Geum.ru

Звери хищной породы, дикие. Эта группа выступила против импрессионистов, против натуралистического правдоподобия

Вид материалаДокументы

Содержание


Анри Матисс (1869 – 1954)
В. В. Кандинский (1866 – 1944) - основоположник абстракционизма.
Пауль Клее (1879 – 1940)
Амедео Модильяни (1884 – 1920)
Фернан Леже
Пабло Пикассо (1881 – 1973)
Подобный материал:
Фовисты (звери хищной породы, дикие). Эта группа выступила против импрессионистов, против натуралистического правдоподобия. Фовисты отстаивали идеи декоративности живописи, чрезмерной остроты композиций, отрицали линейную перспективу, утверждали субъективизм (Я так вижу!) Для группы «диких» в целом характерно стремление стоять в стороне от социальных конфликтов времени, устранить всякое общественное содержание в искусстве. Вместе с тем в их программе ощущался дерзкий вызов, протест против мещанских вкусов буржуазии, против натурализма салонного искусства. Однако этот протест был ограничен лишь узкой сферой вопросов формы и средств выражения в живописи. Подобная установка создавала возможность объединения в одной группе совершенно различных по своим индивидуальным склонностям художников. Жизнерадостные ноты и стремление к декоративной красочности проявляются в творчестве Матисса, Рауля Дюфи (1877—1953) и частично в реалистических пейзажах Марке. Марке прошел путь от фовизма к реализму. Такова его работа «Собор Парижской богоматери» 1910 г. в Эрмитаже, где он находит новые средства пейзажа, тонко передает влажный воздух, смягчающий контуры Собора, зеленоватый тон вод Сены, портретно точное место при лаконичности средств.

Связь с реальностью предметного мира не порывается в этот период в работах Жоржа Брака (1882—1963), Мориса Вламинка (1876—1956) и Оттона Фриза (1879—1949), хотя их картины обнаруживают значительные элементы остро подчеркнутой пластической деформации. Примитивизм и геометризованная стилизация сказываются в картинах Андре Дерена (1880—1954). Резко пессимистический, искаженный образ человека, связанный с религиозно-мистическими настроениями, составляет основной характер творчества Жоржа Руо (1871—1958).

Однако вскоре группа «диких» распалась, ее участники пошли разными путями, зачастую сближаясь с иными художественными группами, меняя свои творческие принципы и приемы.

Анри Матисс (1869 – 1954)

Родился на севере Франции в семье хлеботорговца. Первоначально он готовил себя к карьере юриста, но в 20 лет получил от матери в подарок краски и заболел живописью. Он уехал в Париж, где встретился с такими же, как он, бунтарями. Основной идеей Матисса стало высвобождение цвета от власти формы, лучистая энергия света на его полотнах передавала мечту о гармонии. Он уподоблял живопись сочинению музыки, в которой всего 7 нот. Довольно скоро он добился славы и стал одним из ведущих художников 20 века. «Я мечтаю об искусстве уравновешенном, чистом, спокойном»,- говорил Матисс. Главная его задача – передать свое впечатление от увиденного. Это были пейзажи Южной Франции, Северной Африки, фрукты, восточные декоративные ткани, интерьеры с фигурами людей.

В начале 20 в. Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством. К 1906 завершает работу над композицией «Радость жизни»

Цвета Матисса повышенной интенсивности: холодно-синий, изумрудно-зеленый, огненно-желтый, жаркая киноварь. Структура изображения линейно-ритмическая, плавный рисунок, гибкий арабеск. Ритм музыкальный, волнообразный, легкое трепетное движение, бездумный покой.

В 1908 С. И. Щукин заказывает художнику три декоративных панно для собственного дома в Москве. В панно «Танец» (1910, Эрмитаж) представлен экстатический танец, навеянный впечатлениями от русских сезонов С. Дягилева, выступлений Айседоры Дункан и греческой вазовой живописи. В «Музыке» Матисс представляет изолированные фигуры, поющие и играющие на различных инструментах. Третье панно — «Купание, или медитация» — осталось лишь в набросках. Выставленные в парижском Салоне перед отправкой их в Россию, композиции Матисса вызвали скандал эпатирующей обнаженностью персонажей и неожиданностью трактовки образов

«Танец» 1909 –1910г. (Эрмитаж)

Три цвета определяют гамму картины: красный (киноварь), им изображены фигуры, плотно-синий – небо и ярко-зеленый – земля. Такое упрощение до схемы напоминает иконопись, которой были увлечены многие авангардисты. Сияющий свет и цвет волн Средиземноморья были для Матисса источником вдохновения на протяжении всей его жизни. Он стремился передать те скрытые чувства, которые вызывает в нас то или иное сочетание цветов. В 19 веке благодаря экспериментам науки были получены новые виды пигментов и красок. Поколение Матисса получило их первыми, причем эти материалы были уже смешаны и стоили относительно недорого. Эти краски и позволили Матиссу начать эксперименты с цветом.

