Внешнеэкономических связей, экономики
| Вид материала | Учебно-методическое пособие |
- М. В. Ломоносова Экономический факультет Магистратура Направление «Менеджмент» Программа, 246.76kb.
- Курс II уровень курса Магистратура Тип курса По выбору Семестр(ы), 15.71kb.
- Понятие, формы и способы осуществления внешнеэкономических связей. Предпосылки развития, 35.78kb.
- В г. Тольятти Экономический факультет Кафедра «Мировой экономики» методические рекомендации, 282.77kb.
- Состав, 21.24kb.
- В г. Калининграде А. Котенко Страхование Методические указания, 527.88kb.
- В г. Дзержинске Нижегородской области факультет: юридический Курсовая, 263.16kb.
- Информационное письмо о Всероссийской научно-практической конференции, 162.21kb.
- Понятие, формы и способы осуществления внешнеэкономических связей. Предпосылки развития, 1636.83kb.
- Практическое пособие для предпринимателей г. Ростов-на-Дону 2008г. Оглавление, 1634.23kb.
АНТИЧНАЯ ЭСТЕТИКА: ОСНОВНЫЕ ЭСТЕТИЧЕСКИЕ ТЕОРИИ
Для мироощущения античности вообще и для древней эстетики в частности характерен подчеркнутый космологизм. Космос, по представлениям древних философов, отличается гармоничностью, соразмеренностью и выступает как воплощение наивысшей красоты. Всё остальное наделялось красотой лишь в той степени, в какой оно приближалось к этой абсолютной гармонии; вещь, созданная человеком, рассматривалась лишь как подражание природе.
Учение пифагорейцев отличалось двойственным характером: религиозным и научным. Двойственный характер их учения отразился и на эстетических воззрениях. С одной стороны, в эстетике Пифагора присутствует математическая тенденция (пропорция и мера), с другой стороны, религиозная (искусство, музыка и её воздействие на душу человека).
Именно Пифагор вводит понятие космоса, которое предполагает понимание мира как упорядоченного единства. Взгляд пифагорейцев на мир был эстетическим по своей сути – основополагающими в их философской системе были понятия именно эстетические: гармония, пропорция, мера. Принципами бытия у них выступали принципы математики. Так, они установили математическую закономерность в акустике: струны звучат гармонически или дисгармонически. Гармоническое звучание обусловлено длиной струн, соответствующей простым числовым отношениям. При соотношении 1:2 они дают октаву, при соотношении 2:3 – квинту, а когда длина в соотношении 1:2/3:1/2, то возникает гармонический аккорд. Гармония объясняется пропорцией, мерой, числом.
Гармония – свойство космоса, поэтому она рассматривалась ими в космологии, а не в особой научной отрасли знаний, какой позже стала эстетика. Гармония объективно обусловлена правильностью, порядком, регулярностью, она представляет собой математическую систему.
Наибольшее влияние на теорию прекрасного (гармонию) у пифагорейцев оказала музыка. Она считалась особым даром богов. Ритмы, по пифагорейцам, заключены в природе и свойственны человеку от рождения, так как произвольно придумать их человек не в состоянии. Душа человека высказывается с помощью музыки, поэтому ритмы являются своеобразным портретом психики.
В философии Сократа и софистов представлена антропологическая эстетика. В этот период развития человеческой мысли появился пристальный интерес к человеку. У софистов прекрасное не объективно – оно полностью зависит от человека. Ключом ко всей философии софистов и к их эстетике является выражение Протогора: «Человек – мера всех вещей».
Софисты разрабатывали диалектику понятий прекрасного и безобразного. Они первыми в античной эстетике поставили специфические эстетические проблемы.
Сократ рассматривал прекрасное как общее понятие, отличая его от отдельных прекрасных вещей. По мнению Сократа, прекрасное всегда полезно, так как нет красоты самой по себе: все вещи могут быть одинаково и прекрасны, и безобразны – часто в зависимости от их полезности. Идея красоты у Сократа как непосредственно присущая сознанию человека.
