний день» (1946), после чего пришел к выводу, что коллективное творчество ему противопоказано.
За мелодраматическую историю о двух влюбленных «Веселое воскресенье» (1947) Куросава был удостоен звания лучшего режиссера года, но сам режиссер считал свою работу далекой от идеала.
Переломным в жизни и творчестве Куросавы можно считать 1948 год. В феврале умер его отец, что явилось страшным потрясением Для Акиры. И в том же году он встретился с малоизвестным актером Тосиро Мифунэ, который поражал необузданным темпераментом.
Первая их совместная работа — «Пьяный ангел» (1948) стала, по Признанию Куросавы, первой по-настоящему его независимой картиной. «Отчасти это произошло благодаря Тосиро Мифунэ. Я обнаружил,
что не в состоянии контролировать его, и решил дать ему свободу пусть играет, как ему хочется. В то же время я беспокоился, ибо понимал, что если его не контролировать, то картина может получиться совсем не такой, какой она была задумана мною... И все же мне не хотелось сковывать темперамент Мифунэ».
Надо отметить, что «животное» обаяние Мифунэ удивительно гармонично уравновешивал его партнер — талантливый и глубокий японский актер Такаси Симура.
Творчество Куросавы расцветало, приобретало неповторимое своеобразие. Следуя традиции, он ставит картины в историческом и современном жанрах, но независимо от выбранной эпохи зрителя поражает в его фильмах сила чувства, необычность композиции, яркость человеческих характеров.
Свой эпохальный фильм «Расёмон» (1950) он поставил в жанре исторической драмы. Для экранизации Куросава выбрал две психологические новеллы японского писателя Рюноскэ Акутагавы. События происходят в десятом веке, в годы послевоенного безвременья. История о том, как разбойник убил самурая и овладел его женой, рассказывается на экране четыре раза: самим разбойником, женой самурая, случайным прохожим и духом убитого самурая. Эти рассказы опровергают друг друга, свидетельствуя о сложности жизни, о невозможности постижения истины.
«Расёмон» получил главный приз — «Золотого Льва св. Марка»; киноведы всех стран бросились открывать японский кинематограф. В 1952 году «Расёмон» был удостоен премии «Оскар» как лучший иностранный фильм года, а тридцать лет спустя получил еще одну престижную награду — «Льва Львов» Венецианского кинофестиваля.
Между тем в самой Японии критики-традиционалисты называли Куросаву западником, космополитом. Припомнили его увлечение русской литературой (Достоевский, Толстой, Чехов, Горький), французской живописью (Ван Гог, Тулуз-Лотрек, Руо), немецкой музыкой (Бах, Шуберт), американским кино (Джон Форд). Но Куросава стал фигурой мирового масштаба и мог не обращать внимания на подобные выпады. Его уважительно называют Мастером, Учителем и даже Императором.
Свою оглушительную славу Куросава поспешил использовать для экранизации романа «Идиот» (1951). Он не раз говорил о своей любви к образу князя Мышкина, к теме прощения и сострадания. Действие романа было перенесено в современную Японию на самый северный остров Хоккайдо. Ярчайшая роль снова за Тосиро Мифунэ, правда, его Рогожин носит в картине японское имя — Акама.
«Мои взгляды и психология похожи на взгляды и психологию героя «Идиота». Может быть, поэтому я так люблю Достоевского, — говорил Куросава. — Никто так, как он, не пишет о жизни человека. Я ценю свой фильм настолько, насколько мне удалось передать дух Достоевского. Японцы растут на русской классике, и я начал с нее свое образование. Я врос в нее настолько, что это отразилось в моем творчестве».
4 ноября 1952 года умерла мать Куросавы, Шима. В этом же году он снимает один из своих самых печальных фильмов — «Жить», в котором размышляет о смысле жизни. Картина сделана подчеркнуто скромно, сдержанно, прозаично. В ней нет ни одного кадра, который выглядел бы случайным или объяснялся причудой режиссера.
