Возрождение качественно новый этап в истории западноевропейской культуры. Суть его переход от эпохи средневекового видения мира к культуре Нового времени
| Вид материала | Документы |
- Культура Эпохи Возрождения Переходная эпоха в истории культуры от Средневековья к культуре, 112.13kb.
- Третий философиЯ эпохи ВозрождениЯ, 631.02kb.
- Тема 12. Культура средневекового мира, 130.64kb.
- Лекция Философия Нового времени. Рационализм Р. Декарта. Проект «великого восстановления, 133.98kb.
- Утверждаю, 278.53kb.
- Культурология. Преподаватель Андреева, 827.85kb.
- Роль XX столетия в мировой истории, 1299.1kb.
- История западноевропейской литературы средних веков и Возрождения, 152.86kb.
- И в развитии культуры. Новый этап характеризовался расширением культурного взаимодействия, 378.83kb.
- Культура эпохи возрождения, 1289.04kb.
Вопросы
1. Почему ренессансное искусство воплотило сущность нового мировоззрения?
2. В чем основное отличие средневековой и ренессансной изобразительной системы?
3. В чем состояла принципиальная новизна ренессансной живописи?
4. На чем основаны представления о светском характере ренессансной живописи?
5. Какие перемены происходят в отношении общества к искусству в эпоху Возрождения?
§ 4. ЖИВОПИСЬ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ
Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. конец XIII века. Проторенессанс еще тесно связан со средневековыми романскими .готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII — начала XIV вв. еще далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, еще используя условные образы византийской изобразительной системы — скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведен, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделенном свойствами реальности — объемом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приемов передачи на плоскости объема и трехмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей фигуры и здания приобретают плотность и объем.
По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа — серия росписей на темы из Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчетливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам,— гармоническое начало и возвышенную эллинскую красоту образов.
Жесткость и схематизм уступают место музыкальной плавности линий. Фигура Мадонны уже не кажется бесплотной. В средневековой живописи ангелы трактовались как знаки, как атрибуты Богоматери, они изображались как маленькие символические фигурки. У Чимабуэ они приобретают совершенно. новый смысл, включаются в сцену, это прекрасные юные существа, предвосхищающие тех грациозных ангелочков, которые появятся у мастеров XV века.
Творчество Чимабуэ было исходным пунктом тех новых процессов, которые определили дальнейшее развитие живописи. Но историю искусства невозможно объяснить только эволюционным путем. Иногда в нем обнаруживаются резкие скачки. Великие художники предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи XIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337). Он создатель новой живописной системы, великий преобразователь всей европейской живописи, истинный родоначальник нового искусства. Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей.
Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии: от Падуи и Милана на севере до Неаполя на юге. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто — цикл росписей в капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот уникальный живописный ансамбль — одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл. 38 сцен из жизни Христа и Марии («Встреча Марии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание» и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает формам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плотность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позволявший работать чистыми, яркими красками без темных теней, стал господствующим в итальянской живописи вплоть до XVI века.
Из многочисленных поздних фресковых циклов Джотто, упоминаемых в источниках, сохранились лишь росписи двух капелл флорентийской церкви Сан-та Кроче. Они посвящены святому Франциску Ассизскому, основателю ордена нищенствующих монахов, жившему в конце XII — начале XIII вв. Это живописное прославление учения Св. Франциска не случайно. Св. Франциск положил начало новому мироощущению человека. Человек для него — чудное божественное создание, которому поручено своей любовью оживить мир. Он учил, что во всем существующем разлита божья благодать — в звездах, растениях, животных, которых он называл братьями. (В росписях есть сцена, где Франциск проповедует птицам.) Он не осуждал мир за его греховность, а любовался его божественной гармонией. Францисканство было составной частью проторенессансного мироощущения. Не восстановление античности и отрицание христианства, а возрождение и просветление человека.
Реформа, произведенная Джотто в живописи, произвела глубокое впечатление на всех его современников. Единодушные отзывы о нем как о великом живописце, обилие заказчиков и покровителей, почетные поручения во многих городах Италии — все это говорит о том, что современники прекрасно понимали значение его искусства. Но ближайшие поколения подражали Джотто как робкие ученики, заимствуя у него частности.
^ Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства. Щедрость, размах художественного творчества в Италии XV века создает впечатление небывалой творческой активности скульпторов и живописцев. Даже перечисление знаменитых мастеров Кватроченто и их произведений заняло бы многие страницы учебника. Конечно, и в позднейшие эпохи появлялось не меньше художественных произведений, но «средний уровень» их в этот период был необычайно высоким.