«Красная комната» 1908 г. (Эрмитаж)

Фигуры вплетены в орнаментально-плоскостные композиции. Синие арабески на красном фоне стены и поверхности стола, фигура женщины и пейзаж за окном объединены мягко-волнистым ритмом.

В 1911 году Матисс посетил Москву, впечатление от древнерусской живописи во многом определило его живописные поиски.

«Красные рыбы» 1911г. (ГМИ)

Перед нами та же сила цвета, созвучий любимых цветов Матисса. Плоскостное построение картины, отказ от перспективы и глубины пространства, стремление взглянуть на предмет сразу с нескольких точек – влияние Сезанна. Используя приемы эллипсообразной и обратной перспектив, перекличку тонов и контраст зеленого и красного, Матисс создает эффект кружения рыбок в стеклянном сосуде. В зимние месяцы с 1911 по 1913 художник посещает Танжер (Марокко), создает марокканский триптих «Вид из окна в Танжере», «Зора на террасе» и «Вход в казба», приобретенные И. А. Морозовым. Мастерски переданы эффекты голубых теней и ослепляющих лучей солнца.

«Улитка» 1953 г.

Это одно из последних произведений Матисса, когда больной художник уже не мог работать кистью и вырезал изображение из кусков бумаги, которые он окрашивал предварительно в нужные тона. Улитка – взаимоотношение цветов, напоминающее жаркий день на берегу Средиземного моря, песок, зелень, фрукты, солнце. Фигуры над синим квадратом расположены по спирали, так что воспроизводят спиралевидную форму раковины улитки. Матисс использует гармонирующие красный и розовато-лиловый и контрастные синий и оранжевый цвета. Эта гамма создает радостное настроение картины. Черный прямоугольник доминирует в композиции и придает интенсивность другим цветам.

Ту же роль играют оставшиеся не закрашенными участки холста, на фоне которых еще ярче выступают радостные цвета картины. Расположенный в центре узор окаймлен блистающим оранжевым цветом и заключает полотно в подобие рамы.

Матисс создавал радостное искусство, но цена за него была такой же, как у Гогена: отказ от драматического изображения жизни.

В 1909 – 1911 гг. в Мюнхене В. Кандинский и другие художники организовали объединение «Синий всадник». Эта группа продолжала тенденции антиматериализма и антиреализма. Они шли еще дальше в стремлении к абстракции, столь же нетерпимо относились к импрессионистам. Своей задачей художники «Синего всадника» считали раскрытие невидимой сущности вещей, отказ от социальности, формалистические поиски.

В. В. Кандинский (1866 – 1944) - основоположник абстракционизма.

Еще в гимназические годы начал заниматься музыкой и живописью. С 1885 изучал юриспруденцию в Московском университете, но в дальнейшем решил посвятить себя искусству. Определили его выбор два момента: во-первых, впечатления от русских средневековых древностей и художественного фольклора, полученные в этнографической экспедиции по Вологодской губернии (1889), во-вторых, посещение французской выставки в Москве (1896), где он был потрясен картинами К. Моне.

В начале 1900-х гг. Кандинский много путешествовал - побывал в Голландии, Швейцарии, Италии, Франции, приезжал и в Россию, - но постоянно жил в селении Мурнау, в Баварских Альпах. Работы этих лет, в основном пейзажи, построены на цветовых диссонансах; игра цветовых пятен и линий постепенно вытесняет образы реальной действительности:"Ахтырка. Осень. Этюд", 1901; "Шлюз", 1901; "Старый город", 1902; "Синий всадник", 1903; "Берег залива в Голландии", 1904; "Мурнау. Двор замка", 1908).

