Лори Белилов «Искусство Айседоры Дункан»

Вид материала

Содержание

Margaret morris movement workshop
Марк Фендеш и Иштван Палоши Венгерская школа пластики «Орхестика» и Театр венгерского искусства движения «1 More Movement Theatr
Барбара Островски
Исторический танец
Dance and Movement Analysis – explored in the studio
Аутентичное Движение (authentic movement)
Ирина Викторовна Бирюкова
Танцевально-двигательная импровизация

Подобный материал:

Танец Айседоры Дункан

Лори Белилов «Искусство Айседоры Дункан»

Группа «Искусство Айседоры Дункан» основана в 1989 году танцовщицей, исследователем, хореографом Лори Белилов (США). В ее создании принимали участие люди, которые были близки самой Айседоре, а также историки, критики, специалисты по ее искусству. С их помощью группа освоила и исполняет танцы Дункан в их первоначальной и целостной версии.

Миссия группы – тройственная. Во-первых, ее цель – историческая – воссоздать, сохранить и передать последующим поколениям танцоров и зрителей мастерство танца, технику и репертуар Айседоры Дункан. Во вторых, расширить этот репертуар с помощью современных интерпретаций, сценического дизайна и постановок. Наконец, Лори Белилов и ее группа выступают как исполнители танцев Дункан и своей оригинальной хореографии, созданной в традициях дунканизма. Эти традиции Лори Белилов перенимала непосредственно от первого и второго поколения учениц Айседоры. Уже более двадцати лет Лори Белилов исполняет танцы Дункан и преподает ее технику и репертуар. До того, как стать солисткой Танцевальной компании в честь столетия Айседоры Дункан (Isadora Duncan Centenary Dance Company), которой руководили Джулия Левин и Гортензия Кулурис, Лори училась у приемных дочерей Дункан Ирмы и Анны, а также у дунканистки второго поколения Миньон Гарланд.

Под ее руководством группе удалось добиться признания и пробудить свежий интерес к искусству Дункан у самой широкой зрительской аудитории. Группа много выступает и у себя на родине – во Флориде, Огайо, Северной Каролине, Мичигане, Иллинойсе, Коннектикуте, Айове и Луизиане – и за рубежом, в Венгрии, Бразилии, Англии, Мексике, Корее, Западной Африке и Германии.

Репертуар группы чрезвычайно широк – от ранних лирических вальсов и этюдов Шопена, которые Айседора танцевала в начале 1900-х годов, до ее поздних, трагических соло танцев на музыку Листа и Скрябина. В репертуар группы входят и самые знаменитые вещи Айседоры, принесшие ей первый настоящий успех в Будапеште – «Танец фурий» из оперы Глюка «Орфей и Эвридика» и вальс Штрауса «На голубом Дунае».

Известность пришла к группе после концертных программ, показанных в Сан-Франциско и на Исполнительском салоне в Нью-Йорке. Затем последовали выступления на престижных фестивалях – Риверсайд данс, Экинокс и других. Группа выступала на праздновании 120-летия Дункан в Концертном зале имени С. и Д. Кэев. Лори Белилов снялась в заглавной танцевальной роли в фильме «Айседора Дункан: движение, идущее из души»; фильм получил многочисленные награды.

По отзывам прессы,

«Искусство Айседоры Дункан» – это искусство на века…». Критики отмечают, что диапазон группы чрезвычайно широк – от революционного подъема до пасторальных сцен.

Энн Мёрфи. The Oakland Tribune

Барабара Кейн и Ансамбль танца Дункан «Isadora Duncan Dance Group»

Национальные пластические школы

Джонатан Бюрнетт(Шотландия)

Танцовщик получил подготовку в Королевской балетной школе в Лондоне. Он был солистом и хореографом Ирландского национального театра балета и народного танца, участвовал в мюзикле «CATS», поставленном Королевским театром Карре в Амстердаме; работал в Труппе Линдсея Кемпа. Сейчас преподает в Шотландском национальном центре танца в Глазго. Член Международной ассоциации системы движения Маргарет Моррис, оздоровительной, терапевтической, атлетической и развивающей системы движения.

