Особливості перекладацьких методів Юрія Андруховича на основі дослідження перекладу «Гамлета, принця данського В. Шекспіра»
| Вид материала | Документы |
- План вступ розділ I. Художній текст Особливості перекладу художнього тексту Мета створення, 277.36kb.
- План: Вступ Характеристика методів досліждення. Загальна класифікація методів, 122.96kb.
- Устатті розглянуто особливості управління матеріальними потоками металургійного підприємства, 168.36kb.
- 1 Перекладацькі трансформації як складова частина адекватного перекладу, 1464.08kb.
- Юрія Федьковича " затверджую, 608.95kb.
- Урок в 9 классе. Тема: Образ Гамлета в поэзии Пастернака Б., Высоцкого В., Павлычко, 80.5kb.
- Одна з важливих особливостей наукового пізнання порівняно з буденним полягає в його, 222.39kb.
- Паламарчука О. М. Нтуу "кпі", факультет електроніки, кафедра конструювання еоа, група, 92.85kb.
- Юрія Федьковича "затверджую", 1249.11kb.
- Юрія Федьковича "затверджую", 323.51kb.
Commedia dell' arte
Комедія дель арте (la commedia dell'arte), або комедія масок – це вид італійського народного (майданного) театру, спектаклі якого створювалися методом імпровізації, на основі сценарію, що містить коротку сюжетну схему подання, за участю акторів, одягнених у маски. У різних джерелах також згадується як la commedia a soggetto (сценарний театр), la commedia all'improvviso (театр імпровізації) або la commedia degli zanni (комедія дзанні).
Театр проіснував з середини XVI до кінця XVIII ст. і цим самим мав дуже сильній вплив на подальший розвиток західно-європейського театру. Трупи, що грали комедії масок, були першими в Європі професійними театральними, де були закладені основи акторської майстерності. Сам термін комедія дель арте «вишуканий театр» вказує на бездоганність акторів в театральній грі і де вперше були присутніми елементи режисури.
Комедія дель арте народилася з карнавальних свят. Театру ще не було, але були блазні, міми, маски. Іншим фактором стало зародження національної італійської драматургії. Нові п'єси складають Ариосто, Макіавеллі, Бібієна, Аретіно, але всі ці п'єси мало придатні для сцени, вони перенасичені персонажами й достатком сюжетних ліній. Ця драматургія одержує назву «ученої комедії».
Маска (maschera) була обов'язковим атрибутом, що закриває особу комічного персонажа, і споконвічно розумілася винятково в цьому змісті. Однак, згодом маскою стали називати й усього персонажа. Актор завжди грає ту саму маску.
Такий театр одержав назву комедія делъарте (cornmedia dell'arte), або комедія масок. Кожний персонаж мав свою маску характер і дійсна маска, частину костюма. Остання вказувала на особливі якості героя: професійну приналежність (доктор, філософ - обов'язково в окулярах), соціальний тип (хазяїн, купець, іноземець). Маски, виготовлені з матерії або пап'є-маше, звичайно закривали особа до половини. Актор, один раз вибравши героя, як правило, залишався вірний йому протягом всього життя на сцені. Спектаклі, заразливі й зворушливі, майстерно розіграні, найчастіше смішні, дивилися глядачі Апеннін, а пізніше - аж до кінця XVIII в. - майже у всіх містах Європи. У публіки, за свідченням очевидців, "всі щелепи боліли від сміху".
Поступово в спектаклях з'явилися постійні персонажі - маски: Арлекін, Бригелла, Коломбина, Пьеро й ін. Такий театр одержав назву комедія делъарте (cornmedia dell'arte), або комедія масок. Кожний персонаж мав свою маску характер і дійсна маска, частину костюма. Остання вказувала на особливі якості героя: професійну приналежність (доктор, філософ - обов'язково в окулярах), соціальний тип (хазяїн, купець, іноземець). Маски, виготовлені з матерії або пап'є-маше, звичайно закривали особа до половини. Актор, один раз вибравши героя, як правило, залишався вірний йому протягом всього життя на сцені. Спектаклі, заразливі й зворушливі, майстерно розіграні, найчастіше смішні, дивилися глядачі Апеннін, а пізніше - аж до кінця XVIII в. - майже у всіх містах Європи. У публіки, за свідченням очевидців, "всі щелепи боліли від сміху".