Платон придерживался иной точки зрения: прекрасное запредельно чувственному миру, оно предельно объективно; оно – вид, или идея, истинно сущее бытие. Всего прекраснее и совершеннее космос в своем предельном, идеальном выражении. Поскольку прекрасное – это идея, то есть высший род бытия (в платоновской онтологической иерархии) то оно не может быть постигнуто только чувствами – оно постигается посредством ума, интеллектуальной интуиции.
У Аристотеля сферу эстетики преимущественно определяет искусство. Он охарактеризовал искусство как человеческую деятельность: «Через искусство возникают те вещи, форма которых находится в душе». Подразделяя человеческую деятельность на изучение, действие и созидание, Аристотель относил искусство к созиданию и считал, что оно основано на правилах.
Целью искусства, согласно Аристотелю, является помощь в достижении высшей цели человека – счастья. Искусство созидает желанный образ жизни. При этом важным элементом воздействия искусства является удовольствие: умственное (например, от поэзии) и чувственное (музыка, изобразительное искусство).
Античное искусство – начальный этап развития европейской художественной культуры и, в частности, литературы, в рамках которой была выдвинута концепция: герой живет и борется в прекрасном и трагическом мире, полном роковых обстоятельств. Античность нашла гармоничное сочетание общего и индивидуального в характере героя и гармоничное единство характера и обстоятельств. Эта гармония способствовала развитию в искусстве как комического, так и трагического. Возникла и стала развиваться тема социального бессмертия погибающего героя и невозместимости его утраты, что легло в основу развития жанра трагедии.
В целом античная эстетика оказала большое влияние на последующую эстетическую мысль, заложив основы понимания многочисленных эстетических категорий, что сыграло важную роль в становлении и дальнейшем развитии эстетики и искусства.
ЭСТЕТИКА СРЕДНЕВЕКОВЬЯ
Средневековая эстетика глубоко теологична: все основные эстетические понятия находят свое завершение в Боге.
На формирование эстетики раннего средневековья оказали влияние взгляды Аврелия Августина (354 – 430), который прекрасно относится к земному, чувственному миру, остро и глубоко ощущал его красоту, но в то же время, будучи христианином, считал, что зримая земная красота имеет совершенно иное качество, нежели красота божественная.
Августин обратил внимание на соотношение прекрасного (красоты) и безобразного. Красота для него всегда отождествлялась с формой, а формой всякой красоты выступало единство. Понятие о единстве стало основой эстетики Аврелия Августина. Кроме единства, философ связывал с понятием красоты соразмерность и порядок. Его также интересовала такая проблема, как эстетическое восприятие, в частности восприятие человеком прекрасного. Он выделял чувственное и интеллектуальное восприятие.
В произведениях средневекового искусства все персонажи абсолютно подчинены Богу, вверяют себя его воле. Часто в ход развития сюжета вмешиваются чудесные и волшебные силы, которые необходимы средневековому художнику и с точки зрения идеологии (отражение господствующего мировоззрения), и с позиций художественности (персонажи, уповая на Бога, часто прекращают борьбу, действие готово остановиться – и тогда его толкает новая пружина: волшебство). Ведущей категорией средневековой эстетики выступает возвышенное, тогда как в античной эстетике такой категорией было прекрасное.
Особый акцент в произведениях средневековья делался на изображении сверхъестественного, чудесного, потустороннего. Главное место в эстетической системе занимает божественная красота, воплощающаяся в «зримых образах» – в единстве, целостности, порядке, форме. При этом видимая, зримая красота осмысливается как символ невидимой: прекрасное определяется как «нечто незримое, становящееся зримым» и этим доставляющее созерцающему ее «невыразимое наслаждение». Таким образом, в эстетике средневековья начинают осознаваться как объективные, так и субъективные аспекты прекрасного.
К античным представлениям об искусстве как о специфической духовной и практической деятельности в средние века добавляются идеи о месте и функциях искусства в религиозной жизни человека. Художник трактуется как посредник между божественным Логосом и людьми. Особое внимание уделяется религиозному содержанию изобразительного искусства, которое наделяется тремя основными функциями: 1) «книга для неграмотных»; 2) увековеченье исторических событий; 3) украшение интерьеров храмов. В этой связи красоту архитектуры видят не в архитектурно-конструктивных решениях элементах, а прежде всего в украшении храма: инкрустации, росписях, витражах, декоративно-прикладном искусстве.