Фильм «Жить» был отмечен премией «Серебряный медведь» на Берлинском кинофестивале 1954 года. И еще одно важное событие произошло в этом году в жизни режиссера — 29 апреля у него родилась дочь Казуко.
Куросава продолжает создавать впечатляющие кинематографические образы. Едва ли не лучшим в его творчестве считается фильм «Семь самураев» (1954). Эта историческая эпопея рассказывает о семерых самураях, которых наняли деревенские жители для защиты от разбойников.
Картина «Семь самураев» получила «Золотого Льва» венецианского кинофестиваля и с большим успехом демонстрировалась в Японии.
Куросава вновь обращается к шедевру мировой классики. На этот раз это «Макбет» Шекспира. В картине, получившей название «Трон в крови, или Паучий замок» (1957), режиссер перенес действие в средневековую Японию, сократил количество персонажей, изменил очередность сцен, обстоятельства гибели героев. При съемках он использовал преимущественно общий план, а актеров попросил изображать традиционные маски театра «Но».
Шекспироведы всего мира отметили феноменальное соответствие ленты японского режиссера духу пьесы великого драматурга...
Работая с небольшой группой постоянных актеров, Куросава добивался от них поистине удивительного искусства перевоплощения, разнообразия приемов, богатства психологических оттенков. В его фильмах постоянно снимались Тосиро Мифуне, Такаси Симура, Мазайоши Мори и другие мастера, в совершенстве владевшие и условной, традиционной для Японии манерой исполнения, и глубоким психологическим реализмом.
В одном из интервью Куросава раскрыл свои принципы работы с актерами: «Я просто стараюсь довести до каждого из них свой замысел, объяснить, какой я вижу сцену. Но я никогда не ставлю им каких-то ограничительных рамок, не заставляю следовать заранее предписанной Форме. Мне всегда максимально важно, чтобы актер мог выразить свою индивидуальность, свойства, присущие ему как личности, чтобы он мог говорить, двигаться, жить в кадре естественно и свободно».
В апреле 1959 года Куросава основал собственную кинокомпанию «Куросава про». Первой картиной, снятой на личные деньги, стала вольная интерпретация «Гамлета» под названием «Злые остаются живыми» (1960). Изменения в сюжете и в характеристиках действующих лиц не помешали режиссеру с большой тонкостью и убедительностью передать дух произведения.
Фильмы Куросавы этого периода «Рай и ад» (1963), «Красная борода» (1965) и другие имели скромный прокат. Кинокомпания «Куро-сава про» оказалась на грани банкротства. Надо было принимать неординарное решение.
В 1966 году он согласился поставить в Голливуде фильм «Поезд-беглец» с американскими актерами, а в 1967-м — японские эпизоды фильма «Тора! Тора! Тора!» («Тигр! Тигр! Тигр!» — это кодированный радиосигнал о нападении японцев на Пёрл-Харбор). В результате разногласий с продюсерами компании «XX век — Фокс» в декабре 1968 года Куросава прервал съемки. Их продолжили другие, причем американцы объявили, что у японского режиссера нервное расстройство.
Куросава разрывает контракт с компанией и, выплатив неустойку, возвращается в Японию. Год трудов, двадцать восемь вариантов сценария — и все напрасно...
Приступы горького разочарования для режиссера едва не закончились трагически. В декабре 1971 года он, запершись в ванной, вскрыл себе вены. К счастью, его успели спасти, но понадобилось время, прежде чем Куросава вновь обрел себя.
В марте 1973 года он параллельно с советским писателем Ю. Нагибиным начинает работу над сценарием фильма «Дерсу Узала» по произведению В. Арсеньева. Дерсу Узала — человек решительный, прямой и добродушный, живет богатствами приморской тайги и целиком зависит от нее. «Я хотел показать на экране человека, находящегося в гармонии с природой», — говорил Куросава. Главную роль сыграл бурятский актер Максим Мунзук.
Натурные съемки проходили в Уссурийской тайге. Более двух лет длилась работа над фильмом, и только в 1975 году он вышел на экраны. «Дерсу Узала» получил «Золотой приз» Московского международного кинофестиваля, а затем премию «Оскар» как лучший иностранный фильм года.
