Geum.ru

Реферат на тему: «Культура России второй половины XVIII века»

Вид материалаРеферат
Подобный материал:
1   2   3   4   5
Портретная живопись. Наибольших успехов русская живопись второй половины XVIII столетия достигла всё-таки не в исторической картине, а в других жанрах, например портрете. Портретное искусство в это время достигает, можно сказать, своего расцвета. Именно во второй половине XVIII века творят крупнейшие живописцы Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицкий, В. Л. Боровиковский, которые создали великолепную галерею портретов современников. Русский портрет того периода сочетает в себе большую глубину и значительность в изображении человеческой личности, что позволило отечественным творениям занять значительное место в европейской живописи.

Одним из крупнейших портретистов считается Фёдор Степанович Рокотов, который ещё в молодости получил известность как умелый и оригинальный живописец. Рокотов писал преимущественно камерные портреты. В его произведениях отразилось стремление просвещённой части русского дворянства следовать высоким нравственным нормам. Художник очень любил изображать человека без парадного окружения, не позирующим, в естественных позах. Ещё в ранних произведениях Рокотова, к которым относятся портреты великого князя Павла, девочки Е. Юсуповой, сказывается умение художника не просто правильно передать сходство, но и наделить образ одухотворённостью. В последующие годы творчество живописца расцветает ещё больше, Рокотов обогащает и усложняет колорит. В поздних портретах художник подчёркивает интеллектуальность и одухотворённость своих моделей.

Среди произведений, выполненных Рокотовым, особенно выделяются портреты В. И. Майкова (конец 1760 – 1770) и В. Е. Новосильцевой (1780). В первой работе проявляется оригинальность таланта художника: его живопись становится здесь более темпераментной, колорит, который построен на противопоставлении красного и зелёного цветов, приобретает звучность. В портрете Новосильцевой Рокотов находит ту же меру идеальности, что и в образе Майкова. В облике молодой женщины, запечатлённой на портрете, проявляются представления художника о прекрасном. Среди работ Рокотова можно также выделить портреты «Неизвестной в розовом» (1770-е гг.), Н. Е. Струйского (1772), Е. Н. Орловой (1779), Е. В. Санти (1785). Пожалуй, одним из самых выразительных полотен художника является изображение В. Н. Суровцевой (вторая половина 1780-х годов).

Обычно Рокотов всё своё внимание обращал на лица. Люди в его портретах очень часто немного улыбаются, почти всегда пристально и загадочно смотрят на зрителя. Все образы, запечатлённые художником, объединены тем, что они глубоко человечны и обладают душевной теплотой. Что касается произведений последних лет жизни Рокотова, то они практически неизвестны.

Когда творчество Рокотова расцветало, началась деятельность портретиста Дмитрия Григорьевича Левицкого, создавшего серию правдивых, глубоких по характеристике портретов. Художник был помощников Антропова по выполнению портретов Екатерины II для триумфальной арки в Москве, воздвигнутой при коронации. Уже в 1770 году Левицкий на выставке в Академии художеств выступил с рядом портретов, представ зрелым, крупным, состоявшимся художником, мастером своего дела. За один из этих портретов, на котором изображён архитектор А. Ф. Кокоринов, Левицкий был удостоен звания академика. Здесь художник опирается на традиции барочного репрезентативного портрета. Он бережно пишет спокойное и серьёзное лицо архитектора, сложную по движению фигуру в парадном кафтане и камзоле, мастерски передаёт пластику жеста, различные ткани, шитьё, объединяет всё это дымчато-сиреневой тональностью колорита. В серии портретов воспитанниц Смольного института (1773 – 1776) Левицкий наиболее полно и целостно выразил своё понимание трактовки образа в парадном портрете. Он изобразил каждую из воспитанниц в определённой сюжетной ситуации, в характерной позе. Художник прекрасно передал очарование молодости и в то же время по-разному характеризовал персонажи. Портретам присуща декоративность, рождающаяся из богатого сопоставления красок одежд, линейных контуров и силуэтов, которая усиливается кулисами, изображающими условные пейзажи или драпировки. Колорит в этой серии портретов ясен и жизнерадостен.

Примером прямого отклика художника на мечты дворянской интеллигенции о просвещённом монархе, истинном гражданине своего отечества, который не только издаёт законы, но и подчиняется им, как и все сограждане, может послужить портрет Екатерины II-законодательницы.