MARGARET MORRIS MOVEMENT WORKSHOP

Маргарет Моррис (1891–1980) одна из пионеров современного танца в Великобритании 1940-х – 1950-х годов. Она является создателем восстанавливующей, терапевтичной танцевальной системы, основанной на естественных движениях тела, которая распространилась по многим странам мира. Универсальность системы заключается в равновесии между высоко стилизованной техникой, импровизацией и воображением.

Мастер-класс будет посвящен исследованию основополагающим принципам системы Маргарет Моррис, аспектам и особенностям шотландского балета и современного танца. Contemporary Scottish dance work, THE FORSAKEN MERMAID, created in 1937.

Маргарет Моррис начала придумывать первые упражнения для развития танцевальной техники в возрасте 12 лет. В 18 она берёт несколько уроков «греческих позиций» у Раймонда Дункан, брата Айседоры, а годом позже открывает в Лондоне с помощью Джона Голсуорси свою первую школу танца для детей.

Получив классическую балетную подготовку и будучи неудовлетворённой её ограниченностью и искусственностью, она искала технику, которая «не принуждала бы танцовщицу к определённому типу движения» и «была бы способна передавать новые формы движения и композиции». Особенностью подхода Маргарет Моррис, которая была также талантливым художником, являлся, по-видимому, акцент на визуальном выстраивании композиции, формы, линий и цвета в движении и танце.

Маргарет Моррис была заметной фигурой в культурной жизни Великобритании; в работе над её постановками участвовали многие художники и композиторы, а открытый ею и её мужем, художником Дж. Д. Фергуссоном, «Новый клуб искусств» в Глазго был многие годы центром притяжения культурной элиты.

В 1947 году Маргарет Моррис создала в Глазго профессиональную труппу «Кельтский балет Шотландии», в постановках которой соединились её техника современного танца и традиционные шотландские формы народного танца. Труппа имела успех в Великобритании и за её пределами; в конце 50-х гастролировала в Советском Союзе.

Считая танец видом искусства, наиболее близким к повседневной жизни, Маргарет Моррис развивала свою систему движения (Margaret Morris Movement) не только как систему подготовки танцоров, но и как систему оздоровления, физического и творческого развития для людей всех возрастов, возможностей и способностей. В 1925-1926 годах она провела первые лекции-демонстрации для докторов и акушерок, а также занималась в больницах с выздоравливающими и детьми-инвалидами; в 1936 году написала в соавторстве одну из первых мире работ по танцедвигательной терапии. Её система использовалась при подготовке спортсменов и военных. С 1962 г. Маргарет Моррис работала над совершенствованием своей системы в основном как оздоровительной и развивающей танцевальной практики.

В настоящее время школы Margaret Morris Movement активно действуют во многих городах Великобритании, а также во всех частях света.

Марк Фендеш и Иштван Палоши Венгерская школа пластики «Орхестика» и Театр венгерского искусства движения «1 More Movement Theatre»

Основан в 1995 году Марком Феньешем и Иштваном Палоши. Первая работа, «Вариации Желания», была показана в Будапеште в 1998 году.

Восстановление венгерской пластической школы стало задачей группы из Будапешта «1 More Movement Theatre» и Фонда Орхестики, созданного для сбережения культурного наследия Валерии Дьенеш. В Венгрии, как и в других странах, свободный танец вызвал к жизни национальные пластические школы. Увидев выступления Дункан в Будапеште, Валерия Дьенеш (Valéria Dienes), как и ее российские современницы, поняла неисчерпаемые возможности свободного танца для развития человека. За долгие годы работы – с 1912-го по 1944-й – ей удалось создать свое собственное направление, названное ею орхестикой (Orkesztika) – где нашлось место не только танцу, но и поэзии, истории, религии, хоровому движению, импровизации – наконец, ее собственному методу преподавания. Работу «матери-основательницы» венгерского свободного танца продолжили ученики – Sára Berczik, Eva E. Kovacs, Gedeon Dienes, Agnes Szollosi, Judit Karman и другие.

Несмотря на то, что в коммунистической Венгрии студии свободного танца были запрещены, благодаря усилиям второго и третьего поколения танцоров традицию удалось сохранить.