Слава основоположника живописи Кватроченто принадлежит флорентийскому художнику Мазаччо, умершему совсем молодым (1401-1428). Он первым решил главные проблемы живописи Возрождения — линейной и воздушной перспективы. На его фресках в капелле Бранкаччи флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине фигуры, написанные по законам анатомии, связаны между собой и с пейзажем. Его холмы и деревья уходят вдаль, образуя естественную воздушную среду. Жизнь людей и природы связывается в единое целое, в единое драматическое действие. Это новое слово в мировом искусстве живописи.
Церковь Санта Мария дель Кармине стала своего рода академией, где учились поколения художников, испытавших влияние Мазаччо: Паоло Учелло, Андрей Кастаньо,ДоменикоВенициано и многие другие вплоть до Микеланджело.
Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей в искусстве Италии. В нем существовало и более консервативное течение. Некоторые художники этого направления были монахами, поэтому в истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был фра (т.е. брат — обращение монахов друг к другу) Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387-1455). Его образы библейских персонажей написаны в духе средневековых традиций, они полны лиризма, спокойного достоинства и созерцательности. Его пейзажные фоны пронизаны чувством жизнерадостности, характерным для эпохи Возрождения.
^ Характерная черта живописи позднего Кватроченто — многообразие» школ и направлений. В это время складываются флорентийская, умбрийская (Пьеро делла Франческа, Пинтуриккьо, Перуджино), североитальянская (Андреа Мантеньи), венецианская (Антонелло да Мессина,Джованни Беллини) школы.
Один из самых выдающихся художников Кватроченто — ^ Сандро Боттичелли (1445-1510) —выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников.
В искусстве Боттичелли происходит своеобразный синтез средневекового мистицизма с античной традицией, идеалов готики и Возрождения. В его мифологических образах происходит возрождение символизма. Он изображает прекрасных античных богинь не в чувственных обликах земной красоты, а в романтических, одухотворенных, возвышенных образах. Две прославившие его картины — «Рождение Венеры» и «Весна» . В них мы видим своеобразный женский образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников: удлиненный овал лица, длинный нос с тонкими нервными ноздрями, приподнятые брови, широко открытые, недоуменные, мечтающие и как будто страдающие глаза. Боттичелли удивительно сочетал языческую чувственность и повышенную одухотворенность, скульптурную жесткость и нежную хрупкость, изысканность, линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Картины Боттичелли, помимо своей непосредственной выразительности, имеют еще скрытое эмоциональное звучание. В этом эмоциональном воздействии — тайна искусства Боттичелли. Он один из самых поэтических художников в истории искусств. Он предпочитает символические, аллегорические темы, любит мечтать, выражаться намеком, символом. Даже в портретной живописи он стилизовал свои модели под тот образ, который существовал в его фантазии. В этом Боттичелли противоположен основной линии флорентийского Кватроченто: аналитичность, интеллектуализм, интерес к конструкции (человек — пространство), драматическое повествование, героика.
Ранний Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим.
К рубежу XV-XVI вв. относится начало длительной иностранной интервенции в Италию, раздробление и порабощение страны, утрата независимости свободных городов, усиление феодально-католической реакции. Но в итальянском народе росло патриотическое чувство, способствующее политической активности и росту национального самосознания, стремление к национальному объединению. Этот подъем народного самосознания создал широкую народную основу культуры Высокого Ренессанса. Благодаря огромным доходам и политическому влиянию папства Рим возглавил борьбу за национальное объединение и сделался господствующим центром культуры Высокого Ренессанса.
К началу XVI века ренессансное мировоззрение одержало полную победу в Италии. Оно стало достоянием всего образованного общества, охватило городские слои, знать и церковные круги. Но культура Высокого Возрождения — это не культура городских коммун, а культура больших патрицианских центров. Помимо реалистического искусства, основанного на идеалах Кватроченто, в нем существовало и консервативное направление, связанное с центрами придворной аристократической культуры.