В эти же годы он обратился к русской сказочной, былинной старине, создав завораживающие образы. От ранних, уже достаточно ярких и сочных импрессионистских картин-этюдов перешел к бравурным, цветистым и «фольклорным» по колориту композициям, где суммировались характерные мотивы русского национального модерна с его романтикой средневековых легенд и старинной усадебной культуры ("Пестрая жизнь", " Дамы в кринолинах").

В 1910-11 гг. в Мурнау художник создал первые живописные "импровизации" и "композиции". В 1911 г. написал книгу "О духовном в искусстве", перевернувшую устоявшееся представление об искусстве вообще; эта книга стала первым теоретическим обоснованием абстракционизма. В том же 1911 г. Кандинский организовал объединение "Синий всадник", получившее название по одноименному иллюстрированному альманаху, задуманному и созданному совместно с художником Ф. Марком. Цель объединения, по мысли его создателей, - "разрушить преграды между различными видами искусств", собрать и пропагандировать новые идеи в живописи, театре и музыке.

В 1915 г. Кандинский вернулся на родину и поселился в Москве, ощущая необходимость набраться новых московских впечатлений, "дышать Москвой", обретая "почву под ногами". Там же встретил 1917 г., "увидел революцию из своих собственных окон". После октябрьских событий он занимался музейной и преподавательской деятельностью, входил в коллегию Отдела ИЗО Наркомпроса (1918), стал одним из организаторов Музея живописной культуры в Петрограде (1919) и Инхука в Москве (1920), но в 21 году вновь уехал в Германию.

Его космологические фантазии (графическая серия " Малые миры", 1922) обретают в этот период более рационально - геометричный характер, сближаясь с принципами супрематизма и конструктивизма, но сохраняя свою яркую и ритмичную декоративность.

С 1922 г. Кандинский приглашен на преподавательскую работу в Баухауз (высшая школа строительства и художественного конструирования в Германии). Годы работы в Баухаузе насыщены теоретическими поисками, экспериментами как в живописи, так и в области создания "синтетического" искусства. В 1920-30-х гг. имя Кандинского становится всемирно известным. Его провозглашают теоретиком нового, абстрактного искусства. Выставки художника проходят почти ежегодно в Европе и Америке, теоретическая работа "Точка и линия на плоскости", опубликованная в 1926 г. в Мюнхене, переведена и издана на многих языках мира. Его больше всего интересовала взаимосвязь между живописью и музыкой. Задачей абстракционизма должно быть влияние на человеческие чувства без воссоздания действительности. Линия, цвет и форма – вот что должно оказывать главное воздействие – утверждал Кандинский.

«Композиция 8» 1923 г. Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Прямые линии моложавы, кривые передают зрелость, точка – малый мир, минимальная окружность, более или менее обтесанный со всех сторон – так утверждал Кандинский. Желтый цвет, по теории Кандинского, способен подниматься все выше и выше, пока не станет невыносим человеческому взгляду, синий – спускается в глубины, а голубой звучит, как флейта. Зеленый уравновешен и звучи, как слабые звуки скрипки, красный создает впечатление громкого барабанного боя, а синий – глубокий звук органа. Острый угол треугольника, врезающийся в круг, производит огромное впечатление – утверждал художник. Горизонтали звучат холодно и плоско, а вертикали тепло и возвышенно. Острые углы теплые, пронзительные, активные, желтые, а прямые холодные, строгие, окрашенные красным. Звучание кларнета художник находил в лимонно-желтом, контрабас - в пурпурно-фиолетовом. Такие довольно субъективные принципы и воплощал Кандинский в своем абстракционистском творчестве.

После закрытия фашистами Баухауза в 1933 г. Кандинский переезжает во Францию и поселяется в местечке Нёйи-сюр-Сен, недалеко от Парижа. Здесь он думал найти временное убежище, но обрел постоянный дом, который оказался для него и последним.

Пауль Клее (1879 – 1940)

Швейцарский художник, график, теоретик искусства, одна из крупнейших фигур европейского авангарда. Клее родился в Швейцарии, недалеко от Берна. Его родители были музыкантами, и сам он стал профессиональным скрипачом, но возобладала страсть к живописи, и Клее уехал в Мюнхен, бывший в то время одной из столиц современного искусства. Клее привлекали искания абстракционистов. Поворотным моментом в его биографии стала поездка в Тунис, где его поразил пестрый арабский мир, яркость света и цвета, невероятный сплав разных культур, необузданность воображения. Клее создает свой стиль, основанный на непосредственном, как у детей, восприятии мира. Этот стиль можно условно назвать инфантилизмом.