Работа «Памяти Валерии Дьенеш», созданная к ее 120-летию, была награждена Специальным призом Национального фестиваля искусств в 2000 году. Хореографическая работа «Без крыльев» была удостоена Приза зрителей Седьмого альтернативного театрального ревю 2001). На следующем фестивале в 2002 г. новая работа театра – Вариации (Нарцисс и Эхо) – получила приз зрительских симпатий.

На фестивале «Московское действо», кроме собственных композиций, коллектив покажет восстановленную хореографию Валерии Дьенеш и этюды ученицы Дьенеш Сары Бержик. Этюды, премьера которых состоялась в 1941 году, реконструированы непосредственными учениками танцовщицы.

Марк Феньвеш (Mark Fenyves)
Актер пластического театра и хореограф, Марк Феньеш закончил Курсы по эстетическому физическому образованию и кинетологии Венгерского общества культуры движения в 1997 году и университет прикладного искусства в 1998 году. Занимается в Венгерской академии танца, где специализируется на преподавании танца модерн. Учился также у Марии Татаи, Эвы Галик, Сары Бержик, Гедеона Дьенеша и других. Выступает с 1987 года. Он – основатель и художественный руководитель Школы Дункан-Дьенеш (1997) и Театра движения «1 More Movement Theatre».

Иштван Палоши (István Pálosi)
Танцовщик, хореограф, актер пластического театра, Иштван Палоши учился в Венгерской академии танца и Высшей школе Фолькванг в Эссене, в настоящее время готовится стать преподавателем танца модерн в Венгерской академии танца. Занимался с представителями венгерской пластической школы; получил стипендию для обучения пластике в Берлине. Один из основателей и директор Театра движения «1 More Movement Theatre». Начиная с 1994 года, Иштван Палоши сотрудничал с многими театрами, в том числе с Театром Орхестики, Театром Талии, труппой «Декаданс», для которых создавал оригинальные хореографические композиции. Вместе с Гедеоном Дьенешем занимается исследовательской работой в области истории пластических школ в Венгрии.

They draws upon the Hungarian modern dance traditions, mingled with a contemporary way of individual thinking. This combination results in a unique classico-modern style of dance and represents a specifically new Hungarian callisthenic movements. They are the authentic representatives of the almost hundred-year-old modern dance traditions of Hungary (usually referred to as “art of movement”).
Márk Fenyves and István Pálosi will teach their experiences about Hungarian art of movement at the master-class

Ритмика Эмиля Жака-Далькроза

Каждое третье лето на это важное событие в Швейцарию съезжаются ритмисты, музыканты, танцоры и просто интересующиеся из разных стран мира. Международные конгрессы ритмики проходят в Институте Эмиля Жака-Далькроза (1865-1950), известного швейцарского композитора и педагога. Это он создал знаменитую систему музыкального воспитания через ритм и тело, поняв, что именно наше тело является инструментом, наиболее чутко реагирующим на ритмические и музыкальные импульсы.

Сегодня «Далькроз-ритмика» – одна из известнейших и популярных методик музыкального образования, наряду с такими авторитетными методами, как система Карла Орфа (Германия), Золтана Кодаи (Венгрия), Сузуки-метод (Япония). По методу Далькроза в Бельгии уже давно учат музыке детей, начиная с ползункового возраста

Эмиль Жак-Далькроз, очень веселый и талантливый человек, был озабочен тем, как скучные и нудные занятия музыкой сделать живыми и интересными. Съездив в Алжир и увидев, с какой грацией и пластикой двигаются танцоры под сложные ритмы, исполняемые народными музыкантами, швейцарец вернулся домой совершенно потрясенный. При помощи азбуки движений, доступных всем – ходьбы, бега, прыжков – он заставляет своих учеников из консерватории, где он преподает, исполнять музыкальный ритм.