Камерные портреты1Левицкого 1770-х – 1780-х годов представляют вершину достижений художника. В портрете французского философа Дени Дидро (1773 – 1774), изображённого в домашнем халате и без парика, художник подчёркивает высокую интеллектуальность, духовную значительность. Различны портреты М. А. Львовой (1778 и 1781), исполненной грации и женственности; Урсулы Мнишек (1782), пустой светской красавицы; певицы А. Давиа Бернуци (1782), которой присуща расчётливая кокетливость. Для художника все его модели – это люди со сложной внутренней жизнью. Левицкий никогда не льстил им и старался быть объективным в своих характеристиках. Примером может послужить изображение любимца Екатерины II, придворного А. Д. Ланского (1782), которого художник показал холодным и важным, кукольно красивым, разряженным в богатые одежды. В портрете священника он всё своё внимание обращает на его лице, лице человека, прожившего, вероятно, долгую и нелёгкую жизнь. Живостью и умом светятся глаза дочери художника, Агаши (1785), которую он изобразил в русском костюме, подчеркнув тем самым её непринуждённость.

Вообще портреты Левицкого всегда сгармонированы в цвете. Художник часто прибегает к интенсивным сочным краскам, составляющим единую и характерную для него гамму, характеризующуюся ясностью и чистотой тональных и цветовых отношений.

Ещё одним выдающимся мастером портретного жанра второй половины XVIII века был Владимир Лукич Боровиковский. Иконы, написанные им в молодости, отражают его крупное дарование. В Петербурге, куда он приехал с Украины, он сблизился с Левицким и, возможно, у него учился. Портрет Е. Н. Арсеньевой (1796) – произведение действительно высокого мастерства. В этом произведении намечен новый взгляд на человека. Художник изобразил модель среди природы, в уютном уголке сада, на фоне зелени, с яблоком в руке. Арсеньева изображена задорно улыбающейся, счастливой и очаровательной, тогда как М. И. Лопухина (1797) полна лёгкой грусти и поэтической мечтательности. Её образ пленяет меланхоличностью и мягкостью, внутренней гармонией. В портретах Боровиковский воспевал способность людей к возвышенным чувствам, сердечным переживаниям. Это проявляется в образе Екатерины II, изображённой на фоне умиротворённой природы Царскосельского парка (1794), в портрете крестьянки Христиньи (около 1795), идеального образа, а также в групповом портрете сестёр Гагариных (1802). В последней художник включил бытовую среду, связал фигуры действием, разработал тип парного изображения. В женских портретах художник стремился к непринуждённому, изящному и слегка идеализированному её изображению. Мужские же портреты более разнообразны и объективны по характеристикам, а изображённые на картинах в выражении чувств более сдержанны. В качестве примеров можно привести портреты Г. Р. Державина (около 1795), Д. П. Трощинского (1799), Ф. А. Боровского (1799).

Особую группу составляют парадные портреты художника, которые отличаются монументальностью и торжественностью. Среди подобных произведений наиболее показателен портрет А. Б. Куракина, написанный в начале XIX века (1801г.). Представленная в рост фигура вельможи эффектно выделяется на фоне колонны и свисающего тяжёлого занавеса.

В своём творчестве Боровиковский утверждал высокий гуманистический идеал, присущий русскому искусству XVIII века. Как и большинство живописцев того времени, художник скуп и сдержан в выражении личного отношения к модели в парадном портрете. В последние годы жизни Боровиковский много занимался религиозной живописью.

Портретной живописью занимались и некоторые представители исторического жанра, в том числе Лосенко, создавший выразительный портрет первого русского актёра Ф. Г. Волкова, и Угрюмов, оставивший после себя ряд психологически острых и простых по композиции портретов.

Наряду с неповторимыми произведениями Рокотова и Левицкого творчество Боровиковского завершает содержательную страницу истории русского портретного жанра, достигшего к концу XVIII века значительных успехов.

Развитие русской культуры во второй половине XVIII века обусловило широкое распространение изобразительного искусства, в первую очередь, портрета, в провинции. Русский провинциальный портрет по сравнению со столичным искусством имеет ряд особенностей. Новые черты искусства XVIII века проникали в провинцию с запозданием. Провинциальные портреты создавались обычно сериями, составляя фамильные галереи. К характерным чертам этих произведений относятся прямолинейность и однозначность в трактовке образа. Провинциальные портреты более тесно связаны с древнерусской традицией, они отличаются локальным цветом и орнаментальностью.