В средние века церковь оказывает определяющее влияние на искусство. Личность художника устремлена к неземному, возвышенному; этому наиболее полно соответствует соборная архитектура и иконопись. Устремленность к Богу обретает зримое, материально-пространственное выражение в формах готического собора. В этой связи стимулируется развитие архитектуры, которая обеспечивается всеми необходимыми материально-техническими средствами.
Прекрасное в средневековой эстетике было определено через субъект-объектное отношение: прекрасно то, что «нравится само по себе», доставляет наслаждение в процессе неутилитарного созерцания вещи. Тем самым в определении прекрасного был закреплен момент относительности. В то же время утверждалось, что наслаждение при созерцании могут доставлять только вещи, обладающие определенными объективными свойствами: «должная пропорция и блеск»; соответствие частей целому, а целого – назначению вещи; выражение во внешней форме сущности вещи; гармоничность, упорядоченность, соразмерность, доброцветность, соответствующая величина. Красота осмысливается как сияние и просвечивание «формы» (идеи) вещи в ее материальном облике. Много внимания уделяется математическим (числовым и геометрическим) аспектам прекрасного и одновременно вопросам эстетического переживания, наслаждения.
Безобразное также определяется через субъект-объектное отношение – как то, что вызывает отвращение.
Средневековая поэтика провозгласила четыре плана содержания литературного произведения, соответственно трактуемого в четырех смыслах: 1) грамматическом, или буквальном; 2) аллегорическом (иносказательном); 3) моральном (нравственно-этическом); 4) воспитательном. Ю. Б. Борев отмечает, что художественная концепция в эпоху средних веков включала в себя три художественных направления: рыцарский романтизм; сакральный аллегоризм; карнавальный натурализм.
Художественные направления средневекового искусства
Художественные направления средневекового искусства объединяют историческая реальность, в рамках которой они возникли, и духовное основание – христианская идеология.
Рыцарский романтизм (искусство Замка): главный персонаж – герой в сражениях, мученик в любви. Рыцарский романтизм представляет собой художественное направление искусства средних веков, освещающее светскую историю современности: события эпохи, важнейшей темой которых выступает рыцарский долг, подвиги героя во имя веры и сюзерена, церкви и короля. Эта тема нашла свое отражение, в частности, во французском эпосе «Песнь о Роланде». Главный персонаж рыцарского романтизма – полумученик-полугерой, героизм которого проявляется в сражениях, а мучения – в любви. Данный образ противопоставлен персонажам античного искусства, которое изображало героические характеры, преследуя цель очистить души зрителей посредством страха и сострадания (катарсис) и воспитать свободного гражданина.
Сакральный аллегоризм (литература Монастыря): главный персонаж – мученик, уповающий на волю Бога. Сакральный аллегоризм – художественное направление средневековой культуры, отражающее религиозную художественную концепцию и повествующее о священной истории мироздания; господствующая тема – жизнь и мученическая смерть Христа. Средневековое искусство насыщено аллегориями и символами (например, символика цвета в византийской живописи; аллегоричность скульптурных фигур в соборе Парижской богоматери).
Сакральный аллегоризм противопоставлен античному мифологическому реализму и выдвигает сверхъестественное взамен естественного (сверхъестественное и потустороннее (возвышенное) устрашает и внушает религиозный трепет). При этом взамен античного героя сакральный аллегоризм выдвигает мученика; это хорошо видно при сопоставлении образов Прометея и Христа. Взамен античного очищения (катарсиса) сакральный аллегоризм проповедует утешение.
В средневековой художественной культуре земной мир представлялся символом мира сверхчувственного; основным духовным качеством, утверждаемым в искусстве, стало благочестие. При этом все явления и поступки человека в средневековом художественном сознании сопоставлялись с глобальным конфликтом добра и зла. История мира предстает как некий единый всемирно-исторический спектакль спасения.
