Знаете ли вы современную живопись

Вид материала

Документы

Содержание Петр Алексеевич Белов (1929-1988).

Подобный материал:

• Учебно-методический комплекс для студентов специальности 051800 Живопись, квалификация, 453.41kb.
• Тема: «Русская живопись», 70.25kb.
• «Пляшущие человечки», 94.65kb.
• Н. Нижегородцева новогодняя сказка, 700.06kb.
• Древнерусская живопись живопись христианской Руси играла в жизни общества очень важную, 386.4kb.
• Stephen King "Danse Macabre", 6196.62kb.
• Живопись Северного Возрождения: Иероним Босх (альтернативы христианскому мировоззрению), 12.1kb.
• Илья Стогоff. Революция сейчас!, 2573.4kb.
• Е. А. Керсновская наскальная живопись, 4111.45kb.
• Рабочая программа Дисциплины "Академическая живопись" Москва 2006г, 62.17kb.

Савва Бродский (1923-1982).

Иллюстрация к роману Мигеля Сервантеса «Дон Кихот». 1975.



Савва Григорьевич Бродский был человеком почти возрожденческой универсальности – поэт, художник, скульптор, архитектор. Но в его художественном наследии особенно выделяются графические иллюстрации, обладающие невероятной силой и выразительностью. Он иллюстрировал Ибсена, Шекспира, Роллана, Гоголя, Мериме, Флобера, Сервантеса, Грина. Всегда остро помня о своем еврействе, в тяжелые годы застоя создал сильнейший цикл литографий по произведению А.Кузнецова «Бабий яр».

В его произведениях, литературный исторический материал звучит остросовременно. К каждому человеку он относится как к неповторимой индивидуальности, неважно велик тот или мал – он очень значим и важен. При этом главная сквозная тема – противостояние человека и толпы. Толпа это не соединение разных индивидуальностей, эта масса, протоплазма, движимая общей идеей, ненавистью, манией.

Перед вами одна из иллюстраций к «Дон Кихоту», которая настолько монументальна и глубока, что вполне сравнима по значимости с отдельным станковым произведением. Растерянные, обнявшиеся Дон Кихот и Санчо Пансо слепы, у них завязаны глаза, и поэтому рев, хохот отвратительной толпы, расплывшейся во всем пространстве , неосознан ими, они даже не могут понять его природу. Может быть, это стихия, раскаты грома? Но небо нарочито безмятежно. Героям еще только предстоит узнать, что самые страшные беды несут далеко не природные катаклизмы. Им предстоит… Единственное существо, которое реально способно оценить ситуацию – это бедный Россинант, одеревеневший от ужаса, со страшной гримасой – маской.

В этих резких гротесковых образах мы видим отражение художественной традиции – великие и страшные персонажи Дюрера, Брейгеля, Мунка вспоминаются как прототипы, нашедшие себе достойных преемников в пучине 20 века. Абсурд поглощает мир экспрессивных образов Бродского. Они ужасны, как ужасна современность.


Анатолий Зверев (1931-1986).

Портрет Г.Костаки. 1958.



Гений, юродивый, анархист, шалопай, философ, поэт-одиночка – так неоднозначно отзывались об Анатолии Звереве его современники. Сейчас работы этого «отщепенца и хулигана», как называли его милиционеры, заняли почетные места в крупнейших музеях мира – Третьяковке, Историческом музее, Музее современного искусства в Нью-Йорке и многих других. Его творческое наследие, насчитывающее около 30 000 работ, признано народным достоянием России. А ведь у Зверева никогда не было даже собственной мастерской, свои гуаши он писал на скамейках в парках, на кухнях у друзей, на подоконниках в подъездах, если не было под рукой картона или оберточной бумаги, писал на старых рубашках или просто на асфальте. У него было много друзей, которых он искренне любил и которые любили его, но жить так как живут все, правильно и упорядоченно, он не мог. Говорил: "Истинное искусство должно быть свободным, хотя это и очень трудно, потому что жизнь - скованна".

Сейчас его жизнь обросла мифами. Рассказывают, что в 1957 году, во время московского фестиваля молодежи и студентов в Москве, когда впервые приоткрылся «железный занавес» между западной и русской культурами, он поразил знаменитого мексиканского живописца Сикейроса. Когда тот беседовал с молодежью на улице, некий оборванец вылил на асфальт остатки краски из ведра и шваброй за пять минут сделал потрясающий рисунок. Сикейрос потребовал от властей дать Звереву золотую медаль (которую, конечно, не дали) и подарил ему свой мастихин.