«Памятники в Г.» 1929 г. Метрополитен-музей в Нью-Йорке.

После поездки в Египет Клее пишет эту работу, в которой стремится передать свое впечатление от увиденного. Это- некий итог его представлений об Египте. Тонкие ленточки ассоциируются с монотонностью бескрайней песчаной пустыни и полосками возделанной земли по берегам Нила. В то же время здесь можно увидеть Египет с птичьего полета или вид на пирамиды на заднем плане через деревья на переднем. Беспредметное искусство дает много возможностей для толкования.

Вероятно, острые углы напоминают пирамиды, а желтый цвет, согласно учению Кандинского, должен вызвать музыкальные ассоциации и возвысить душу. Вдоль левого полотна идет полоса терракотового, зеленого и красного цветов, что создает устойчивый ритм, напоминающий монотонный бой барабана и служит контрастом полоскам желтого и изломанным линиям.

С 1920 г. Клее преподавал в «Баухаузе» живопись и рисунок, он отличался незаурядным педагогическим талантом. Нацисты закрыли «Баухауз» в 33 году, а Клее к этому времени уже вернулся в Швейцарию.

Амедео Модильяни (1884 – 1920)

Родился в Италии в еврейской семье. Большое влияние оказала на него мать. Она открыла сыну мир декадентской поэзии Бодлера и Рембо. Позже Амедео познакомился с идеями Ницше, согласно которым искусство - это бегство от пошлости буржуазного мира. В 22 года юноша перебрался в Париж, где стал завсегдатаем кафе и завел знакомства в среде парижской богемы. В это же время Модильяни вырабатывает свой стиль, для которого характерны соединение традиций прошлого и идей авангардизма. Для стиля Модильяни характерны некоторая трогательность, изломанность вытянутых фигур, четкий контур, обязательно длинная шея. Напоминающая изогнутый стебель цветка, наклоненная набок голова, как бы продолжающая сравнение фигуры с цветком. К таким же неповторимым чертам стиля художника относятся миндалевидные глаза и тонкий разрез губ. Эти черты вызывают в памяти произведения Боттичелли. Сам Модильяни не был по натуре борцом, каким был Пикассо, и стремился уйти в свой мир фантазий и грез. Свои картины он писал в состоянии сильнейшей экзальтации, нередко злоупотреблял спиртным. На портрете Жанны Эбютерн (поздняя работа художника) видно влияние идей Сезанна и кубизма. Фон предстает перед нами как наклоненная развернутая плоскость. В упрощенности форм и линий заметно влияние Матисса. В чертах лица женщины заметно влияние африканской деревянной скульптуры, которой увлекся художник. А миндалевидные глаза кажутся окнами, сквозь которые проглядывает бездонная синева неба. Это подчеркивает безучастность модели. Богемная жизнь привела художника к ранней смерти. Он умер в 35 лет в больнице для нищих, а изображенная им на полотне женщина, возлюбленная художника, покончила собой через сутки, не в силах пережить Модильяни.


Кубизм


Кубизм родился во Франции в 1907 – 1908 гг. Художники данного направления подвергли пересмотру все, что со времен Ренессанса считалось обязательным: воспроизведение формы предметов, пространства, цвета, саму технику исполнения. Системе перспективы они противопоставили свое право двигаться вокруг предмета, включая в его живописное воспроизведение информацию, почерпнутую ранее. В кубизме с необыкновенной силой проявились антиматериалистические тенденции, философия идеализма и субъективизма, отказ от научного познания мира, замена его неким мистическим постижением сущности явлений. Главные деятели кубизма – Пикассо, Брак и Леже.

Это была эпоха перед первой мировой войной, когда разжиревшая Европа паразитировала на богатствах всего мира. Но в душах наиболее чутких представителей мира искусства жило ожидание катастрофы, неизбежного возмездия за сытую и благополучную жизнь, оплаченную кровью и трудом миллионов. Этот взгляд вел к тому, что буржуазная действительность стала на полотнах новых художников подвергаться разложению, осмеянию, ужас перед силами механической цивилизации, терзающими душу и тело, вел к поиску новых средств. Стремление задеть, оскорбить благополучного буржуа, исказить его культурный мир диктовало такие формы искусства как кубизм. Предтечей кубизма был Сезанн, утверждавший, что в основе натуры лежат простые геометрические объемы: шар, цилиндр, конус. Кубисты пошли еще дальше, разложив вещи на простейшие составные элементы, внесли ритмические диссонансы, сдвинули плоскости. Они отказались от изображения человека во всем его своеобразии, увлеклись чисто формальными поисками.

