Для человека, как есть и пить
| Вид материала | Документы |
- Введение умеем ли мы общаться?, 8036.32kb.
- Стеценко Олег Викторович Как не пить, 612.76kb.
- Целью религии является благо, спасение, блаженство человека, 640.62kb.
- Волк и козлята Русская народная сказка, 21.35kb.
- Гимнастика в системе натуротерапии, 1579.08kb.
- Гимнастика в системе натуротерапии, 1579.59kb.
- Беседы для школьников среднего звена по профилактике алкоголизма 5 класс о вреде алкоголя, 361.08kb.
- Учение о боге, 266.16kb.
- «Школьное молоко», 44.55kb.
- Существа вне его. Личность бога есть не что иное, как отделенная, объективированная, 805.74kb.
ВВЕДЕНИЕ
Искусство есть такая же потребность
Для человека, как есть и пить.
Потребность красоты и творчества,
Воплощающего ее, неразлучна с человеком.
Ф. М. Достоевский.
История свидетельствует о том, что человек всегда был неразлучен с искусством. В горах, в пещерах разных стран мир сохранились древние наскальные изображения, о которых слышали на уроках истории. (см. приложение, рис 1). Потребность изображать увиденное возникло у человека очень давно, задолго до изобретения письменности.
Такое понятие, как «изобразительное искусство», включает в себя три основных вида: живопись, графику и скульптуру. В данной курсовой работе я предлагаю подробное знакомство с жанром натюрморта в живописи, а именно в технике акварель.
Произведения живописи, богатые по своему идейному содержанию и совершенные по художественной форме, формируют художественный вкус, способность понять, различить, оценить прекрасное не только в искусстве, но и в действительности, в природе, в быту. Живопись воссоздает все богатство и многообразие мира. Средствами живописи воссоздается реальный мир с пространственной глубиной, объемом, цветом, светом, воздухом.
Зачастую люди внушают себе, что они не способны создать что – либо приличное и оправдывают эту неспособность отсутствием «природного дара». Нет ничего ошибочней этого мнения. Рисовать учатся так же, как
3
учатся любым другим навыкам. К примеру, читать и писать. «Природный
дар» - это разве что самая малость, которая позволяет овладеть подлинным
мастерством. С большими или меньшими трудностями, как и в любой другой
ситуации, каждый из нас способен достигнуть хорошего уровня. Достаточно
проявить упорство и последовательность, используя испытанные методы. И
результаты не заставят себя ждать. Постепенно рисование превратится в
привычное занятие, а доставляемое учащимся удовольствие и восхищение
достигнутыми успехами станут лучшей наградой за вложенный труд и
прекрасным стимулом для дальнейшего совершенствования.
4
ГЛАВА1. Жанр натюрморта.
Искусство обширно и неисчерпаемо.
С каждым поколением открываются новые
горизонты и пути, по которым должны
устремиться еще художники в будущем.
И. Н. Крамской.
1.1 История развития натюрморта как жанра живописи.
Мир искусства многогранен. Одной из прекрасных его граней является изобразительное искусство и, в частности, живопись. А одним из интереснейших и своеобразных жанров живописи – натюрморт. Натюрморт как жанр живописи возник в Европе на границе 16-17 столетий, но его предыстория началась значительно раньше. Наряду с бытовым жанром, натюрморт долгое время считался второстепенным видом живописи, в котором невозможно выразить высокие общественные идеи, гражданские добродетели. Однако великие мастера доказали, что вещи могут характеризовать и социальное положение, и образ жизни их владельца, порождая, таким образом, различные ассоциации и социальные аналогии.
Древние авторы упоминают о первом мастере натюрморта –греческом живописце Пернакосе, жившем в эллинистическую эпоху. Возможно, что его картины послужили образцами для фресок в Помпеях.
Это яркие и сочные изображения цветов, фруктов, а также ритуальных сосудов, письменных приборов, монет.