Вернувшись в Японию, Куросава из-за финансовых проблем был вынужден заниматься рекламой виски в своем загородном доме, причем в нескольких роликах снялся сам. В это же время он опубликовал две книги — «Попытка автобиографии» (1978) и «Кагёмуся» (1979) Щ сценарий и его собственные рисунки к фильму.
Картину «Кагёмуся» (1980) финансировали Френсис Форд Коппола и Джордж Лукас. Это история о мелком воришке, который в силу обстоятельств в течение трех лет должен играть роль главы могущественного клана. Картина получила «Золотую пальмовую ветвь» в Каннах, «Сезара» и выдвигалась на «Оскара» в двух номинациях.
1 ноября 1983 года в Иокогаме открылась студия «Куросава-фильм». Режиссер снова возвращается к Шекспиру. На этот раз он пишет сценарий по «Королю Лиру». Действие фильма «Ран» (1985) перенесено в Японию, в эпоху феодальных войн, а Лир становится князем Хидето-ру, который решает разделить свое феодальное владение между тремя сыновьями.
Через год фильм получил четыре номинации на премию «Оскар», в том числе за режиссуру. Но Куросава был печален. Первого февраля в возрасте 63 лет умерла его жена Його Якути.
В марте 1990 года Куросава получает почетный «Оскар» за вклад в киноискусство. И в этом же году выходит на экраны картина «Сны Аки-ры Куросавы», которую продюсировал Стивен Спилберг. Восемь новелл, «снов» режиссера, предлагают поразмышлять о смысле смерти и силе жизни, необходимости творчества и человеческой природе.
Несмотря на почтенный возраст, Акира Куросава был полон творческих планов. Его «Августовская рапсодия» (1991) по роману Кийоку Мурасе повествует об атомном взрыве в Нагасаки. «Я снимаю свои фильмы про детей и стариков, ибо с годами начинаю ценить в жизни чистоту. Она дается нам при рождении, во младенчестве, и, затаившись, следует с нами всю жизнь, крепчая к старости. В небытие мы возвращаемся столь же чистыми, сколь младенцы, приходящие в бытие».
В апреле 1993 года компания «Тохо» выпустила 31 фильм Куроса-вы на видеокассетах и лазерных дисках. Мэтр завершает свою последнюю картину «Нет, еще нет», рассказывающую о дружбе между писателем Хаяккен Учида и его учениками. Название фильма — цитата из диалога: «Готов ли ты перейти в мир иной?» — «Нет, еще нет... »
6 сентября 1998 года, в возрасте 88 лет, Акира Куросава скончался.
ЖАН ВИААР
(1912-1971)
Французский режиссер и актер. Организатор и руководитель театральных фестивалей в Авиньоне. Спектакли: «Убийство в соборе» (1945), «Сид» (1951), «Принц Фридрих Гомбургский» (1951), «Лорен-заччо» (1952), «Дон Жуан» (1953), «Мария Тюдор» (1955) и др.
Жан Луи Вилар родился 25 марта 1912 года в городе Сэт в семье мелкого коммерсанта-галантерейщика, мечтавшего сделать из своего сына скрипача. Жан учился в колледже и музыкальной школе. Уже в двенадцать лет он дебютировал в качестве первой скрипки маленького джаз-оркестра. В своей книге режиссер писал: «У меня не было юности». И еще: «Юность уныла, как всеми покинутый город».
В 1932 году Вилар уезжает в Париж, поступает там на филологический факультет Сорбонны, работает воспитателем в колледже Сент-Барб. Однажды приятель завел его на репетицию в театр Ателье, где Шарль Дюллен готовил спектакль «Ричард III» Шекспира. Вилар тут же записывается в школу при театре и через три месяца дебютирует в маленькой роли.