Кількість масок в комедії дель арте дуже велика (всього їх нараховується близько ста), однак більшість з них є спорідненими персонажами, які відрізняються лише іменами та незначними деталями.
До основних персонажів комедіїх відносять два квартети чоловічих масок:
Північний (венеціанський) квартет масок та Південний (неаполітанський) квартет масок.
До венеціанського входять такі маски як: Панталоне, Доктор, Бригелла, Арлекін.
До неаполітанського: Тарталья, Скарамучча, Ковьелло, Пульчинелла.
Щодо жіночих персонажів то їх було два: Ізабела і Коломбіна.
Актор, що грає Брігеллу, ніколи не буде грати Панталоне, і навпаки. Можуть міняються сценарії, але маска - немає. Маска стає образом актора, що він вибирає, і граючи його все життя, доповнює своєю артистичною індивідуальністю. Йому не потрібно знати роль, досить знати сценарій - сюжет і пропоновані обставини. Все інше створюється в процесі подання шляхом імпровізації.
Основою спектаклю в комедії дель арте є сценарій (або канва), - це дуже короткий виклад по епізодах сюжету з докладним описом діючих осіб, порядку виходу на сцену, дій акторів, основних буффонних трюків і предметів реквізиту. Більшість сценаріїв являють собою переробку існуючих комедій, розповідей і новел для потреб окремо взятої трупи (зі своїм набором масок), нашвидку накиданий текст, що вивішує за лаштунками на час спектаклю. Сценарій, як правило, комедійного характеру, але це може бути й трагедія, і трагікомедія, і пастораль.
Тут набувало чинності мистецтво імпровізації італійських комедіантів. Імпровізація дозволяє адаптувати п'єсу до нової публіки, до новин міста, імпровізаційний спектакль сутужніше піддати попередній цензурі. Мистецтво імпровізації полягало в спритній подачі реплік у сполученні з доречною жестикуляцією й уміння звести всю імпровізацію до вихідного сценарію. Для успішної імпровізації були потрібні темперамент, чітка дикція, володіння декламацією, голосом, подихом, потрібна була гарна пам'ять, увага й спритність, що вимагають миттєвої реакції, і багата фантазія, було потрібно чудове володіння тілом, акробатична спритність, уміння стрибати через голову, - пантоміма, як мова, виступала нарівні зі словом. Крім того, актори, що грають ту саму маску протягом всього , життя набирали солідний багаж сценічних прийомів, трюків, пісень, приказок і афоризмів, монологів і могли вільно користуватися цим у самих різних сполученнях.
Дзанни (Zanni) Загальна назва комедійного слуги. Назва походить від чоловічого імені Джованні, що було настільки популярно серед простого народу, що зробилося загальним для позначення слуги. До стану дзанни ставляться такі персонажі, як Арлекіно, Брігелла, Пьеріно, що з'явилися пізніше. Характерні риси безіменного дзанні - це ненаситний апетит і неуцтво. Він живе винятково сьогоднішнім днем і не думає про складні матерії. Звичайно відданий своєму хазяїнові, але не любить дисципліну. У спектаклі брало участь, як мінімум, 2 таких персонажа, один із яких був тупуватий, а інший, навпроти, відрізнявся лисим розумом і спритністю. Одягнено вони були просто - у безформну світлу блузу й штани, що звичайно зшиті з мішків від борошна. Маска споконвічно закривало всю особу, тому для спілкування з іншими героями комедії дзанні доводилося піднімати нижню її частину (що було незручно). Згодом маску спростили, і вона стала прикривати тільки чоло, ніс і щоки. Характерною рисою маски дзанні є витягнутий ніс, причому його довжина прямо пропорційна дурості персонажа.