Пейзажная живопись. Во второй половине XVIII века заметное развитие получила пейзажная живопись, которая теперь становится самостоятельным жанром, в котором нашли отражение возвышенные идеалы классицизма, а также сказалось стремление художников наблюдать природу и умение строить завершённую композицию. В Академии художеств был создан ландшафтный класс, который окончила большая группа пейзажистов, запечатлевавших красоту пригородных садов и парков и неповторимость архитектуры возникавших городских ансамблей. Можно сказать, что особенное место в пейзажной живописи того периода заняли изображения Петербурга и его пригородов.

Художники второй половины XVIII столетия старались точно передать облик архитектурных сооружений, стремились создать так называемый «портрет места», то есть изображение окружающего пространства. Зачастую, пользуясь зарисовками с натуры, они свои композиции сочиняли в мастерской. Обычно на первом плане изображались деревья или часть какого-нибудь здания, служившие своеобразной кулисой, а в центре располагались самые главные элементы, к которым могли относиться дворец, парковый павильон, перспектива улицы. Характерным было то, что передний план, как правило, трактовался тёплыми коричневыми тонами, второй – зелёными, а даль художники обычно писали холодными синими или голубыми, чтобы создать иллюзию пространства и глубины. Подобная система распределения цветов стала отличительной чертой академического искусства.

Пейзажная живопись второй половины XVIII века отличается многообразием. Что касается паркового пейзажа, то мастером в этой области можно считать Семёна Фёдоровича Щедрина, наиболее полно воплотившего классицистические принципы построения картин данного жанра. Для творчества художника характерно чёткое построение композиции, что особенно отражается в сериях пейзажей Гатчины, Павловска, Петергофа. В этих картинах Щедрин сумел запечатлеть красоту этих мест, а также особенности парковой архитектуры.

Большое распространение получил также городской пейзаж. В этом жанре творил Фёдор Яковлевич Алексеев, прославившийся как художник видов Москвы, Воронежа, Херсона, но прежде всего Петербурга. В таких произведениях Алексеева, как «Вид на Михайловский замок» (1799 – 1800) или «Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости» (1794), нашли правдивое отношение набережные Невы, грандиозные дворцы, площади и вообще уличная жизнь. Картины этого художника обычно представляют собой органическое сочетание планов. Для творчества Алексеева характерно изображение панорамы столицы в серебристо-сером свете северного неба.

Ещё один известный пейзажист – Михаил Матвеевич Иванов, работавший в основном в технике акварели. Его картины посвящены образам Украины, Крыма, Кавказа. Причисленный к штабу Потёмкина и сопровождавший его в Крымском походе, художник создавал произведения, относящиеся к батальному жанру: «Штурм Очакова», «Штурм Измаила». Эти картины сочетают в себе документальную точность с общим панорамным принципом построения пространства.

Эпической широтой замысла и декоративностью построения отличаются произведения Фёдора Михайловича Матвеева, создававшего вымышленный пейзаж.

Бытовая живопись. Во второй половине XVIII столетия заметное развитие получил жанр бытовой живописи. В Академии художеств специальный «класс домашних упражнений». Согласно эстетике классицизма Академия художеств сводила бытовую живопись к изображению незначительных предметов. Картины бытового жанра не были многочисленны поэтому не составили заметной линии в русском искусстве того периода, однако до нас дошли полотна, в которых показаны крестьянские праздники, бедная крестьянская трапеза, уличные и домашние сцены.

Ранним произведением бытовой живописи считается картина Ивана Фирсова «Юный живописец» (вторая половина 1760-х годов). Привлекает внимание серьёзность и заинтересованность, с какой художник передаёт этот незначительный с точки зрения академической эстетики сюжет, в котором юный живописец пишет портрет девочки. Во всём чувствуется работа с натуры: в людях, в обстановке комнаты, в изображении мольберта и ящика с красками, в передаче мягкого освещения.

Зачинателем бытового крестьянского жанра стал Михаил Шибанов. Во Владимирской губернии он написал две картины, отличающиеся сурово-правдивыми характеристиками людей, быта и отдельных деталей: «Крестьянский обед» (1774) и «Празднество свадебного сговора» (1777). Произведения написаны в коричневой гамме, они обладают красочным богатством, тонким сочетанием серебристо-серых, красных, тёмно-зелёных, розовато-жёлтых тонов. Художник внёс в полотна черты торжественности и монументальности, свойственные исторической живописи.