Результат был настолько удивительным, что весь мир захотел этому учиться. Буквально за год близ Дрездена (Германия), в Хеллерау, был построен и открыт (в 1911 году) похожий на античный храм Институт Ритма Вся система Далькроза построена на полном отрицании дрессуры, тупого заучивания, одним словом – всего того, чем грешила любая педагогика во все времена. Ритмика Далькроза – это урок, где нет деления на сидящих на первой парте и учеников с галёрки – включаются в работу все. Поэтому и дети, и взрослые после занятий становятся не только музыкальнее, но и меняются внутренне: воспитывается внимание и воля, коммуникабельность, оздоровляется психика. Все это сделало систему популярной и известной во всем мире. Со всех концов света в Хеллерау приезжали учиться, да и просто взглянуть на занятия. Там побывали Поль Клодель, Гордон Крэг, Бернард Шоу, Рудольф Лабан, наши знаменитые соотечественники –Анна Павлова, Вацлав Нижинский, Сергей Дягилев, Фёдор Комиссаржевский, Константин Станиславский.

Первые курсы ритмики в Москве организовала Нина Александрова – одна из любимых учениц Далькроза («девушка с певучими движениями», как называл ее месье Жак). Подобные же курсы в Петербурге возглавил князь Сергей Волконский, внук декабриста, блестящий русский аристократ, писатель, искусствовед и горячий сторонник ритмики Далькроза.

Кристина Штраумер

Основательница и директор объединения «Институт ритмики в Хеллерау» (Дрезден), инициатор и арт-директор семинаров и симпозиумов «Далькроз 2000/2001/2002/2003/2004». Окончила Высшую школу музыки «Карл Мария фон Вебер» в Дрездене с дипломом преподавателя фортепиано и теории музыки. Изучала ритмику на курсах Кристеля Ульбриха, Труди Шоп, Герды Бехли, а также в Высшей музыкальной школе в Дрездене (рук. Брита Гляте), Институте Орфа и Институте Жака-Далькроза в Генфе. С 1982 года преподаёт в Высшей школе музыки в Дрездене, где с 1993 года заведует образованием в области ритмики и элементарного музыкального воспитания. Была приглашенным преподавателем в Университете Лейпцига, Школе логопедии в Хемнице и Высшей королевской школе музыки в Стокгольме. Профессор, автор публикаций по музыкальной педагогике.

Барбара Островски и Ансамбль ритмики Высшей школы музыки им. Г. и К. Башевичей в г. Лодзе

Основатели и хореографы группы – преподаватели отделении ритмики Высшей школы музыки имени Гражины и Кештута Башевичей в г. Лодзе, Польша. Участники группы – студенты, изучающие ритмику как специальность на факультете композиции, теории музыки, эвритмии и художественного образования.

Для создания своей хореографии участники группы выбирают музыкальные произведения с явным эмоциональным содержанием и большой эстетической ценностью. Движение совершается в соответствии со стилем музыки, эпохой, в которую она создавалась, характером, структурой и формой. Главный принцип такой хореографии – мысль Жака-Далькроза о том, что «тело должно стать музыкой». Движение раскрывает разные смысловые уровни музыкального произведения: его звуковой и семантический ряды и его эстетическое значение. Процесс создания хореографии включает разные виды деятельности – слуховую, пространственно-двигательную, интеллектуальную и эмоциональную.

Группа использует в своей работе современные формы – коллаж, хэппенинг, перформанс, – черпая вдохновение в произведениях самых разных композиторов, различных эпох и стилей. Группа выступала в Польше и зарубежом – в центрах ритмики Женеве, Хеллерау, Брюсселе, Стокгольме.

Алексеевская гимнастика

(Гармоническая гимнастика и танец)

Людмила Николаевна Алексеева (1890-1964) – известный педагог, специалист в области искусства движения. Творчество Алексеевой оказало большое влияние на развитие искусства танца, пластики, эстрады, физической культуры в России. Алексеева была продолжателем идей плеяды деятелей новой культуры движения. Отталкиваясь от опыта предшественников, Алексеева настойчиво и упорно искала пути совершенствования методов своей работы.

Школа движения Людмилы Алексеевой родилась в начале века и дожила до наших дней. Её корни идут от школы Дельсарта, гимнастики Демени, танцев Айседоры Дункан. С именем французского оперного певца Франсуа Дельсарта связывают возникновение новых гимнастических систем и нового танца. Он дал импульс множеству школ и последователей, в том числе и ритмической гимнастике Ж. Далькроза. Все эти школы положили начало новой культуре движения.