Новое направление заявило о себе весной 1907 г. Сам термин кубизм появился, когда в 1908 году художник Жорж Брак выставил картину «Дома в Эстаке», про которую Матисс сказал, что она похожа на детские кубики. Вскоре один из критиков заметил, что живопись Брака – это изображение кубов.

Главный враг кубизма при этом – не буржуазный мир, а зрительное восприятие мира, глаз как таковой. Если мир плох, - говорит кубист, - виновато зрение, которое его все время воспроизводит перед нами. Это переворачивание причины и следствия с ног на голову и стало законом кубизма.

Фернан Леже (1881—1955)

Родился в 1881 году во Франции, в Аржантене. Леже получил двухлетнее архитектурное образование, позднее был вольным слушателем Школы изящных искусств в Париже. С 1909 г. Леже примыкает к новому направлению, кубизму. Значительное место в творчестве Леже занимают социальная и индустриальная темы. Участие Леже в первой мировой войне повлияло на стиль его последующих работ. В своих полотнах он стал использовать много технократических символов, изображая свои объекты и людей в урбанистических, техногенных формах. В середине ХХ века Леже имел успех и как художник декоративно- прикладного искусства, и как скульптор. Создавая мозаику, керамику и гобелены, он также использовал принципы конструктивизма.

Пабло Пикассо (1881 – 1973)

Его отличали беспокойные искания, страстное и саркастическое отношение к миру. Метания от формализма к реализму, от абстракций к большим современным темам. Пикассо был живописцем, графиком, мастером прикладного искусства. Пикассо родился в Испании, но почти всю жизнь провел в Париже, где поселился в 1904 году. В 1904 году он встретился с поэтами Аполлинером, Жакобом и Сальмоном, поклонниками Рембо и Малларме. К этому времени Пикассо уже полностью овладел техникой традиционного рисунка и, и начался его первый период в живописи, который получил название «голубой» или «розовый». Героями его произведений 1905 – 1906 гг. героями картин Пикассо этого времени были простые люди: акробаты, женщины, странствующие комедианты, нищие. Это люди одинокие, обделенные, хрупкие, изможденные. Лица их печально-сосредоточенны, невидящие глаза, они смирились со своей судьбой. Такова картина «Старый нищий с мальчиком» 1903 г. (ГМИ).

«Любительница абсента» 1901 г. (Эрмитаж)

Перед нами сумрачная женщина, картину отличает психологическая острота, женщины испитое угловатое лицо, сурово сжатые губы, опустошенный взгляд, нервные движения гибких рук – трагический образ человека, покорившегося судьбе. Цветовая гамма сине-голубой, розово-золотистый серебристо-голубой тона раскрывают тончайшие лирические настроения, поэтическую прелесть образов. Силуэты изящны и хрупки.

«Девочка на шаре» 1905 г. (ГМИ)

Сине-голубая цветовая гамма. Девочка кажется беззащитной и в то же время беззаботно-смелой. Контраст угрюмо-неподвижного атлета с квадратной спиной и хрупкой девочки составляет главный нерв картины. Беспокойно- угловатые движения рук контрастны нежным линиям фигурки девочки. Замечательно красное пятно цветка в ее черных волосах.

И уже в этот период творчества Пикассо удлиняет руки, заостряет формы, то есть немного отходит от реализма.

1906 – 1907 г. – рождение кубизма. В 1907 г. Пикассо написал пародию на вывеску публичного дома и назвал ее «Авиньонские девицы». Изменились сами приемы работы, цветовая гамма. Стали господствовать темно-коричневые тона, оливково-бурые, сами девицы предстали в гротесково-уродливом виде пародией на трех граций. Группа художников: Пикассо, Брак, к ним примкнули Фернан Леже, Робер Делоне мечтали о новом искусстве.

«Портрет Воллара» 1909 – 1910 гг. (ГМИ)

Портрет строится как ритм бесплотных рассыпающихся геометрических пластиной, исчезли объем и цвет.