Окончание Чинквеченто связывают с 1530 г., когда итальянские государства утратили свободу, став добычей могущественных европейских монархий. Социально-политический и экономический кризис Италии, опирающейся не на промышленный переворот, а на международную торговлю, подготавливался уже давно. Открытие Америки и новых торговых путей лишало итальянские города пре
имуществ в международной торговле. Но, как известно, в истории культуры периоды расцвета искусства не совпадают с общим социально-экономическим развитием общества. И в период экономического упадка и политического порабощения, в трудные для Италии времена наступает недолгий век итальянского Возрождения — Высокий Ренессанс. Именно в это время гуманистическая культура Италии стала всемирным достоянием, перестала быть местным явлением. Итальянские художники стали пользоваться всеевро-пейской популярностью, которую действительно заслуживали.
Если искусство Кватроченто —это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса — это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к раскрытию общих закономерностей. Главное отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто в грандиозном обобщении.
Реалистическое искусство Высокого Возрождения было насыщено оптимизмом и пафосом утверждения жизни, верой в творческие силы человека и его неограниченные возможности. Образ прекрасного, сильного духом человека составляет главное содержание искусства того времени. В отличие от искусства XV века ему свойственно стремление постигнуть и воплотить общую закономерность явлений жизни. Мастера Высокого Возрождения освобождаются от ремесленных профессиональных правил и наставлений и руководствуются передовой теорией. Творческий акт для них — это сознательный рациональный процесс. Они изучают числовые соотношения, пропорции, закономерности. Мастера Чинквеченто стремятся к реализму, достоверности образов, но не к непосредственному отражению действительности, а к ее обобщению. Это обобщение они выражают в произведениях на религиозные и мифологические темы. Реалистический метод художников Высокого Возрождения своеобразен. Они убеждены, что значительное может существовать только в прекрасной оболочке. Поэтому они стремятся видеть лишь исключительные явления, возвышающиеся над повседневностью. Итальянские художники создавали образы героических личностей, прекрасных и сильных духом людей.
Это была эра титанов Возрождения, подарившая мировой культуре творчество Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. В истории мировой культуры эти три гения, несмотря на всю их несхожесть, творческую индивидуальность, олицетворяют главную ценность итальянского Возрождения — гармонию красоты, мощи и интеллекта. Судьбы этих художников (чья мощная человеческая и художественная индивидуальность заставляла выступать их как соперников, неприязненно относиться друг к другу) имели много общего. Все трое сформировались во флорентийской школе, а потом работали при дворах меценатов, главным образом римских пап. Их жизнь — свидетельство того изменения отношения общества к творческой личности художника, которое характерно для эпохи Возрождения. Мастера искусств стали заметными и ценными фигурами в обществе, они справедливо считались образованнейшими людьми своего времени.
Эта характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрождения, подходит к ^ Леонардо да Винчи (1452-1519). Он объединил в себе художественный и научный гений. Леонардо был ученым, изучающим природу не ради искусства, а ради науки. Поэтому до нас дошло так мало законченных произведений Леонардо. Он начинал картины и бросал их, как только проблема казалась ему ясно сформулированной. Многие его наблюдения предвосхищают развитие европейской науки и живописи на целые столетия. Современные научные открытия подогревают интерес к его научно-фантастическим инженерным рисункам. Теоретические размышления Леонардо о красках, которые он изложил в своем «Трактате о живописи», предвосхищают главные предпосылки импрессионизма XIX в. Леонардо писал о чистоте звучания красок только на световой стороне предмета, о взаимном воздействии красок, о необходимости живописи на открытом воздухе. Эти наблюдения Леонардо совершенно не использованы в его живописи. Он был больше теоретиком чем практиком. Только в XX веке началось активное собирание воедино и обработка его огромного рукописного наследия (около 7000 страниц). Его изучение, несомненно, приведет к новым открытиям и объяснениям загадок легендарного творчества этого титана Возрождения.
Научные изыскания, инженерная деятельность при Миланском дворе, оформление постоянных празднеств отрывали Леонардо от занятий живописью. Осталось мало законченных произведений Леонардо — несколько гениальных достоверных картин его кисти, знаменитая сильно разрушившаяся фреска «Тайная вечеря» в Милане, множество рисунков и набросков. Леонардо был переполнен замыслами и ограничивался тем, что намечал в записях и эскизах пути решения той или иной задачи, оставляя потомкам их осуществление. Когда же он ставил цель создания законченного произведения, ему хотелось добиться предельного совершенства, и он работал долгие годы над одним произведением. Но каждое из созданных им произведений было открытием в искусстве.