Арлекін (Arlecchino) - дзанни богатого старих Панталоне. Костюм Арлекіна відрізняється яскравістю й строкатістю: він складений з ромбів червоної, чорної, синьої й зеленої квіток. Такий малюнок символізує крайню бідність Арлекіна - його одяг як би складається з незліченної кількості погано підібраних латок. Цей персонаж не вміє не читати, не писати, а по походженню він - селянин, що покинув злиденне село Бергамо, щоб відправитися на заробітки в процвітаючу Венецію. По характері Арлекін - акробат і клоун, тому його одяг не повинна стискувати рухів. Із собою бешкетник носить ціпок, який часто дубасить інших персонажів. Незважаючи на схильність до шахрайства, Арлекіна не можна вважати негідником - просто людині треба якось жити. Він не дуже розумний і досить ненажерливий (любов до їжі виявляється часом сильніше, ніж пристрасть до Коломбіне, а дурість перешкоджає виконанню амурних планів Панталоне). Маска в Арлекіна була чорних кольорів, з лиховісними рисами (по одній з версій саме слово «Арлекін» походить від імені одного з демонів дантовского «Ада» - Alichino). На голові красувався білий фетровий капелюх, іноді з лисим або кролячим хутром.
Коломбина (Columbina) - служниця Закоханої (Inamorata). Вона допомагає своїй господарці в серцевих справах, спритно маніпулюючи іншими персонажами, які нерідко до неї небайдужі. Коломбина відрізняється кокетством, жіночою проникливістю, зачаруванням і сумнівною чеснотою. Одягнено вона, подібно своєму незмінному залицяльникові Арлекінові, у стилізовані кольорові заплатки, як і покладено небагатій дівчині із провінції. Голівку Коломбіни прикрашає білий капелюх, під кольори фартуха. Маски в неї ні, зате особа сильно нафарбована, особливо яскраво підведені очі.
Бригелла (Brighella) - ще один дзанні, партнер Арлекіна. У ряді випадків Брігелла - це self-made man, що починав без копійки, але поступово нагромадив грошей і забезпечив собі досить комфортне існування. Часто його зображують власником таверни. Брігелла - великий аматор грошей і дамський догідник. Саме ці дві емоції - первісне прагнення й жадібність - застигли на його зеленій напівмасці. У деяких постановках він виступає як слуга, більше жорстокий по характері, чим його молодший брат Арлекін. Бригелла знає, як догодити хазяїнові, але в той же час цілком здатний його надути, не без користі для себе. Він хитрий, пролазливий і може, по обставинах, бути ким завгодно - солдатом, моряком і навіть злодієм.
Його костюм - це білий камзол і штани тих же кольорів, прикрашені поперечними зеленими смужками. Часто має при собі гітару, тому що схильний до занять музикою.
Закохані (Inamorati) - незмінні герої commedia dell' arte, добродії Коломбіни, Арлекіна й інших. Закохані виглядають відірваними від життя, пихатими персонажами. Якщо вони рухаються, то по-балетному, неприродно виставляючи носки. Багато жестикулюють і часто дивляться в дзеркало. Основні риси Закоханих - марнославство, хвороблива увага до власної зовнішності, нервозність, заглибленість у свої почуття й повну непристосованість, якою активно користуються дзанни. Навіть їхні імена звучать пишномовно (чоловіків звичайно кликали Сильвио, Фабріціо, Ауреліо, Ораціо, Оттавіо, Леліо, Леандро або Флоріндо, а жінок - Ізабелла, Фламінія, Вітторія, Сильвія, Лавінія або Ортензія).
Inamorati одягалися завжди по останній моді, преувеличенно ретельно й ошатно. Маски заміняв густий шар макіяжу, завдяки якому ролі Ізабелли й Лелио були доступні далеко не юним акторам.