На картинах Леже мир предстал как хаотический набор пирамид и цилиндров. Борьба с объемной живописью достигла предела, исчезла глубина, светотень, цветовое пятно стало неинформативным. Отсюда – полное отречение от сознания, так как живопись кубистов не стремится проникнуть в тайны мира, а превращает картину в предмет как таковой.

После Первой мировой войны Пикассо обратился к светлым и даже идилличным образам сильных и здоровых людей, увлекся античной скульптурой и вазописью.

«Мать и дитя» 1921 г.

Монументальные образы, массивные округлые формы передают ощущение здоровой силы.

«Сидящий Арлекин» (1923г.)

Пикассо находил сходство между художником и шутом: тот и другой печальны, одиноки и обязаны развлекать публику. В этой работе, проникнутой чувством умиротворения, ощущается влияние классического итальянского искусства. На картине портрет друга Пикассо каталонского художника Жасинто Сальвольдо. Заметны внимание к модели, тщательность письма, при этом Пикассо не дописывает некоторые части костюма, заставляя нас принять участие в «додумывании» деталей портрета и тем самым вовлекая в процесс творчества. Лицо вылеплено по законам светотени, техника передает трехмерность пространства.

«Обнаженная в красном» (1929г.)

Это произведение производит совсем другое впечатление. Созданное в год начала великой депрессии, возможно, оно отражает те настроения, которые захватили цивилизованный мир. Мы видим глубокое смятение, охватившее художника. Вновь воскресли приемы кубизма: образ разъят на части, женщина предстает свирепым чудовищем, чувствуется сильное влияние возникшего в 1925 г. сюрреализма: тема смерти, своеобразно переплетающаяся с эротикой, нечто из кошмарных сновидений. Цвета яркие, без полутонов, чистые, отсюда – еще большее ощущение контраста между ведущими цветами картины. При этом человеческое тело занимает главное место и на этом полотне, но разъятое на части, со смещенными чертами лица и частей самого тела. Этим он достигал непосредственности и остроты в передаче драматизма мира.

«Герника» (1937г.)

В 1937 г. Пикассо навсегда покинет Исмпанию после того, как в ней установится фашистский режим Франко. По своим политическим убеждениям Пикассо был республиканцем, так же как американский писатель Хэмингуэй, совесткие интернационалисты. Самое известное произведение Пикассо этого времени – «Герника», полно символизма, трагического ощущения кошмаров эпохи. Герника – небольшой город в Испании, на который 26 апреля 1937г. обрушились сотни бомб немецкой авиации. Погибло 1654 человека, 889 было ранено. Герника стала первым городом, уничтоженным в ходе авиационного налета. Главная идея картины: искусство вторгается в жизнь и ужасается ей. Отсюда – центральный образ полотна: муза с лампой, пытающаяся осветить ужас происходящего. Картина построена как триптих: центральное изображение обрамлено двумя створками, но это не церковная, а светская живопись. Сдержанный колорит отвечает сюжету картины. Мертвое дитя на левой створке безжизненно свешивается с рук матери, ее открытый в крике рот и неистовый вопль переданы при помощи языка, напоминающего кинжал или осколок стекла. Такие осколки рассеяны по всему полотну. На картине немало подобных ребусов, что вступало в противоречие с задачей, поставленной художником. На переднем плане отрубленная голова и рука, сжимающая обломок меча. Возможно, это – образ страшной и бессмысленной бойни. Лампочка над головой коня – всевидящее око Божие. Хрупкий цветок рядом с обломком меча напоминает о хрупкости и вечном торжестве самой жизни. Руки, воздетые в бессильной попытке остановить падающие бомбы, напоминают центральный персонаж «Расстрела третьего мая 1808 г.» Гойи, которого Пикассо очень высоко ценил. Впервые Пикассо выставил «Гернику» в Париже в 1937 г. на всемирной выставке. Споры вокруг художественных достоинств картины и ее политического смысла разгорелись сразу же. Они длятся и по сегодняшний день, хотя картина уже давно признана одним из самым значительных шедевров 20 века и хранится в Испании, в музее Прадо, в отдельном зале за пуленепробиваемым стеклом.

Пикассо стал членом Французской компартии, испытывал симпатии к Советскому союзу. В 1949 г. он создал рисунок «Голубь мира», ставший самой знаменитой эмблемой, получил премию мира. Противоречивое и необыкновенно яркое творчество Пикассо стало отражением сложнейших процессов, происходивших в искусстве 20 века.