Алексеевская гимнастика – это естественная форма движения, при которой происходит полное внутреннее раскрепощение тела и духа и которая дает осознание власти над движением своего тела. Тело и дух вступают в самое тесное взаимоотношение. Это такая связь движения и музыки, при которой музыка уносит в какие-то высокие сферы. Немецкий специалист в области движения Рудольф Бодэ это определял так: «...улетать в сверхчувственную даль, в природу», в космос...

Одним из важнейших компонентов гипнотического действия системы Алексеевой на занимающихся ее гимнастикой является органическая связь движений и музыки. Эта связь, эта гармоничность их взаимосочетания достигалась особым подходом к обработке гимнастического материала, в результате которого каждый отдельный элемент (или более или менее сложная совокупность их) превращался в маленькое, но слитное и связанное с определенной музыкой художественное произведение, за которым закрепилось название «гимнастический этюд». Исполнение таких этюдов доставляет значительно большее удовлетворение занимающимся, приобщая их к подлинному искусству, нежели многократное повторение одного какого-либо элемента, только ради тщательного изучения... Органическая связь музыки и движений, характеризующая «этюды» Алексеевой, являет собой великолепный пример перевода с языка звуков на язык движений. И хотя перевод этот и является адекватным каждому музыкальному произведению, на которое он сочинен (как со стороны его формы, так и со стороны внутреннего содержания), – он, этот перевод, так же представляет собой некую тайну, как и музыка, легшая в его основу.

Инесса Кулагина

Руководитель Студии художественного движения, - научный сотрудник Института художественного образования РАО, известный педагог, автор научно-методических статей и программ. В её «послужном списке» участие в фестивалях и концертах памяти Айседоры Дункан, мастер-класс в Париже и Будапеште, участие в качестве хореографа в спектакле театра Российской армии, выступления на престижных сценических площадках столицы.

Инесса Кулагина пришла в Студию Алексеевой в ноябре 1964 года. Занималась у учениц Алексеевой. В мае 1965 года участвовала в концерте, посвященном памяти Л. Н. Алексеевой. В 1971 году Инесса Кулагина начинает работать в Доме учёных РАН с соратником и концертмейстером Алексеевой с 1927 года Андреем Родионовым. Постижение глубины и значительности данной системы движения проходило в процессе многолетней совместной работы.

Студия художественного движения Центрального Дома учёных РАН начала свою работу в октябре 1971 года. Основателем Студии был Андрей Владимирович Родионов, бессменный концертмейстер Л. Н. Алексеевой в течение 30 лет. Занятия в Студии проводятся по методу Людмилы Николаевны Алексеевой (1890-1964).

В Студии уже сложились свои традиции – передача опыта и знаний от старших младшим ученицам. Некоторые старшие воспитанники начали самостоятельную педагогическую деятельность. Каждый год учащиеся Студии выступают с отчетными концертами. Старшие ученицы много выступают на разных сценических площадках как в России, так и за рубежом. В 1993 году на Международном фестивале Памяти Айседоры Дункан в Москве, в 1994, 1996 годах в Париже, в 2002 в Будапеште. В 1997 году руководитель Студии Инесса Кулагина принимала участие, танцевала в юбилейном концерте в Париже, посвященном 120-летию А. Дункан.

В Студии не только сохраняются традиции «алексеевской» гармонической гимнастики, но и передаются из поколения в поколение, проводится большая работа по дальнейшему развитию наследия Л. Н. Алексеевой. Сочинено много упражнений и этюдов искусства движения для класса и музыкально-пластических композиций для концертов.