Его «Мадонна в гроте» — первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса. Это большая картина распространенного в ренессансной живописи формата, который напоминает окно, закругленное наверху. Она стала образцом станкового решения композиции. Фигуры Марии, маленького Христа, маленького Иоанна Крестителя и ангела не просто расположены на фоне пещеры, а действительно внутри нее, в определенной среде, в которой ощущается реальное расстояние, воздушное пространство между фигурами. Это особое качество живописи Леонардо получило название «сфуматто» — воздушная дымка, обволакивающая все предметы, смягчающая контуры.
Новым этапом в искусстве была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие на сюжет «Тайной вечери», который писали многие художники Кватроченто. «Тайная вечеря» — краеугольный камень классического искусства, в ней осуществлена программа Высокого Возрождения. Она воздействует абсолютной продуманностью, согласованностью частей и целого, силой своей духовной концентрации.
Леонардо работал над этим произведением 16 лет. Громадная фреска, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины, стала примером мудрого понимания законов монументальной живописи, связанной с реальным пространством интерьера. В ней воплотились научные изыскания художника в области физики, оптики, математики, анатомии, необходимые для решения проблем пропорций и перспективы на огромном живописном пространстве. Главное же, гениальное произведение Леонардо обладает огромной психологической силой. Никто из художников, изображающих тайную вечерю до Леонардо, не ставил такой сложной задачи —через реакцию разных людей, индивидуальностей, темпераментов, эмоциональных откликов показать единый смысл этого великого момента. 12 апостолов, 12 разных характеров по-разному проявляют себя в момент душевного потрясения. Через их эмоциональные реакции, выраженные в движении, раскрываются извечные вопросы человека: о любви и ненависти, преданности и предательстве, благородстве и подлости.
Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо «Джоконда». Этот портрет жены купца дель Джокондо приковывал внимание на протяжении столетий, о нем написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, копировали, ему приписывали колдовскую силу. Неуловимое выражение лица Джоконды не поддается точному описанию и воспроизведению. Самое малейшее изменение оттенков (которое может зависеть просто от освещения портрета) в уголках губ, в переходах от подбородка к щеке меняет характер лица. На разных репродукциях Джоконда выглядит несколько по-иному, то чуть-чуть мягче, то ироничнее, то задумчивее. Неуловимость в самом облике Моны Лизы, в ее проницательном взгляде, будто неотрывно следящем за зрителем, в ее полуулыбке. Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства. Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с композициями на религиозную тему.
Идеи монументального искусства Возрождения нашли яркое выражение в творчестве ^ Рафаэля Санти (1483-1520). Леонардо создал классический стиль, Рафаэль его утвердил и популяризовал. Искусство Рафаэля часто определяют как «золотую середину». Его композиция превосходит все, что было создано в европейской живописи, своей абсолютной гармонией пропорций. Искусство Рафаэля на протяжении пяти веков воспринимается как высший ориентир в духовной жизни человечества, как один из образцов эстетического совершенства. Творчество Рафаэля отличают качества классики — ясность, благородная простота, гармония. Всей своей сутью оно связано с духовной культурой Ренессанса.
Он был на 30 лет моложе Леонардо, а умер почти одновременно с ним, успев совершить так много в истории искусств, что трудно представить, что все это мог исполнить один человек. Разносторонний художник, архитектор, монументалист, мастер портрета и многофигурной композиции, талантливый декоратор, он был центральной фигурой художественной жизни Рима. После смерти архитектора Браманте он стал главным архитектором собора Св. Петра, ведал археологическими раскопками в Риме, охраной античных памятников. Но больше всего он известен в истории мирового искусства как создатель дивных «Мадонн» — «Мадонна Коннестабиле», «Мадонна в зелени», «Мадонна со щегленком», «Мадонна в кресле». Вершиной его мастерства стала «Сикстинская мадонна», написанная в 1516 г. для бенедиктинского монастыря в Пьяченце (сейчас картина находится в Дрездене). Для многих она является мерилом самого прекрасного, что способно создать искусство.
Эта алтарная композиция в течение веков воспринимается как формула красоты и .гармонии. Трагическим чувством веет от поразительно одухотворенных лиц Мадонны и младенца-Бога, которого она отдает во искупление человеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен как бы сквозь зрителя, он полон скорбного предвидения. В этом образе воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала.
Самые выдающиеся из монументальных работ Рафаэля — это росписи ватиканских апартаментов папы. Многофигурные крупномасштабные композиции покрывают все стены трех залов. В росписи Рафаэлю помогали ученики. Лучшие фрески, как, например, «Афинская школа», он исполнял собственноручно. Сюжеты росписи включали фрески-аллегории основных сфер духовной деятельности человека: философии, поэзии, богословия и правосудия.