Говоря о русской живописи во второй половине XVIII века, можно отметить следующие моменты. Во-первых, как и в скульптуре, в живописи нашли отражение прогрессивные события мировой истории, а также идеи патриотизма. Особенно это отражается в исторической живописи, в которой большое внимание уделялось передаче характера действующих лиц, их одежде и обстановке. Данный жанр характеризуется тем, что часто композиции трактовались как сценические театральные действия, где главенствовал основной герой, сосредотачивающий на себе внимание зрителя. Примерами могут послужить картины Лосенко («Каин», «Жертвоприношение Авраама», «Прощание Гектора с Андромахой» и др.), Угрюмова («Взятие Казани», «Испытание силы Яна Усмаря» и др.). Во-вторых, особенно быстрыми темпами развивается портретная живопись, в которой проявились не только принципы классицизма, но и черты сентиментализма (вспомните полотна Боровиковского). Для данного жанра искусства характерно восхищение красотой и благородством устремлений человека. Художники воссоздавали человеческий образ с помощью изысканных цветовых оттенков, дополнительных цветов и рефлексов1, системы многослойно наложенных красок, виртуозного использования фактуры красочной поверхности. К самым известным портретистам того времени относят таких художников, как Рокотов, Левицкий, Боровиковский. Что касается провинциального портрета, то для него характерны прямолинейность и однозначность в трактовке образов, а также орнаментальность, локальный цвет. В-третьих, во второй половине XVIII века самостоятельным жанром становится пейзаж, который раньше преимущественно встречался в декоративной живописи, росписях и в гравюре. Иногда в произведениях пейзажистов прослеживаются некоторые романтические тенденции, выражающиеся в том, как передаётся состояние природы, однако в основном в картинах отражаются идеалы классицизма. Примечательна была особенная колористическая система, позволяющая художникам создавать иллюзию пространства. Пейзажная живопись была разнообразна. Например, различались жанры паркового пейзажа, мастером которого был Щедрин, и городского пейзажа, представленного Алексеевым. В-четвёртых, развивается бытовой жанр живописи, призванный показать жизнь простого народа во всём её многообразии, однако следует отметить, что зачастую изображённые крестьянские праздники, сцены из жизни людей были идеализированы. Представителями этого жанра были Фирсов, создавший «Юного живописца» Шибанов, внёсший в полотна черты монументальности.

Таким образом, о второй половине XVIII века можно говорить как о периоде расцвета всех жанров русской живописи.

Рисунок и гравюра.

С открытием в 1757 году Академии художеств, где рисунку уделялось большое внимание, русская графика поднимается в своём развитии на новый уровень, о чём свидетельствуют рисунки Лосенко, его наброски для исторических картин. Гравюра второй половины XVIII века отличается разнообразием техник. Особенно широкое применение в этот период находит офорт1. Если говорить об основных жанрах того времени, то ими являлись портрет и пейзаж. Самыми известными людьми, работавшими в графическом жанре, были Евграф Петрович Чемесов, Гавриил Иванович Скородумов и Иван Алексеевич Ерменев.

Чемесов в основном гравировал портреты современников с оригиналов живописцев, внося в произведения своё творческое начало. Его портреты И. И. Шувалова (1760), императрицы Елизаветы Петровны (1761), Фёдора Волкова (1764) и автопортрет (1764 – 1765) по размеру невелики, но значительны по содержанию, наполненного жизненностью, и по виртуозности технических приёмов. Для работ Чемесова характерны спокойствие и гармония, а автопортрет поражает своей одухотворённостью.

Говоря о Скородумове, следует отметить, что он работал в различных графических техниках, ввёл в русскую гравюру цвет. В пенсионерской поездке в Англии он обучался у Бартолоцци новой и сложной технике пунктира. Там он выполнял многочисленные копии с произведений живописи, по собственному рисунку исполнил портрет Е. Р. Воронцовой-Дашковой (1777). После возвращения в Петербург в 1782 году Скородумов был определён в Эрмитаж для хранения и систематизации гравюр и выполнения эстампов2 с картин. Помимо многочисленных гравированных портретов репродукционного характера, он обращался к акварели и создал не только автопортреты, «Портрет отца», но и жанровые произведения («Гулянье на пасхальной неделе» – 1790). Что касается гравюр пунктиром, то они не были по достоинству оценены современниками.