В каждом виде искусства средневековья имелись свои наиболее характерные формы: в литературе – жития святых; в архитектуре – собор; в живописи – икона; в скульптуре – изображения Христа, богоматери и святых.
Карнавальный натурализм (искусство Города) как художественное направление искусства средневековья выражает народную смеховую культуру, содержащую в себе идею вселенского обновления. Комедийно-праздничная, неофициальная жизнь общества – карнавал – несет радостное жизнеутверждение.
Карнавальный смех – это праздничный смех, характеризующийся всенародностью (смех на миру); универсальностью (направленностью абсолютно на всё и на всех); амбивалентностью (он веселый, ликующий, жизнеутверждающий – и при этом высмеивающий, отрицающий); самокритичностью (направлен и на самих смеющихся). В этот исторический период объем смеховой культуры был огромен, включая в себя площадные празднества, смеховые обряды и культы, шутовство, пародийную литературу и под. Проявления смеховой культуры имели следующие формы:
1) обрядово-зрелищные формы: праздники дураков, вольный пасхальный смех, площадные смеховые действия; смеховые стороны церковных праздников; сельскохозяйственные праздники; шутовство. Все они носили подчеркнуто неофициальный характер. Они как бы строили второй мир, отличный от официального (освященного церковью) мира. Эти формы носили подчеркнуто внецерковный и внерелигиозный характер; в них чрезвычайно силен игровой элемент. Они имели праздничный характер и отменяли все иерархические отношения, стирая все социальные границы общения;
2) словесные смеховые произведения; вся светская литература этого периода проникнута карнавальным мироощущением, пользуется языком карнавальных форм и символов, пародией. Существовал достаточно обширный пласт пародийной литературы на рыцарские романы (на латинском языке).
3) фамильярно-площадная речь; для народной смеховой культуры характерно наличие такого пласта, который вбирает в себя фамильярность общения, прозвища, взаимные осмеяния, ругательства, клятвы и под.
Карнавал носит вселенский характер – это особое художественно-эстетическое состояние мира, к которому все причастны. Карнавальный смех, уравнивая всех, рушил иерархические, имущественные, сословные, возрастные границы, создавая временное ощущение всечеловеческого братства, свободы и равенства. Карнавал был комедийным праздничным прообразом счастливого, истинно человеческого мира.
Карнавальный натурализм представлял собой не только особый пласт средневековой художественной культуры, но и, неся в себе радостную концепцию мира, отличающуюся от концепции сакрального символизма и рыцарского романтизма, проявил себя как художественное направление средневекового искусства, сыгравшее большую роль в дальнейшем развитии художественной культуры.
ЭСТЕТИКА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ
Для данной эпохи характерно обращение к античному культурному наследию, его как бы возрождение, откуда и возник термин. Культура Возрождения возникла в эпоху, когда старые феодальные отношения разлагались, в наиболее экономически развитых странах и районах Европы (прежде всего в городах Северной и Средней Италии) начали появляться первые ростки раннекапиталистических отношений и из средневекового сословия горожан стали формироваться первые элементы буржуазии. В этих условиях возросшей деловой активности на передний план выдвигалась человеческая личность, обязанная своим положением и успехами не знатности предков, а собственным усилиям, предприимчивости, уму, знаниям, удаче.
В эпоху Возрождения сформировался антропоцентрический взгляд на мир и на искусство: в центре внимания оказался человек, понимаемый отныне как часть природы, как наиболее совершенное её творение. Человек, его переживания, его внутренний мир, его «земная» жизнь становятся главными темами литературы и искусства. В противовес феодально-церковному аскетизму, проповеди пассивности, новая гуманистическая этика превозносила право на естественные, данные природой потребности и склонности, возвеличивала человеческую деятельность. Стал формироваться идеал гармонической, свободной, всесторонне развитой («универсальной») творческой личности. Жизнерадостный оптимизм, представление о безграничных возможностях человека, его воли и разума, «героический энтузиазм» (Дж. Бруно), гармоничность и цельность мироощущения органически присущи гуманистическому мировоззрению в его наиболее классическом выражении, особенно в Италии. На возникновение и характер Возрождения в Италии оказало влияние и то, что её территория ранее была центром античной цивилизации, античное влияние и национальные традиции здесь таким образом сближались.