В 1937 году военная служба прервала театральную карьеру актера, и лишь в 1940 году Вилар вернулся к любимому делу. Он познакомился с Андре Кальве, директором передвижной труппы, с которой объездил почти все деревни Франции. Биограф Катрин Валонь пишет: «Этот эксперимент был, несомненно, решающим в формировании молодого Жана Вилара. Он приучился воссоздавать сценические условия там, где к этому не было ничего готово. Нужно было импровизировать каждый вечер и менять мизансцены сообразно новой обстановке. А самое главное, возникал контакт с публикой... »
В 1942 году Жан Вилар женился наАндре Шлегель. У них родились дочь Доминик (1943), сыновья Стефан (1944) и Кристоф (1947).
Большая слава пришла к Вилару в 1945 году после спектакля «Убийство в соборе» Т.-С. Элиота, сыгранного в театре Вье Коломбье («Старая голубятня»). За эту работу он получил престижную театральную Премию критики. К этому времени относится знакомство Вилара с художником Леоном Гишиа, который будет его постоянным сотрудником в Национальном Народном театре.
В сентябре 1947 года Вилар организует «Неделю драматического искусства» в старинном городе Прованса Авиньоне, которая уже со следующего года становится Авиньонским театральным фестивалем. Режиссер предложил новый репертуар, состоящий из пьес Шекспира, Корнеля, Мольера и Клоделя, добавив к ним такие редко идущие пьесы, как «Смерть Дантона» Бюхнера и «Принц Фридрих Гомбургский» Клейста.
Игра в необычных условиях папского дворца ставила новые задачи. «Нам нужно было изменить театральную архитектуру не только самого зала, но и сцены, — писал Вилар. — В театре, пришедшем к нам от итальянцев, пространство сцены всегда оставалось замкнутым, К нему нужно было приспосабливаться. В Авиньоне нужно было изобрести новую сцену».
И Вилар ее изобрел. Это была большая площадка, глубоко выдававшаяся вперед в зрительный амфитеатр. В глубине планшета сцены находился второй, более узкий подиум, к которому вели с обеих сторон два ступенчатых схода. На этой огромной сцене не было никаких декораций. Все внимание было перенесено на актеров.
В 1951 году Вилар возобновляет в Авиньоне «Сида» и «Принца Фридриха Гомбургского» Клейста с Жераром Филипом в заглавных ролях.
Роль Родриго давалась Жерару с трудом. Наконец Вилар сказал: «По-моему, мы принимаем «Сида» слишком всерьез. Ведь это трагикомедия, «эспаньолада». Попробуй сыграть легко, непринужденно, иди от движения танцора фламенко». Жерар мгновенно нашел настроение Родриго — ожили его кипение молодости, лукавое сознание собственной неотразимости, почти мальчишеская запальчивость, чуть оттененная иронией.
Вилар писал художнику «Сида» Леону Гишиа, который не смог быть на премьере: «Ты просто можешь повеситься, старина. Какую мы одержали победу, а ты ее проворонил. Жерар играл ослепительно... Он создал такого Родриго, что меня бросало в дрожь. Он показал себя настоящим человеком, таким, каких любят, каким ты и я стараемся быть изо всех сил».
Луи Арагон назвал «Сида» лучшим спектаклем, который он когда-либо видел.
Успех авиньонской «Недели драматического искусства» привел к тому, что Вилару предложили возглавить театр в Париже, во Дворце Шайо на 2300 зрителей.
В августе 1951 года он подписывает трехлетний контракт на руководство театром. В его труппу почти сразу же пришли Жерар Филип и Мария Казарес, Даниэль Сораио, Кристиан Минаццоли и дебютанты, которым еще только предстояло стать звездами в театре и кинематографе; среди них Жанна Моро и Филипп Нуаре. Доверенный ему государственный театр Вилар назвал Национальным Народным (ТНП).
Театр Вилара, «повернувшийся лицом к ведущему актеру современности — народу», стал лучшим театром страны, «самым большим событием послевоенной театральной жизни», — писала одна из французских газет. Этот театр приобрел последователей во многих странах мира.