Во фреске «Афинская школа» Рафаэль изобразил Платона и Аристотеля в окружении философов.
В картинах и фресках Рафаэля — идеально-возвышенное изображение христианских образов, античных мифов и человеческой истории. Он умел соединять ценности земного бытия и идеальные представления как никто другой из мастеров Возрождения. Историческая заслуга его искусства в том, что он связал в одно целое два мира — мир христианский и мир языческий. С этого времени новый художественный идеал надолго утвердился в религиозном искусстве Западной Европы.
Светлый гений Рафаэля был далек от психологической углубленности во внутренний мир человека, как у Леонардо, но еще более он чужд трагическому мироощущению Микеланджело. В творчестве Микеланджело обозначилось крушение стиля Ренессанса и наметились ростки нового художественного миропонимания. Микельанджело Буонарроти (1475-1564) прожил долгую, трудную и героическую жизнь. Его гений проявился в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре. Он воспринимал мир пластически, во всех областях искусства он прежде всего скульптор. Тело человека кажется ему самым достойным предметом изображения. Но это человек особой, могучей, героической породы. Искусство Микеланджело посвящено прославлению человека-борца, его героической деятельности и страданиям. Его искусству свойственны гигантомания, титаническое начало. Это искусство площадей, общественных сооружений, а не дворцовых залов, искусство для народа, а не для придворных аристократов.
Самым грандиозным из его трудов стала роспись свода Сикстинской капеллы. Микеланджело совершил поистине титанический труд — в течение четырех лет он один расписал площадь около 600 кв. метров. Изо дня в день он писал на высоте 18 метров, стоя на лесах и запрокидывая голову. После окончания росписи его здоровье было совершенно подорван-но, а тело обезображено (впала грудь, выгнулся корпус, вырос зоб; долгое время художник не мог смотреть прямо перед собой и читал, поднимая книгу над головой). Грандиозная роспись посвящена сценам священной истории, начиная от сотворения мира. Микеланджело написал на плафоне около 200 фигур и фигурных композиций. Никогда и нигде не было ничего, подобного замыслу Микеланджело по размаху и цельности. На своде Сикстинской капеллы он создал гимн во славу героического человечества. Его герои — живые люди, в них нет ничего сверхъестественного, но вместе с тем, это прекрасные могучие, титанические личности. Мастера Кватроченто задолго до Микеланджело иллюстрировали на стенах капеллы различные эпизоды церковного предания, Микеланджело на своде хотел представить судьбы человечества до искупления.
Роспись стала неистощимой энциклопедией разнообразных поз, ракурсов для будущих поколений скульпторов. Написанные Микеланджело могучие гиганты, старики, женщины, младенцы объемно пластичны как скульптурные изваяния. Сильное движение человеческого тела в сильных поворотах. Ни один палец или сустав не остается несогнутым и без движения.
Всякая мысль о том, что картина есть плоскость, исчезает. Фигуры свободно движутся в пространстве. Фрески Микеланджело прорывают плоскость стены. Эта иллюзия пространства и движения стала огромным достижением европейского искусства. Открытие Микеланджело того, что декорация может выдвинуть вперед или заставить отступить назад стену и потолок, позднее использует декоративное искусство барокко.
Историческая обстановка, в которой работал Микеланджело, была очень трудной. При его жизни сменялись один за другим папы — его крупнейшие заказчики. Сам Микеланджело пережил кризис идей ренессансного гуманизма, наступивший в атмосфере контрреформации. При нем совершилось падение Флоренции, Рима, порабощение Италии, начался гнет реакции. Он наблюдал глубокое разочарование в гуманизме, крушение ренессансной гармонии. При нем восторжествовало все то, что сковывало свободную личность. Поэтому в творчестве Микеланджело нашли свое воплощение и сами идеи Ренессанса, и борьба за них в обстановке кризиса гуманистического мироощущения.
В старости Микеланджело суждено было вернуться к работе в Сикстинской капелле, где он создал еще одно грандиозное и трагическое произведение —«Страшный суд». Эта роспись стала воплощением настроений эпохи кризиса гуманистических идеалов и наступления контрреформации. В центре композиции — карающий Христос, творящий суд, вокруг него в круговом движении грешники, низвергающиеся в ад, праведники, возносящиеся в рай, мертвецы, восстающие из могил. Динамизм и экспрессия живописи, ощущение ужаса, отчаяния, смятения — все это черты уже новой художественной системы, чуждой ренессансному духу.