Елена Романова

Исторический танец

Наталья Кайдановская

Эвритмия

Маргарет Солстад и Ансамбль эвритмии «Oslo Eurytmiensemble»

Группа основана в 1987 году в Осло и состоит из девяти человек – семи эвритмистов, чтеца и пианиста. Ее основательница и художественный руководитель – Маргрет Солстад – является также директором Норвежского колледжа эвритмии в Осло. После получения диплома преподавателя музыки она обучалась в Антропософском колледже в Бергене (Швеция), а затем прошла четырехлетний курс эвритмии на родине антропософии, в Дорнахе (Швейцария). Была участницей концертной группы Гётеанума; проводит мастер-классы и выступает с лекиями по эвритмии в разных странах. В 1987–2004 годах была председателем Норвежского антропософского общества и членом президиума Международного общества антропософии.

Наталья Жарова

Валентина Рязанова

Айда Айламазян

Рудольф Лабан. Современный танец

Барбара Хейли

Барбара Хейли является ассоциированным профессором и заведующей кафедрой театра и танца Университета Тулэйна (Луизиана, США); получила степень магистра изящных искусств в Школе искусств Тиш Нью-Йоркского университета (NYU). В Нью-Йорке г-жа Хейли преподавала танец в Вагнер-Колледже на Стэйтен-Айлэнд, участвовала как танцовщица в постановках многочисленных хореографов и возглавляла группу “Barbara Hayley & Dancers”. Преподаватель танца Ньюкомб-колледжа Университета Тулэйна с 1985 г., координатор по танцу с 1989 г.; преподаёт балет, современный танец, хореографию, историю танца и читает междисциплинарные курсы по театру и танцу. Получила премию Fulbright Senior Scholar Award в 1997/1998 годах за работу в России. Г-жа Хейли активно участвует в жизни танцевального сообщества и концертной жизни Нового Орлеана; в частности, она руководит труппой New Orleans Dance — труппой современного танца, составленной из местных профессиональных танцовщиков. New Orleans Dance и г-жа Хейли получали награды как за оригинальную хореографию, так и за постановки современного танца.

I would like to teach technique and improvisation classes followed up with compositional component, in the spirit of Alwin Nikolais' training. It would be 1–1/2 hour of technique, followed by one hour improvisation class on same principle investigated in technique class and one to two hour creative composition class to follow, again on same principle. Therefore, approximately four hour workshop. I could probably do it in 3 hours. Workshop research areas: Space and Time concepts.

Моника Кох

Изучала технику Рудольфа Лабана в Центре его имени в Лондоне, училась и выступала под руководством известной исполнительницы экспрессивного танца Хильды Хольгер (танцовщицы, которая в 1938 году бежала из нацистской Вены и до последних дней своей долгой жизни преподавала в Лондоне; она умерла в 2001 году). В середине 1990-х годов Моника Кох занималась и выступала в Москве, в Школе драматического искусства А. Васильева.

Моника Кох развивает традиции экспрессивного танца 1930-х годов. По отзывам критиков, она «продолжает эволюцию немецкого театра современного танца, традиционно связываемого с Пиной Бауш, наполняя эту традицию свойственными индивидуальному стилю танцовщицы легкостью и уверенностью прикосновения»

(J. Pascal, Time Out).
Она широко выступала в Великобритании, Германии, Нидерландах; работала по прглашению известных театров и компаний – Международного фестиваля мастер-классов в Лондоне, Летней академии исполнительского искусства в Софии и Amici Dance Theatre. В последнем получила всеобщее признание ее работа «Хильда», в которой она «отдает дань танцовщице, понимавшей, что искусство способно преодолеть темные стороны жизни и что оно необходимо для выживания человеческого духа» (Financial Times). В числе других работ Моники Кох – «В гипсе», «Игрок» (по Достоевскому), «Никогда не улыбайтесь крокодилам», «Спасибо за звонок», «Долгая прогулка» и «Взрыв воспоминаний».
В 1997 году Моника Кох основала в Лондоне свой собственый театр танца, сочетающий танцевальное и драматическое искусство, где использовала восточно-евпропейскую тардицию театрального искусства и импровизации. Группа работала и выступала в Великобритании, Австрии и Восточной Европе. Позже преподавала экспрессивное движение и хореографию в Университете Ковентри (Великобритания). В 2003 году основала исследовательскую лабораторию «Драматургия через тело» в Центре Лабана в Лондоне, где преподавала мастер-класс по европейскому театру танца.