Панталоне (Pantalone) - одна з найвідоміших венеціанських масок. Панталоне - це старий богатый купець, що постійно волочиться за яким-небудь жіночим персонажем (завжди - безрезультатно). Цей образ втілював клас, що набирає силу, венеціанської буржуазії. Характерною рисою костюма Панталоне є величезних розмірів гульфик, що символізує його мниму чоловічу силу. Звичайно старий був одягнений у темно-червоний камзол і штани, що обтягають, тих же кольорів, чорний плащ із короткими рукавами й маленькою чорною шапочкою, начебто фески. На поясі в нього висів кинджал або кошель, а взуттям служили жовті турецькі туфлі з гострими загнутими носами. Темно-коричнева маска мала видатний гачкуватий ніс, волохаті сиві брови й такі ж вуси (іноді ще й окуляри). Борода Панталоне стирчала нагору, часом майже стосуючись кінчика носа, що надавало профілю старого особливу комічність. Часто по сюжеті Панталоне хотів женитися на дівчині, у якій був закоханий його син, і загравав з Коломбіной, служницею своєї дочки Ізабелли.
Доктор (Il Dottore) - старий персонаж, близький по характері до Панталоне, звичайно батько одного з Коханців (Inamorati). Зовні Доктор відрізняється тучністю (іноді цей герой воістину величезний), неповороткістю на сцені й важливих манерах людини вченого. Він являє собою пародію на випускників Болонського університету, тому постійно вимовляє зовні багатозначні, але насправді абсурдні латинські фрази (у дійсності, звичайно ж, Доктор ніяких вузів не закінчував). Має схильність до обжерливості й порнографічних жартів, звичайно образливих для жіночої статі. Він такий же скнара, як і Панталоне, однак, на відміну від його - небагатий. Костюм Доктора - це чорна університетська мантія до п'ят, чорні туфлі, панчохи й бриджі й чорна академічна шапочка. Темна маска із сивими клоччастими бровами закривала, як правило, лише чоло й ніс. Щоки актора залишалися відкритими - їх яскраво рум'янили, щоб показати любов персонажа до спиртного.
По сюжеті Доктор часто виступав другом (або суперником) Панталоне.
АНГЛІЯ: УВЕСЬ СВІТ ТЕАТР!
В Англію Відродження прийшло пізно, але було на дивовижу потужним. При цьому англійський Ренесанс був саме театральним. Ніколи - англійське театральне мистецтво і європейський театр взагалі не створювали подібних шедеврів. Піком англійського ренесансного мистецтва стала творчість Шекспіра, що залишається донині самим репертуарним драматургом світового театру. Саме в Шекспірівському театрі відбилася головна особливість англійського Відродження: не стільки відновлення античних мотивів, сюжетів і схем, скільки вихід на новий узагальнюючий філософський рівень. Театр Шекспіра став універсальною, поза історичною моделлю світобудови, де зосередилися вічні проблеми взаємини особистості й суспільства. До речі, цьому в чималому ступені сприяли й гранично умовні постановочні принципи англійського ренесансного театру: основний акцент переносився на значеннєвий зміст і на гру акторів. Це обумовлювало потужний сплеск розвитку й драматургії, і акторського мистецтва.
Англійський Ренесанс можна умовно розділити на три етапи розвитку.
Перший - кінець 15 в. і перші три чверті 16 в. - початковий період формування нового світогляду; у театрі супроводжувався переходом від середньовічного мораліте й інтерлюдії (перехідна форма від мораліте до фарсу) до основних театральних жанрів - трагедії й комедії.
Другий - кінець 16 в. і початок 17 в., до смерті Шекспіра в 1616 - найвищий розквіт англійського театру епохи Відродження.
Третій - від смерті Шекспіра в 1616 до закриття пуританською владою театрів в 1642 - знаменує криза й занепад англійського театру.
Відлік англійського театру Відродження можна вести від аматорських студентських постановок Оксфорда й Кембриджу, де наприкінці 15 - початку 16 ст. ставилися спектаклі латинською мовою. Поворот до професіоналізму відбувся наприкінці 1580-х, коли в англійську драматургію практично одночасно ввійшов цілий ряд драматургів, що одержали прізвисько «університетські розуми»: Роберт Грін, Кристофер Марло, Джон Лили, Томас Лодж, Джордж Пиль, Томас Кид. Майже всі вони мали університетські дипломи Оксфорда й Кембриджу.
П'єси «університетських розумів», сформувавши літературно-філософську концепцію твердження індивідуальності, могутності людської особистості, підготували поява Вільяма Шекспіра.