Именно своей необычностью он потрясал опытнейших художников и признанных знатоков искусства. Пабло Пикассо назвал Зверева "лучшим русским рисовальщиком". Роберт Фальк писал: "Каждое прикосновение его кисти - сокровище. Художники такого масштаба рождаются раз в столетие... Я ценю Зверева как художника, но, поговорив с ним, я осознал, что его философский склад ума гораздо выше, чем его великий дар художника. Я изумлен его интеллектом". А вот слова Георгия Костаки: "Зверев - первый русский экспрессионист ХХ века и посредник между ранним и поздним авангардом в русском искусстве. Я считаю этого замечательного художника одним из самых талантливых в России".

Кстати, о Георгии Дионисовиче Костаки, знаменитом «дяде Жоре», портрет которого перед вами. Он был одним из первых московских коллекционеров, который начал собирать живопись московского андерграунда (неофициальных художников). Часто он покупал их произведения за бесценок, иногда обменивал на хорошие краски и холсты. Но никто не был в претензии. Во-первых, потому что даже и такой малости им получить было неоткуда. А, во-вторых, этим они прокладывали себе дорогу в музеи мира, обретали надежду, что их произведения не сгниют на помойке, но станут известны людям. Именно благодаря Костаки, работы Рабина, Краснопевцева, Мастерковой, Яковлева, Зверева и многих других нонконформистов оказались в Третьяковской галерее.


^ Петр Алексеевич Белов (1929-1988).

Беломорканал. 1985.



В России и сегодня популярен сорт папирос, носящий название «Беломорканал». Он напоминает о гигантском техническом проекте раннего сталинизма — о Беломорско-Балтийском канале, который по длине превзошел Панамский и Суэцкий каналы и был прорыт в рекордно короткие сроки, за двадцать месяцев: блестящее свершение из героической эпохи первых пятилеток. Такова версия советских властей. Однако после солженицынского «Архипелага ГУЛАГ» стало ясно всем, что героический эпос о Беломорско-Балтийском канале есть миф — он базируется на пропагандистской лжи, продолжающей жить в торговой марке папирос. Беломорканал ныне ассоциируется, и впрямь, не с блеском героического свершения, а с огромным концентрационным лагерем — Белбалтлагом. Число находившихся в нем, по официальным данным, превышало 100 000 человек.

В своей картине П.А. Белов противопоставляет ужасам Беломорканала безразличие повседневности. Посреди скудного ландшафта из грязной зелени и колючей проволоки лежит — шокирующе выделяясь своим цветом и очертаниями — пустая пачка папирос «Беломорканал», характерно раскрашенная голубым, белым и розовым. Пачка эта чудовищных размеров и служит бараком: оторванный угол — вход, куда вливается бесконечная очередь безликих арестантов.

Стилистически эта картина близка к сюрреализму с его эффектами двойного видения. С одной стороны, при взгляде издалека – это всего лишь мрачный прозаический натюрморт, в котором на грязной столешнице валяется пачка папирос с просыпавшимся табаком. Но «открывая глаза», приближая взгляд, мы видим толпу измученных людей, колючую проволоку, тоскливый и безнадежный кошмар поглощения узников Беломором.

П.А.Белов всю свою жизнь проработал в Центральном театре Советской Армии, оформлял спектакли, был главным художником. Но только самые близкие его друзья знали о его станковых работах. Он не выставлял свои картины и не собирался их продавать. Для него они были какой-то невероятной находкой, новой жизнью внутри себя, вдруг захватившей его целиком. Его героями были Булгаков, Пастернак, Мейерхольд – люди, которые, так или иначе, вошли в столкновение с эпохой.


Гриша Брускин (родился в 1945).

Фундаментальный лексикон. 1986.



Григорий Давидович Брускин стал Гришей Брускиным уже много лет назад. Именно так он подписал первую показавшуюся ему самостоятельной картину. В советские времена жизнь Брускина не была счастливой: персональные выставки художника запрещались с завидным постоянством, и его работы практически не были известны широкой публике. Приобрел известность своим "Фундаментальным лексиконом" (1986), где фигурки, несущие эмблемы официальной советской культуры, сведены воедино на больших таблицах.
Работы Брускина типичны для постмодернизма, когда художники, писатели создают не «художественные произведения», а «тексты», то есть некую составную структуру, где соединяется нераскрытая цитата, иронический подтекст, абсурдная трактовка и т.п. Собственно, картина «Фундаментальный лексикон» и является подобным текстом, где автор использует свой собственный алфавит, выстраивая его в строки, но эти буквы-знаки являются цитируемыми фантомами советской реальности, воспринятыми и оцененными автором с новым гротесковым подтекстом.