Ерменев – один из самых ярких художников, работавших в графике над крестьянскими образами. Возможно, что, находясь в Париже, он присутствовал при взятии Бастилии 14 июля 1789 года и запечатлел это событие. Художник ещё до отъезда во Францию исполнил ставшие впоследствии очень известными рисунки с изображением крестьян и нищих. Ерменев в своих работах выразительно и правдиво раскрыл трагедию простого человека, монументально трактуя его образ, что особенно проявляется в акварелях «Поющие слепцы-нищие» (1770-е) и «Крестьянский обед» (1770-е).

Таким образом, графика во второй половине XVIII века поднимается на новую ступень развития, что во многом связано с открытием Академии художеств. Можно сказать, что высокая графическая культура была присуща всем выдающимся мастерам того времени. Хорошими примерами могут послужить рисунки учеников Лосенко, в том числе Соколова, композиционные эскизы Угрюмова, проекты архитектурных сооружений Баженова, пейзажные рисунки и акварели Щедрина и Иванова. Поражает разнообразие техник, в которых выполнялись гравюры, однако наибольшее применение нашёл офорт. Основными жанрами графики считались портрет и пейзаж.

Прикладное искусство.

Во второй половине XVIII века прикладное искусство достигло значительного подъёма. В нём отражались гуманистические идеи просветительства. Мастеров этого времени отличали внимание к личным вкусам и потребностям человека и поиски удобства в окружающем мире. Русский классицизм утверждался на рубеже 1770-х – 1780-х годов во всех видах прикладного искусства. Зодчие М. Ф. Казаков, И. Е. Старов, Д. Кваренги, Ч. Камерон, А. Н. Воронихин создавали простые и сдержанные интерьеры с чётким членением частей, с конструктивно оправданным расположением архитектурного декора. В соответствии с этими же принципами проектировались для дворцовых помещений мебель, канделябры, люстры. Позолота и цветовая гамма становились мягче и сдержаннее, чем в середине XVIII столетия. В конце XVIII века увлечение античностью заставило даже отказаться от сложного и пышного костюма, в моду вошли лёгкие свободные платья со струящимися складками, с высоким поясом.

В период классицизма формы мебели просты и чётко построены. Хотя очертания сохранили некоторую мягкость и округлость, всё-таки уже выделялись вертикальные и горизонтальные линии. Украшения: невысокая резьба, росписи, бронзовые, а также латунные накладки – подчёркивали выразительность конструкций. Большое внимание уделялось удобству мебели. Для парадных комнат проектировались комплекты-гарнитуры. Возникли новые мебельные формы: столы для карточной игры, лёгкие переносные столики-бобики, комоды различного рода. Достаточно широкое распространение получили диваны, а в кабинетной мебели бюро с цилиндрической закатывающейся крышкой.

Материалами для русской мебели служили липа, берёза, орех, дуб, тополь, ясень, груша. В конце XVIII века стали использовать карельскую берёзу и привозимую цветную древесину красного дерева, амаранта, палисандра. Больших успехов русские мастера добились в технике маркетри, суть которой заключалась в составлении из кусочков цветной древесины орнаментов или целых картин на поверхности деревянных предметов. Подобные работы известны не только у столичных придворных мебельщиков, но и у бывших крепостных, работавших в Москве и Петербурге. Образцы искусно выполненной резьбы на мебели Останкинского дворца принадлежат крепостным Ивану Мочалину, Гавриле Немкову и другим. Художественный облик мебели завершала гармонировавшая с убранством стен обивка узорными шелками, бархатом, набивными ситцами, льняными тканями.

Из всех отраслей промышленности наиболее успешно развивалась текстильная. Особого совершенства достигли мастера в новых узорных льняных тканях со сложными переплетениями, с игрой естественных серебристо-белых оттенков льна. Значительно улучшились декоративные качества цветного сукна и шерстяных тканей. Бурно развивалось производство шёлковых тканей, которые к концу XVIII века не уступали по качеству французским. Русские ткачи научились применять разнообразные нити, сложнейшие ткацкие переплетения, напоминающие вышивку. В тканях для платьев вплоть до 1780-х – 1790-х годов применялись узоры из сложных, волнообразных цветочных гирлянд, лент и бус, но постепенно гирлянды заменялись полосами, узоры становились проще, цветовая гамма светлее, мягче. В узорах ситцев мастера перерабатывали мотивы шёлковых тканей, сочетали сочное живописное пятно и графическую разделку.