Искусство, верное традициям Ренессанса, продолжает жить в XVI веке в Венеции — городе, дольше всех сохранившем свою независимость. В этой богатой патрицианско-купеческой республике, издавна поддерживающей торговые связи с Византией, с арабским Востоком, по-своему перерабатывались восточные вкусы и традиции. Главное воздействие венецианской живописи — в ее необычайном, колорите. Любовь к цвету постепенно приводила художников венецианской школы к новому живописному принципу. Объемность, материальность изображения достигаются не светотеневой моделировкой, а искусством цветовой лепки. Телесности и пластичности они достигали не линией и моделировкой, а соотношением красок. Их живопись посвящена телесным, вещественным явлениям мира. Блеск золотых кудрей и тяжесть бархата венецианские живописцы ценили превыше всего. Венецианская живопись — зеркало действительности. Ощутимость вещей, их материальной оболочки, их поверхности — характерная черта этой школы.
Первым мастером Высокого Возрождения в Венеции был Джорджоне (1477-1510). Он первый обратился не только к мифологическим сюжетам, но и к литературным темам. Его знаменитые картины—«Гроза», «Сельский концерт», «Юдифь», «Спящая Венера». Джорджоне не ставил перед собой сложных психологических задач, его интересовала повседневная красота мира, природа и прекрасное человеческое тело.
С 20-х годов XVI века самым знаменитым художником Венеции становится Ти-циан (ТицианоВечеллио) (1477-1576). По заказу богатых патрициев он писал огромные алтарные образа, такие, как «Вознесение Марии», «Мадонна Пезаро». Он разработал новый принцип децентрализующей композиции (смысловой центр — фигура Мадонны — противостоит пространственному центру картины — точке схода), которого не знали художники других школ. Тициан много писал на античные темы, мифологические сюжеты — «Вакханки», «Даная», «Венера иАдонис». Античные образы были для художника способом выражения простой радости земного бытия. К концу жизни (а прожил он очень долгую и плодотворную жизнь — 99 лет) мироощущение художника меняется, он обращается к трагическим темам христианского мученичества и покаяния — «Кающаяся Магдалина», «Оплакивание», «Св. Себастиан». Изменилась и техника его живописи. Золотистый светлый колорит и легкие лессировки сменяются густым месивом красок. Художник лепит цветом широкими мазками, сильными ударами кисти, часто прямо пальцами, предвосхищая экспрессивную манеру живописи некоторых школ XIX в. Тициан внес принципиальное изменение в живопись Возрождения, заменив господство линии господством цветового пятна. Огромное влияние этого художника сказалось на живописи следующего столетия, особенно на творчестве Рубенса и Веласкеса. Все живописцы Европы учились искусству цветовой лепки у великих венецианцев — Тициана, Веронезе, Тинторетто.
^ Паоло Веронезе (Паоло Кальяри родом из Вероны; 1528-1588) был последним певцом праздничной Венеции XVI века. Его многлюдные композиции «Брак в Кане Галилейс-кой», «Тайная вечеря», «Пир в доме Левая» — это огромные декоративные картины народной толпы на фоне архитектурного пейзажа, пышных обедов в богатых венецианских палаццо. Слишком свободная трактовка евангельских сюжетов во времена наступления контрреформации была причиной вызова художника на суд святейшей инквизиции.
Младшим современником Тициана и Веронезе был Яконо Робусти (1518-1594), прозванный Тинторетто (в переводе тинторетто — это красильщик, отец художника был красильщиком шелка). Последний корифей венецианского Чинквеченто, несмотря на трагическое мироощущение второй половины XVI века, — все еще поистине ренессан-сный художник. В его динамических композициях царит стремительное движение, энергичное чувство жизни, головокружительные ракурсы («Благовещение», «Битва архангела Михаила с сатаной»). Венецианская любовь к колориту соединяется у него с интересом к необычному освещению. Причудливые световые эффекты, призрачный клубящийся свет, яркие вспышки в полумраке, игра теней создают атмосферу тревоги и смятенности, усиливают драматизм событий («Спасение Арсинои», «Похищение тела Св. Марка»).
Живопись Высокого Возрождения стала вершиной культуры Ренессанса.