Для тех, кто не застал времена пионерского детства, поясню, что подобные гипсовые фигурки типичных представителей советской эпохи, в сугубо положительном, я бы даже сказала, абсолютно идеалистическом ключе, были главным эстетическим и идейным украшением парков, дворов, детских площадок, и, конечно, пионерских лагерей. Кстати, этот образ, гротескно трактованный, задолго до Брускина, использовал Элем Климов в фильме «Добро пожаловать, или Посторонним вход запрещен». Помните ночной кошмар первого киношного диссидента Кости Иночкина?

Брускин был представителем художественного андерграунда, то есть был оппозиционен по отношению к советскому строю. Это противостояние не было эстетическим, но чисто политическим. Кстати, эта картина была создана уже во времена перестройки, когда художники «вышли из подполья», поэтому назвать ее нонконформистским произведением нельзя. Это была очень модная и популярная волна по развенчанию советских символов. Хотя, говорят, Горбачеву это произведение не понравилось. Спустя некоторое время, Брускин создает римэйк собственной картины, назвав ее «Фундаментальный хрюшачий лексикон». Вы наверняка видели образы из него – они популярны в Интернете не менее смайликов. Это уже был «текст о тексте», на звание произведения искусства не претендующий.

Однако на первом и последнем проходившем в Москве аукционе Сотби (в 1988 году) его 6 картин – включая "Фундаментальный хрюшачий лексикон" – были проданы за рекордные для современного русского искусства цены (930 тысяч долларов). А через неделю Брускин отбыл в Америку – по культурному обмену, поработать, и сразу получил несколько предложений реализовать давно задуманные художественные проекты. Живет Брускин сегодня в Америке, произведения его находятся в крупнейших музеях мира, а сам он считается одним из наиболее известных русских художников на Западе.


Оскар Рабин (родился в 1928).

Пейзаж. 1987



Оскар Рабин – ключевая фигура русского неофициального искусства. Совсем юным он оказался под опекой живших в барачном поселке Лианозово художника и поэта Евгения Кропивницкого и его жены Ольги Потаповой. Им, чудом уцелевшим в сталинской мясорубке, удалось донести до собиравшейся вокруг них молодежи последние отголоски авангарда начала века. Я уже рассказывала об этой группировке в аннотации к картине Владимира Немухина. В 1974 году именно Рабин стал инициатором выставки неофициальных художников в Беляево, которая получит немного позже название «Бульдозерная», потому что картины будут уничтожены бульдозерами, присланными властями. Это его не остановит и вскоре он соберет еще одну выставку – в Измайлово. Это было грандиозное событие для московской интеллигенции. Колоссальный политический скандал, вызванный не столько самими выставками, сколько агрессивными нападками властей на них, сыграет удивительную роль в геополитике. Говорили, что именно он послужил поводом для разговора между руководством СССР и США о сокращении стратегических вооружений. Советские власти успешно выдворяют Рабина с семьей из страны в 1978 году, сначала дав выезд во Францию по туристической визе, а потом лишив гражданства. На Западе его принимают с восторгом и называют «Солженицыным в живописи». И тут же забывают, потому что его живопись никак не укладывается в контекст арт-консьюмеризма (то есть искусства, востребованного обществом потребления).

А Рабин – художник. И говорить надо об искусстве, а не о политике. Пейзаж ли перед вами или сон, или кошмар, или навязчивая идея – я не знаю. Ян Сатуновский, поэт лианозовской группы, друг Рабина воспринимал его живопись так:

Нонконформизм

Рабин: бараки, сараи, казармы.

Проза цвета времени:

Серый

И желто-фонарный

Воздух

Железным занавесом

Бьет по глазам: по мозгам.

Спутница жизни – селедка.

Зараза – примус.

Рабин: распивочно и навынос.

Рабин: Лондон – Москва.

К сожалению, на Западе искусство Рабина, оторванное от родной почвы, стало конвейерным. Он без конца и хорошо рисовал ржавую селедку, лежащую на первой полосе «Правды», перекошенные бараки, разворот советского паспорта с надписью в графе «национальность» – «Латыш (еврей)» и мусорные контейнеры. Мощная лиричность из этих картин выветривалась.

Но, как бы там ни было, благодаря Рабину тысячи людей поняли, что можно делать не то, что настоятельно советуют власть предержащие, а то, что никто кроме них не сделает никогда.


Виталий Комар (р.1943), Меламид Александр (р.1945).

Сталин и музы.