Что касается фарфора, то к концу XVIII века русский фарфор становится одним из лучших в Европе. Успешно работал Казенный фарфоровый завод в Петербурге, изделия которого отличались высоким техническим качеством. Формы посуды, ваз, их роспись не уступали западным. В 1784 году создаётся наиболее значительный из сервизов – Арабесковый для придворных приёмов. Настольное украшение этого сервиза из девяти скульптур прославляет присоединение Грузии и Крыма. В нём господствуют спокойные позы, лёгкая позолота, строгие по пропорциям формы. В 1780-х годах создаётся серия скульптур «Народы России». Выпускались также скульптурные фигурки уличных продавцов, ремесленников, зачастую изображённых в движении. На многие десятилетия фарфоровая скульптура становится излюбленным украшением дворянских интерьеров. Из частных фарфоровых заводов наиболее жизнеспособным оказался завод Франца Гарднера, выполнявший сервизы для царского дома с оригинальным использованием в росписях мотивов русских орденов. Посуда, изготовленная на этом заводе, отличалась простотой форм и пользовалась спросом и в столице, и в провинции.

Подлинную славу русскому стеклу приносит цветное стекло. Ломоносов работами по теории цвета и технологии цветных стекол открыл новые пути русскому стеклоделию, обогатил палитру стекла, возродил русскую мозаику. Теперь Казенный завод осваивает выработку стекла глубоких и чистых тонов – синего, фиолетового, розово-красного, изумрудно-зелёного, а в его производстве господствует уже не гравированный хрусталь, а тонкое стекло. Рюмки, бокалы, графины получают гладкие формы. Росписи золотом и серебром гирлянд, звёзд, бантов подчёркивают пластические объёмы сосудов. Вырабатывается так называемое молочно-белое стекло, напоминающее внешним видом и характером росписей более дорогой фарфор. К концу XVIII века бесцветное и цветное стекло, хрусталь уже широко распространяются по всей России.

Если говорить о ювелирном искусстве, то его расцвет наступает в середине XVIII века и продолжается на протяжении всего столетия. Искусство огранки камней достигает высокой степени совершенства. Чтобы усилить игру камня, ювелиры находят разнообразные художественно-технические приёмы монтировки, подвижного закрепления деталей. В последней трети XVIII столетия формы ювелирных изделий приобретают уравновешенность, а цветовая гамма становится строже. В этот период больших успехов достигают мастера серебряного дела. В соответствии с новыми вкусами формы серебряных сервизов просты и четки. Их украшают каннелюры1 и античные орнаменты, а также изображения античных сцен.

Выдающееся явление в прикладном искусстве – стальные художественные изделия тульских мастеров: мебель, шкатулки, подсвечники, пуговицы, табакерки. Декоративный эффект произведений строится на противопоставлении гладкой светлой стали и украшений в виде гранёных кусочков. Мастера применяют воронение2 металла, дающее различные оттенки: зелёные, синие, лиловые и др..

Открытие во второй половине XVIII века месторождений мраморов, вишнёво-розового орлеца, многоцветных яшм, синих байкальских лазуритов стало причиной появления широких возможностей применения цветного камня в отделке и украшении монументально-декоративных произведений дворцовых интерьеров. Работая по проектам архитекторов, камнерезы артистично раскрывают красоту камня, его природный рисунок, оттенки цвета, усиливая их полировкой. Проекты для камнерезных изделий, обелисков, ваз, в основе которых лежали античные формы, создавали Кваренги, Воронихин.

Подводя итоги, я хочу отметить, что значительному подъёму прикладного искусства, вероятнее всего, способствовало развитие экономики, науки и техники, а также его тесные связи с изобразительным искусством и архитектурой, в частности с творчеством Казакова, Старова, Кваренги, Камерона, Воронихина и целого ряда обученных народных художников. Под влиянием нового стиля – русского классицизма – в орнаментике мебели, посуды, тканей появились античные мотивы. Что касается гуманистических идей, господствующих в обществе во второй половине XVIII века, то и они отражались в прикладном искусстве этого времени, что проявляется во внимании мастеров к личным вкусам и потребностям человека. В этот период мебель приобретает несколько новые формы, русский фарфор становится одним из лучших в Европе, быстрыми темпами развивается стекольная промышленность, продолжает расцветать ювелирное искусство. Именно во второй половине XVIII века благодаря тому, что открываются новые месторождения, появляются широкие возможности применения цветного камня в отделке и украшении дворцовых интерьеров.