Как следствие, искусство приобретает высокую социальную ценность. Общий исследовательский дух эпохи был связан со стремлением ученых художников, философов собрать в одно целое, в один образ всю ту красоту, которая растворена в окружающем пространстве, в Богом созданном мире. Философской основой этих взглядов был антропологически переработанный неоплатонизм, который утверждал личность, устремленную к космосу, стремящуюся – и способную! – постичь красоту и совершенство мира, созданного Богом, утвердить себя в этом мире. Такая позиция нашла свое воплощение в эстетических взглядах эпохи.
Причем эстетические исследования велись не столько учеными и философами, сколько практиками искусства – художниками. Общеэстетические проблемы ставились в рамках того или иного вида искусства, преимущественно живописи, скульптуры, архитектуры – тех искусств, которые получили в данную эпоху наибольшее развитие. Однако разделение деятелей возрождения на ученых, философов, художников было довольно условным – все они являлись универсальными и выдающимися личностями: Данте Алигьери, Франческо Петрарка, Джованни Боккаччо, Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонаротти, Тициан, Рафаэль и др.
В эстетике Возрождения значительное место занимает категория трагического. Суть трагического мироощущения заключается в неустойчивости личности, в конечном итоге опирающейся только на саму себя. Трагическое мироощущение великих возрожденцев связано с противоречивостью этой культуры. С одной стороны, в ней присутствует переосмысление античности, с другой – продолжает доминировать, хотя и в модифицированном виде, христианская (католическая) тенденции; наряду с радостным самоутверждением человека в этот период происходит глубочайшее постижение всей трагичности земного существования.
Возрождение как художественная эпоха включает в себя два художественных направления: ренессансный гуманизм и барокко.
Ренессансный гуманизм – это художественное направление эпохи Возрождения, в рамках которого разрабатывалась гуманистическая художественная концепция.
Гуманизм (от лат. humanus – человеческий, человечный) – это исторически изменяющаяся система воззрений, признающая ценность человека как личности, его право на свободу, счастье, развитие и проявление своих способностей, считающая благо человека критерием оценки социальных институтов, а принципы равенства, справедливости, человечности – желаемой нормой отношений между людьми.
Идеи гуманизма имеют длительную предысторию. Мотивы человечности, человеколюбия, мечты о счастье и справедливости можно обнаружить в произведениях устного народного творчества, в литературе, нравственно-философских и религиозных концепциях различных народов начиная с глубокой древности. Но система взглядов гуманизма впервые формируется в эпоху Возрождения. Гуманизм выступил в это время как широкое течение общественной мысли, охватившее философию, филологию, литературу, искусство и запечатлевшееся в сознании эпохи. Гуманизм формировался в борьбе с феодальной идеологией, религиозной догматикой, духовной диктатурой церкви.
Гуманисты, возродив к жизни множество литературных памятников классической древности, использовали их для развития светской культуры и образованности. Они противопоставили богословско-схоластическому знанию знание светское, религиозному аскетизму — наслаждение жизнью, уничижению человека — идеал свободной всесторонне развитой личности. В XIV – XV вв. центром гуманистической мысли была Италия (Ф. Петрарка, Дж. Боккаччо, Лоренцо Балла, Пикоделла Мирандола, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело и др.), затем гуманизм распространяется и в других европейских странах одновременно с движением Реформации. Многие великие мыслители и художники того времени внесли свой вклад в развитие гуманизма – М. Монтень, Ф. Рабле (Франция), У. Шекспир, Ф. Бэкон (Англия), Л. Вивес, М. Сервантес (Испания), У. Гуттен, А. Дюрер (Германия), Эразм Роттердамский и др. Гуманизм эпохи Возрождения был одним из главных выражений того переворота в культуре и мировоззрении, который отражал начавшееся становление капиталистических отношений.