Жан Вилар выступил против «прозаизма бульваров» и «абстракций авангарда»; он решил «бороться... за театр... который был бы доступен всем, согласно мудрой и основополагающей формуле Станиславского». Вилар утвердил на громадной сцене Дворца Шайо невиданный дотоле сценический стиль — простой и величественный, эстетически совершенный и широко доступный, гармонический и рассчитанный на восприятие народной аудиторией.
Дворец Шайо, где восемь месяцев в году играл ТНП, собирал тысячи людей, которые и десятилетия спустя вспоминали о спектаклях Вилара как о самых счастливых мгновениях, проведенных в театре.
Актеры театра, как правило, еженедельно участвовали в народных праздниках, в концертах на открытом воздухе, проводимых по французской традиции в часы субботнего отдыха. Театр часто уезжал в гастрольные поездки по стране. К примеру, когда помещение дворца Шайо оказалось занято под заседания Объединенных наций, театр предпринял большую поездку по городам Франции, Эльзаса, Бельгии, Люксембурга и Германии, выступал перед многотысячной аудиторией на городских площадях и на аренах цирков.
Удивительное признание сделал посетивший Москву в 1997 году композитор Морис Жарр, автор музыки почти ко всем спектаклям ТНП. Обладатель трех «Оскаров» за музыку к кинофильмам сказал, что готов отдать все свои награды ради возможности вновь прожить те потрясающие двенадцать лет, которые ему довелось работать с Жаном Виларом.
В сезон 1960/61 годов Вилар ставит «Антигону» Софокла и «Карьеру Артуро Уи» Брехта, «Алые розы для меня» О'Кейси и «Саламейс-кого алькальда» Кальдерона, а несколькими месяцами позже — «Мир» Аристофана.
Вот как французский критик Ж. Сальтан описывает финал постановки политической сатиры «Карьера Артуро Уи»: «Последние минуты спектакля мучительны. Сцена погружается в полутьму, безмолвные актеры остаются на местах, затем внезапно сцена озаряется полным светом. Жан Вилар срывает с себя парик Артуро Уи — Гитлера, выходит на авансцену, прямо в зрительный зал направляет указующий перст и страстно, вдохновенно, с почти нечеловеческим порывом читает заключительные строки. Брехта: «А вы учитесь не смотреть, но видеть. Учитесь не болтать, а ненавидеть... »
В 1963 году Жан Вилар не стал продлевать контракт с ТНП. На протяжении двенадцати лет руководимый Виларом Национальный Народный Театр был символом Франции. Знаменательно, что последним спектаклем Вилара в ТНП стал «Томас Мор, или Одинокий человек» по пьесе Р. Болта, имеющей иное название «Человек для любой поры».
После этого Вилар осуществил давнишнюю мечту — поставил оперы своего любимого Верди: «Иерусалим» в театре Ла Фениче в Венеции (1963), «Макбета» в Ла Скала (1964), «Дон Карлоса» в Вероне (1969) и в той же Л а Скала — «Свадьбу Фигаро» (1964) Моцарта. Музыка всегда была верной спутницей Жана, и говорят, что нередко из-за закрытых дверей его кабинета можно было услышать звуки флейты, на которой Вилар играл, обдумывая что-то в своей новой работе.
В 1967 году министр культуры Андре Мальро назначает его главой Комиссии по реорганизации Национальной Оперы. Предполагалось, что Оперой будет руководить триумвират: Жан Вилар, Морис Бежар и Пьер Булез. Однако вдело вмешалась политика. 15 мая 1968 года генерал де Голль заявил, что «готов принять на себя все полномочия Республики». В знак протеста Вилар отказался занимать любые административные посты. Он сохраняет за собой лишь Авиньонский фестиваль.
Когда в июле 1968 года в Авиньон съезжается со всей Франции бунтующая молодежь, Вилар, отстаивая свой фестиваль, ведет с толпой изнурительные многочасовые дискуссии. Конечно, это не прошло бесследно. Осенью режиссера настигает сердечный приступ.
У Жана Вилара было множество планов, но внезапная смерть 28 мая 1971 года не позволила им осуществиться. Режиссер умер во сне от сердечной недостаточности. Его похоронили на Морском кладбище родного Сэта.