Марика Хедемер & Crowd Company

Марика Хедемир училась в Центре Рудольфа Лабана в Лондоне, получила степень магистра искусств в 1999 году. По возвращении в 2000 году на родину в Швецию, она основала группу «Crowd Company». Марика Хедемир также читает лекции по анализу танца, его истории и значению для общества. На фестивале «Московское действо» она даст мастер-класс по танцу и анализу движений и выступит с докладом по истории современного танца в Швеции на конференции «Свободный танец: история, философия, пути развития». Весной 2005 г. она принимала участие в постановке танцев для российской группы «Kannon Dance»; премьера состоится в Санкт-Петербурге на фестивале «Открытый взгляд» («Open Look») в июне 2005 г. За свои работы Марика Хедемир была удостоена награды CORD за лучшую исследовательскую работу (1999), призов региональных организаций – Вестра Готланд (2001) и города Гётеборга (2002), а также шведской стипендии по искусству (2004).

Dance and Movement Analysis – explored in the studio
This master class will let you explore and learn dance and movement analysis by working in the studio. The theory is based on Rudolf von Laban’s research and the choreological perspective. The classes are aiming at developing the skills of analysing movements by performing the concepts in the body as well as watching/perceiving. The theory will be explored in improvisation and composition exercises working both individually and in groups. We will explore movement rhythms, shape, space, and non verbal communication. The knowledge can be used to verbalise what you see, as composition tools, or as inspiration for chorographical experiments and improvisation. You should wear clothes for moving/dancing and bring pen and paper. crowdcompany.com

Импровизация.Спонтанная композиция.

Дэниел Лепкофф

Основываясь на исследовании движений как взаимодействия с окружением, Дэниел Лепкоф пришел к созданию альтернативного подхода к технике движения, в котором особое внимание уделяется импровизации для создания композиций и представлений.
Дэниел Лепкофф пришел в танец в начале 1970-х годов. Вначале он обучался по методам базовых паттернов движения и анатомического освобождения у Мэри Фулкертон и Джона Ролланда. Вместе со Стивом Пакстоном и другими он был создателем контактной импровизации; первое выступление на публике состоялось в 1972 году. В 1980-х годах Дэниел Лепкофф участвовал в постановках других танцоров и хореографов – Мэри Оверли, Нэнси Топф, Джуди Пэдоу и Триши Браун. Его собственные работы этого периода были экспериментами с включением в танец самых разных элементов – взаимодействия с объектами, вокала, текста, проекций черно-белых фотографий и устройства больших сценических декораций.
Дэниел Лепкофф – один из основателей Центра исследования движений в Нью-Йорке. Он преподавал в центрах и школах танца по всему миру, включая Студии Триши Браун, Американский фестиваль танца, PARTS (Брюссель), Танцефабрику (Берлин), Chisendale Dance Space (Лондон), Moving Arts (Кёльн), Bewegungs Art (Фрейбург), а также в Аргентине, Бразилиии, Венгрии, Венесуэле, Италии, России, Словакии, Японии… Создал много спектаклей в соавторстве с такими танцорами, как Лиза Нельсон, Стив Пакстон, Олег Сулименко и с музыкантом Атиллой Дорой.
Дэниел Лепкофф – автор ряда статей в журналах «The Contact Quarterly», «The Movement Research Performance Journal» и публикаций в «Contre-danse» (Брюссель). В них он рассказывает о своем подходе к танцу, особенность которого – фокус на движении как спонтанной интеракции со средой.

Интерактивная музыка

Андрей Иванов

Подробную информацию деятельности Андрея И. и о том, что такое “термен-” вы найдете на сайте www.theremin.ru

Психологический театр танца

Татьяна Князева

Аутентичное Движение (authentic movement)