Из серии «Ностальгический реализм». 1981-1982




«Комар & Меламид» - это известный западный бренд, пара художников, которые руководят грандиозным международным художественным проектом «Выбор народа». Если попробовать охарактеризовать его в двух словах – то это смесь социологического исследования и перфоманса. То есть, что-то довольно далекое от живописи. Подробные пояснения можно найти в интернете. И это закономерно развитие пути двух известнейших российских художников, искусство которых всегда было очень политизировано и пародийно.

Они известны как создатели нового направления в искусстве – «соц-арт». Художники-диссиденты заимствовали пафосный образный язык живописи соцреализма, чтобы ее же словами сказать: за этой риторикой – ложь и пустота. Сам термин "соц-арт", гибрид "соцреализма" и "поп-арта", указывал на двусмысленность их искусства, советского по форме и антисоветского по содержанию.
По преданию, термин Комар и Меламид придумали в 1972 году в каком-то подмосковном клубе, где они стряпали стенды и транспаранты для оформления очередного пионерлагеря. Тогда же возникла их знаменитая серия лозунгов, в которых под словами: "Мы рождены, чтобы сказку сделать былью!" или "Наша цель - коммунизм", начертанными победным шрифтом на красном кумаче, в нижнем левом углу, как и положено в классической картине, возникала подпись художников "Комар, Меламид". Можно сказать, что они создавали своего рода политические анекдоты, которые были очень популярны в кухнях интеллигенции того времени.
За политические анекдоты, как известно, сажали. Кое-кого из соц-артистов, действительно, посадили или отправили в психушку, чьи-то работы погибли под гусеницами бульдозеров в ходе легендарной "бульдозерной выставки" 1974 года, а к концу 70-х лидеры направления Виталий Комар и Александр Меламид, Леонид Соков и Александр Косолапов оказались в Америке.

Там-то и выяснилось, что в гибридном термине "соц-арт" был заложен еще один смысл. Соц-артистские шутки, рассчитанные вроде бы лишь на советскую аудиторию, в действительности оказались легко переводимы на язык мирового искусства. Подобно поп-арту, это вывезенное из-за железного занавеса искусство иронически воспевало систему массового потребления. Подобно концептуализму, это искусство было занято препарированием языка - только особого, идеологического.
Наверное, картина «Сталин и музы» не особенно нуждается в комментариях. Очевидна насмешка над «самым великим знатоком и любителем искусства всех времен и народов». Сталин написан в самых худших традициях советского академизма (некогда, такой образ воспринимался как норма), а музы – в традициях академизма классического, тоже утрированного до штампа. Соединение темы и стилистики и создает художественный политический анекдот.


Ольга Булгакова (родилась в 1951).

Гоголь. 1980.



Живопись Ольги Булгаковой метафорична и иносказательна. Отсюда проистекает ее любовь к театру – она пишет портреты актеров, мизансцены спектаклей. Но театральность является и ключом ее собственного искусства, закодированного, сложного языка живописи, где царствуют превращения, подмены, метаморфозы. И лишь постепенно шаг за шагом она позволяет зрителю приоткрыть завесу таинства, символа, живописной загадки.

Художница живет в Москве, а работы ее рассеяны по всему миру – от Третьяковской галереи и Русского музея до всевозможных арт-музеев США. Образ Гоголя в последние 50 лет становится одним из самых востребованных в живописи. Поражает актуальность писателя, который, по словам Чаадаева, «резко высказал нашу грешную сторону», показал страну, где торжествуют и царят чиновники-взяточники, чиновники-душители, где думают не о пользе Отечеству, а исключительно о собственном кармане. Одно только восклицание Собакевича из «Мертвых душ» чего стоит! «Мошенник на мошеннике сидит и мошенником погоняет. Один там только порядочный человек - прокурор, да и тот, если сказать правду, свинья...» Страх и тоска - вот камертон картины. Пространство разворачивается по типу мизансцены. На переднем плане – хрупкий, спеленутый как мумия (или как душевнобольной) хрупкий человечек. Он почти скатывается с большого кресла вниз – к незажженному камину, черная дыра которого наводит и на инфернальные мысли. За его спиной – скованный силуэт мрачного желтоликого человека. Посмотрите – он отражается в зеркале – но уже не человеком, а свиньей. "Ничего не вижу: вижу какие-то свиные рыла вместо лиц, а больше ничего..." – вы помните, откуда это? А вот Василий Розанов, приведя восклицание Гоголя «Грустно (так у Розанова) на этом свете, господа», замечает: «И не могло не быть «грустно» душе такой особенной, и одинокой, и зловещей. Со зловещею звездою над собою, пожалуй - с черною звездою в себе». Зловещая звезда (луна) на небе присутствует и здесь, отражаясь в лице писателя.