Ренессансный гуманизм открыл индивидуальность человека и утвердил его мощь и красоту. Героем данного художественного направления стала титаническая личность, свободная в своих действиях. Ренессансный гуманизм – это свобода личности от средневекового аскетизма. Изображение обнаженной натуры, красоты человеческого тела стало зримым и сильным аргументом в борьбе с аскетизмом.
Античные философы объясняли мир мифологически, стихийно-диалектически; в средневековье мир объяснялся через Бога – а ренессансный гуманизм стремился объяснить мир из него самого. Мир не нуждается ни в каком потустороннем обосновании; он не объясняется волшебством или злыми чарами. Причина состояния мира в нем самом. Девизом ренессансного гуманизма стало стремление показать мир таким, каков он есть, объяснить всё происходящее в нём изнутри, из его собственной природы.
Исследователи так сформулировали основную особенность ренессансного гуманизма: художественный образ колеблется между идеальным и жизненно-реальным, возникает в пункте встречи идеального и жизненно-реального.
В эпоху Возрождения, начиная с Бокаччо и Симоне Мартини, катарсис как очищение зрителя страхом и состраданием сменяется очищением красотой и наслаждением.
Ренессансный гуманизм сосредоточил внимание на действительности, превратил её в поле деятельности и провозгласил земной смысл жизни: цель жизни человека – в нем самом и в самой жизни. В рамках этого направления сформировался новый тип героя – с активным характером и свободой воли.
Эта художественная концепция жизни заключала в себе две возможности:
1) эгоцентрическое сосредоточение личности на себе;
2) выход человека к человечеству.
В дальнейшем художественном развитии эти возможности будут реализованы в разных ветвях искусства.
В период Позднего Возрождения многие ренессансные идеалы и нормы значительно трансформировались. В условиях острых классовых столкновений, победы в одних странах феодально-католической реакции, а в других — протестантизма (который, утвердившись, проявил себя столь же нетерпимым к гуманистическому свободомыслию, как и католическая церковь) наступает кризис ренессансного гуманизма, связанный и с осознанием антигуманистических черт складывавшегося буржуазного общества. Рушится оптимистическая (и утопическая) вера гуманистов в то, что возникающее новое общество благоприятно для свободного развития человека. В культуре Возрождения, возникшей на народной основе, тесно связанной с народными традициями, по сути своей антифеодальной и антицерковной, усиливаются аристократические тенденции.
Кризис гуманистической культуры Возрождения, её «аристократизация» находят отражение в возникновении (в Италии уже с 20-х гг. XVI в.) маньеризма и родственных ему стилевых направлений.
Маньеризм – художественное направление, художественная концепция мира и личности которого сводилась к тому, чтобы показать изысканно элегантного человека в мире беззаботности и вычурной красоты. В его рамках возникает так называемая прециозная литература – французская национальная форма маньеризма как художественного направления эпохи возрождения. Для данного направления были характерны орнаментальность языка, оригинальный синтаксис, усложненная речь, экстравагантные персонажи. Прециозная литература обладала такими качествами, как утонченность, аристократичность, изысканность, светскость, куртуазность.
Барокко – термин, охватывающий целый исторический период развития художественной культуры, порожденный кризисом эпохи Возрождения и ренессансного гуманизма; художественное направление, существовавшее в период между Возрождением и классицизмом (XVI – XVII вв., в некоторых странах – до XVIII в.). Теоретической базой барокко стали философский скептицизм М. Монтеня и моральный релятивизм Шаррона.
Барочная художественная мысль «дуалистична»: барокко возрождает дух позднего средневековья и противостоит монизму Возрождения и Просвещения. Барокко стимулировало развитие как сакрального, так и светского (придворного) искусства.
Барокко – художественное направление эпохи Возрождения, отражающее кризисную для данной эпохи концепцию мира и личности, утверждающую экзальтированного, гуманного скептика-гедониста, живущего в неустойчивом, неуютном, несправедливом мире. Герои барокко – это или экзальтированные мученики, разуверившиеся в смысле и ценности жизни, или полные скепсиса утонченные ценители ее прелести.