Три етапи, на які прийняте ділити творчість Шекспіра, гранично яскраво відбили трансформацію загальної ідеології Ренесансу - від тріумфально-радісної віри в гармонію до втомленого У театрі Шекспіра пошуки щастя й гармонії невіддільні від усвідомлення трагізму життя, а замилування людиною, "вінцем Вселений ний, вродою всього живучого", - від розуміння подвійності людської натури, що сполучить у собі світло й морок, добро й зло, чорне й біле. Світлі, життєстверджуючі комедії ("Приборкування перекірливої", "Багато шуму з нічого")і філософські п'єси ("Гамлет","Король Лір"), приправлені горі чию мудрості, розділяють усього не скільки років. Однак саме ці зміни в драматургії великого англійця відбили еволюцію ідей Відродження: від безоглядної радості до трагічного усвідомлення, що "століття вивихнуть" і обрушив на людину "ціле море лих". Будучи сам актором, Шекспір ні коли не забував, що пише для сцени. Драматична дія повинне бути видовищна, динамічна й ефектним; важлива роль приділялася слову. Шекспірівський театр обходився без декорацій. На площадку поміщали предмети, необхідні по ходу п'єси (столи, крісла, ослони, іноді бутафорські дерева).
Велике значення мала в театрі Шекспіра музика. Актори грали на різних музичних інструментах: гобоях, скрипках, барабанах, | лютнях, тамбуринах. У дію включалися спів і танці - це прикрашало спектаклі, надавало поданням святковість. Лондонський пейзаж з театром "Глобус
Але головним в англійському театрі епохи Відродження залишався актор. Його голос, пластика, міміка, темперамент заворожували глядачів, змушували повірити в істинність того, що відбувається на сцені. Своїм мистецтвом актори будили уяву публіки, заражали непідробленими веселощами або, навпроти, змушували випробовувати гнів і зі страждання. Зіркою трупи театру"Глобус" був Річард Бербедж (близько1567-1619). Жіночі ролі виконували молоді чоловіки, і деякі з них досягали чудових успіхів.
Театр Шекспіра став вершиною розвитку художньої культури Англії кінця XVI - початку XVII в. Саме в англійському театрі був переборений розрив між літературною драмою й сценою, на відміну від театру італійського, де ця про пащу зберігалася довгі роки.
Театр в Англії із самого початку формується як приватне підприємство - ним займаються підприємці. Вони будували театральні будівлі, які здавали внайми акторським трупам. За це власник одержував велику долю зборів зі спектаклів. Але існували й акторські товариства на паях. На таких початках будувалася трупи, у якій був Шекспір. Не всі актори трупи були пайовиками - актори переможніше були на платню й у поділі доходів не брали участь. Таке було положення акторів на другорядних ролях і підлітків, що грали жіночі ролі.
Кожна трупа мала своїх драматургів, що писали для неї п'єси. Зв'язок авторів з театром була досить тісною. Саме автор роз'ясняв акторам як варто ставити п'єсу. Матеріальне становище драматургів, що працювали на підприємців і жили тільки на літературний заробіток, було досить важким. Актор-пайовик і драматург Шекспір зміг домогтися більше сприятливих умов для своєї творчості. Крім того, у нього були заступники - значні суми він одержав від графа Саутгемптона. Але в цілому праця драматурга цінувався низько й оплачувався погано.
Спеціальні театральні приміщення з'явилися в останній чверті XVI сторіччя. Початок будівництву постійних театрів поклав Джемі Бербедж, що спорудив в 1576 році приміщення для театральних подань, що він назвав «Театр». У Лондоні з кінця XVI століття було три види театрів - придворний, приватний і публічний. Вони розрізнялися по складу глядачів, по пристрої, репертуару й стилю гри.