Как метод ТДТ родилось из процесса, разработанного Мэри Старк Уайтхаус, который она часто называла "движением в глубине"(movement-in-depth). В Аутентичном Движении есть движущийся и наблюдатель. Движущийся закрывает глаза и ждет импульсов движения - это процесс проживания движения. Тело является гидом, и движущийся следует импульсам движения, когда они появляются. Наблюдатель наблюдает, сохраняя полное осознавание своего опыта и опыта движущегося. Через некоторый период времени наблюдатель объявляет, что сессия движения окончена, и следует вербальный диалог о том, что происходило. Движущийся говорит, а наблюдатель дает обратную связь о своем опыте во время сессии, без каких либо оценок и осуждения. Конечной целью является обретение внутри себя децентрированного и неосуждающего свидетеля во время движения, так, чтобы мы могли наблюдать за собой, не вмешиваясь в естественный поток движения. При этом подходе к Аутентичному движению форма обеспечивает появление материала из бессознательного, его осознание и выражение или оформление полученного опыта в разговоре или творчестве. Аутентичное движение способствует исцелению, поскольку тело приводит нас к хранящимся внутри воспоминаниям и переживаниям и выводит их на свет осознания. Наша история хранится в нашем теле: эволюционные паттерны движения, рефлексы человеческого развития и личный опыт. Когда мы закрываем глаза и позволяем себе отдаться движению, появляется бесконечное многообразие.

Аутентичное движение –юнгианское направление танце-двигательной психотерапии,. Это активное воображение в движении, сновидения, воплощающиеся и разворачивающиеся в танце. На мастер –классе будут рассмотрены основные постулаты этого метода, правила и возможные ошибки в использовании АД, будут освещены различия применения АД в хореографии, психотерапии и в духовной практике, также участники познакомятся с базовой формой аутентичного движения, смогут попробовать себя как в роли двигающегося ,так и в роли свидетеля.

Участникам необходимо иметь с собой ручку и тетрадь (блокнот) для своих дневниковых записей.

Ирина Викторовна Бирюкова – практикующий клинический психолог с 12-летним опытом групповой и индивидуальной работы, танце-терапевт, дипломированный преподаватель и супервизор в области терапии творческим выражением (Валлийский Университет, Швейцария). Руководитель 3-хлетней специализации по танцевально-двигательной терапии в Институте Практической Психологии и Психоанализа (Москва). В 1995 году стажировалась в Европейском центре развития новых форм танца (EDDC) в Арнхейме, Нидерланды. Аутентичному движению обучалась с 1994 года у ведущих преподавателей в этой области: у Нилы Хейз, Джоан Чодороу, Таннис Хугил и Тины Стромстед (США).

Танцевально-двигательная импровизация

Курс направлен на изучение основ импровизационного движения и танца, развитие навыков чувствования своего тела, выражение и оформление внутренних импульсов движения в импровизационном танце.

Отдельное внимание будет уделено теме спонтанности и исследованию связи ощущений тела и возникающего движения. У участников курса будет возможность на своем личном опыте почувствовать вкус индивидуальной танцевальной импровизации и импровизации в группе.

Танцевально-двигательная терапия (ТДТ) - это метод психотерапии, в котором тело является инструментом, а движение процессом, помогающим клиентам пережить, распознать и выразить свои чувства и конфликты. Телесные движения человека рассматриваются как отражение его внутренней психической жизни и взаимоотношений с окружающим миром. Танцевальная терапия базируется на предпосылке, что тело и психика взаимосвязаны. Танц-терапевты убеждены, что ментальные и эмоциональные проблемы представлены в теле в виде мышечных зажимов и ограничивающих двигательных паттернов. Человеку, который обращается к танц-терапевту, не обязательно иметь опыт движения и танца. Здесь акцент ставится на том, как человек чувствует свое тело и движение, а не на том, насколько хорошо он владеет танцевальной техникой и как он выглядит во время танца.

Гарафеева Анна Юнусовна – практикующий психолог, танцевально-двигательный терапевт (диплом Института Практической Психологии и Психоанализа, г. Москва). Профессиональный член Ассоциации ТДТ. Пластическая актриса труппы японского хореографа Мин Танака при Театре «Школа драматического искусства» А.А.Васильева. Изучением движения и танца начала заниматься в 1994 году (современный танц-перформанс, контактная импровизация, буто). С сольными работами и в совместных танцевальных проектах выступала на международных фестивалях России, Голландии, Германии, США, Японии, Португалии.