Художественная концепция барокко гуманистически ориентирована, однако социально пессимистична и полна скепсиса, сомнений в возможностях человека, ощущения тщетности бытия и обреченности добра на поражение в борьбе со злом. Данная концепция проявляется через систему образов, особый стиль, через утверждение «человека барокко», через особые формы быта и культуры, через «барочный космизм». Произведения барокко проникнуты трагическим пафосом и отражают смятение человека, оглушенного феодальными и религиозными войнами, мечущегося между отчаянием и надеждой и не находящего реального выходы из исторической ситуации.
В барокко трагическое перерождается в ужасное, а героическая готовность ренессансного героя к смертельной борьбе оборачивается биологическим инстинктом самосохранения. Человек трактуется как жалкое существо, без разумного назначения появившееся на свет, которое, умирая, наполняет мир своим предсмертным криком безысходной тоски и слепого ужаса. Трагический герой барокко находится в экстатическом (восторженном, исступленном, в состоянии экстаза) состоянии, он добровольно принимает смерть. Тема самоубийства, развиваемая в барокко, отражает разочарование в жизни и скептическое отношение к ней.
Вместе с тем барокко – не иррациональный стиль; это интеллектуальное, чувственное искусство, внутренне напряженное и поражающее воображение сочетанием идей, образов и представлений. Шедевры барокко тяготеют к диковинной форме (по одной из версий, термин барокко первоначально имел значение ‘жемчужина неправильной формы’).
Барочное художественное мышление усложнено, подчас вычурно. Произведения барокко примиряют человека с дисгармонией и противоречивостью бытия, создают впечатление неисчерпаемой энергии, отличаются экстравагантной вычурностью, изысканной пышностью, эксцентричностью, избыточной цветистостью, аффектацией, демонизмом, живописностью, декоративностью, орнаментализмом, театральностью, фееричностью, перегруженностью формальными элементами, гротескностью и эмблематизмом (условное изображение какой-либо идеи), пристрастием к самодовлеющим деталям, антитезам, метафорам, гиперболам.
Барочные метафоры подчинялись принципу остроумия («изяществу ума»). Художники барокко привержены к энциклопедической учености и вбирают в свое творчество внелитературный материал (предпочтительно экзотический). Они тяготеют к «натурализму» – обостренному вниманию к деталям, обилию буквальных подробностей.
Барокко – это отказ от конечного во имя бесконечного и неопределенного, принесение гармонии и меры в жертву динамизму, акцент на парадоксе и неожиданности, на игровом начале. Барокко присущи дуализм, возрождение духа позднего Средневековья и противостояние монизму Ренессанса и Просвещения.
В музыке барокко нашло свое выражение в произведениях Вивальди; в живописи барокко представлено в работах Караваджо, Рубенса. В архитектуре барокко воплотилось в творчестве Беррини.
Карло Мадерна Церковь Святой Сусанны, Рим
Архитектурные произведения барокко монументальны и полны мистических аллегорий. Архитектуре барокко присущи выразительный, внутренне сбалансированный вычурный стиль; неправильные формы; странные сочетания; причудливые композиции; живописность, пышность, пластичность, иррациональность, динамизм; смещение центральной оси в композиции здания, тяготение к асимметричности. Архитектура барокко концептуальна: мир неустойчив, всё переменчиво – уже нет ренессансной свободы личности, но ещё нет классической регламентации.
Рококо – художественное направление, близкое по времени и некоторым художественным особенностям к барокко; утверждающее художественную концепцию беззаботной жизни изысканной личности среди изящных вещей.
Наиболее ярко рококо выразился в архитектуре и декоративном искусстве: мебель, роспись на фарфоре и тканях, мелкая пластика.
Для рококо характерны: тяготение к асимметрии композиций, мелкая деталировка формы. насыщенная и вместе с тем уравновешенная структура декора в интерьерах, сочетание ярких и чистых тонов цвета с белым и золотом; контраст между строгостью внешнего облика зданий и деликатностью их внутреннего убранства.
Ринальдиевское рококо: интерьеры Гатчинского замка.