Театр «Глобус» був восьмигранним. Його зал для глядачів являв собою овальну площадку, обнесену високою стіною, по внутрішній стороні якої йшли ложі для аристократії. Над ними розміщалася галерея для заможних громадян. Глядачі стояли навколо трьох сторін площадки. Деякі привілейовані глядачі сиділи на самій сцені. Театр уміщав до 2000 чоловік. Плата з усіх стягувалася при вході. Що бажали зайняти місця на галереї платили за це додатково, так само як і глядачі, що сиділи на сцені. Останні повинні були платити більше всіх. Спектаклі йшли при денному світлі, без антрактів і майже без декорацій. Сцена не мала завіси. Її відмінною рисою був сильно, що виступав уперед просценіум, і балкон у глибині - так звана верхня сцена, де також розігрувалося дію спектаклю. Сценічна площадка вдавалася в зал для глядачів - публіка оточувала її із трьох сторін. За сцени перебували артистичні вбиральні, склади реквізиту й костюмів. Сцена являла собою поміст висотою біля одного метра над підлогою залу для глядачів. З артистичного приміщення був вхід під сцену, де був люк, через який з'являлися «примари» (наприклад, тінь батька Гамлета) і куди провалювалися грішники, що призначалися для пекла (як Фауст у трагедії Марло). Просценіум був порожнім. У міру необхідності сюди виносили столи, стільці та інше, але по більшій частині сцена англійського театру була вільна від реквізиту. Сцена ділилася на три частини: передню, задню, верхню. На задній було три двері, куди входили й виходили актори. Над задньою сценою перебував балкон - у хроніках Шекспіра на балконі з'являлися персонажі й передбачалося, що вони перебувають на стіні замка. Верхня ж сцена була трибуною або зображувала спальню Джул`єтти. Вище верхньої сцени містилася будова, що називалося «хатиною». Воно й за формою нагадувало будиночок. Тут було одне або два вікна, які служили для тих сцен, де по ходу дії персонажі розмовляли з вікна, як Джульєтта в другому акті трагедії. Коли в театрі починалося подання, на даху хатини вивішувався прапор - він був далеко видний і служив розпізнавальним знаком того, що в театрі дається спектакль. В XX столітті не раз режисери будуть вертатися до принципів бідного й аскетичного театру часів Шекспіра, аж до експерименту по розміщенню глядачів на сцені.
Писаних декорацій у театрі «Глобус» було дуже мало. Театр допомагав глядачеві розуміти що відбувається, вивішуючи, наприклад, таблички з написами - з назвою п'єси, з позначенням місця дії. Багато чого в цьому театрі було умовним - те саме місце зображувало те одну частину поля, те іншу, то площа перед будівлею, то приміщення усередині його. По перевазі з мов героїв глядачі судили про зміну місця дії. Зовнішня бідність театру жадала від публіки активного сприйняття спектаклю - драматурги, у тому числі й Шекспір, розраховували на уяву глядачів.
Театр виховував уяву публіки, довіряв їй, і вона не вимагала повної матеріалізації всього, що чула з вуст акторів. Можна затверджувати й те, що акторське мистецтво епохи стояло на великій висоті. Вся блискуча драматургія Шекспіра залишилася б неоціненої, якби актори не зуміли донести її до глядачів.
В історії театру «Глобус» займає місце настільки почесне саме тому, що він був «сучасником» Шекспіра. У театрі Шекспіра пошуки щастя й гармонії невіддільні від усвідомлення трагізму життя, а замилування людиною, "вінцем Вселений ний, вродою всього живучого", - від розуміння подвійності людської натури, що сполучить у собі світло й морок, добро й зло, чорне й біле. Світлі, життєстверджуючі комедії ("Приборкування перекірливої", "Багато шуму з нічого")і філософські п'єси ("Гамлет","Король Лір"), приправлені горі чию мудрості, розділяють усього не скільки років. Однак саме ці зміни в драматургії великого англійця відбили еволюцію ідей Відродження: від безоглядної радості до трагічного усвідомлення, що "століття вивихнуть" і обрушив на людину "ціле море лих". Будучи сам актором, Шекспір ні коли не забував, що пише для сцени. Драматична дія повинне бути видовищна, динамічна й ефектним; важлива роль приділялася слову. Шекспірівський театр обходився без декорацій. На площадку поміщали предмети, необхідні по ходу п'єси (столи, крісла, ослони, іноді бутафорські дерева).