Наиболее распространенной разновидностью натюрморта
5
является изображение предметов домашнего обихода. Этот тип натюрморта, тесно связанный с развитием бытового жанра, интерьера, пейзажа, ярко расцвел в западноевропейском искусстве 17 века. Каждая национальная художественная школа по-своему, самобытно решала эту проблему. Так, например, голландский натюрморт 17 века поражает богатством тем. В каждом художественном центре страны живописцы предпочитали свои композиции: в Утрехте – из цветов и плодов, в Гааге – из рыбы. В Харлеме писали скромные «завтраки», в Амстердаме – роскошные «десерты», а в университетском Лейдене – книги и другие предметы для занятий науками и традиционные символы мирской суеты – череп, свечу, песочные часы.
В натюрмортах относящихся к началу 17 столетия, предметы расставлены в строгом порядке, словно экспонаты в музейной витрине. В подобных картинах детали наделены символическим значением: яблоки напоминают о грехопадении Адама, а виноград – об искупительной жертве Христа. Раковина – оболочка, оставленная когда-то жившим в ней существом, увядшие цветы – символ смерти. Бабочка, родившаяся из кокона, означает воскрешение. Таковы, например, полотна Балтазара анн
дер Аста (1590 – 1656 гг.)
У художников следующего поколения вещи уже не столько напоминают об отвлеченных истинах, сколько служат для создания самостоятельных художественных образов. В их картинах привычные предметы обретают особую, не замеченную прежде красоту. Вид натюрморта, получивший название «завтраков», приобрел наиболее совершенные и законченные черты в творчестве живописцев харлемской школы Питера Класа и Виллема Хеды . Они стали создателями национального натюрморта с изображением накрытых столов,
6
уставленных скромным набором предметов , типичных для семьи голландского бюргера 1630 – 1640-х годов. Интимность, простота и серьезность этих произведений отражают бытовой уклад, вкусы, симпатии и настроения первого поколения голландского буржуа, выросшего в свободной, независимой стране.
Харлемский живописец Питер Клас (1597 – 1661 гг.) тонко и умело подчеркивает своеобразие каждого блюда, бокала, горшка, найдя для любого из них идеальное соседство«Завтрак с ветчиной» (см. приложение рис ). В натюрмортах его земляка Виллема Класа Хеды (около 1594 – около 1680 гг.) царит живописный беспорядок. Чаще всего он писал «прерванные завтраки». Смятая скатерть, перепутанные предметы сервировки, еда, к которой едва притронулись, – все здесь напоминает о недавнем присутствии человека. Картины оживлены многообразными световыми пятнами и разноцветными тенями на стекле, металле, полотне («Ветчина и серебряная посуда», «Завтрак скрабом», 1648 г. См. приложение рис ).
Во второй половине 17 века место скромных «завтраков» Класа и Хеды займут более богатые и эффектные «десерты» Адриана анн Бейерена и Виллема Кальфа. На их полотнах изображены грандиозные пирамиды из дорогой посуды и экзотических фруктов. Здесь и чеканное серебро, и голубой фаянс, и кубки из морских раковин, цветы, виноградные гроздья, полуочищенные плоды. В этих натюрмортах поражает любовное внимание к особенностям каждого предмета, умение тонко сопоставить материал и фактуру, разнообразные композиции, изысканные красочные сочетания, виртуозное мастерство в передаче каждого предмета.
Резким контрастом к этим небольшим полотнам выглядят картины фламандских художников того же времени. Это огромные декоративные натюрморты с изображением сочных и спелых плодов,
7
фруктов, битой птицы, кабаньих и оленьих голов, разделанных мясных туш, разнообразных рыб, от самых обычных до редких и экзотических пород. Автором этих картин был Франс Снейдерс (1579 – 1657 гг.), а сами полотна составляют оригинальный и своеобразный тип натюрморта, получивший название «лавки» («Рыбная лавка», «Фруктовая лавка», «Натюрморт с лебедем»). Снейдерс с любовью и мастерством передает цвет, форму, фактуру предметов, располагая дары природы в неожиданных сочетаниях и при резком освещении, и объединяет их в роскошные декоративно-целостные циклы картин.
Художественная доктрина классицизма отнесла натюрморт к числу низменных жанров, однако именно в 18 веке во Франции появляются великолепные полотна Ж. Б. С. Шардена (1699 – 1779 гг.). Мастер был знаком с голландской и испанской традициями этого жанра, но его отношение к натюрморту неповторимо и оригинально. Для своих картин он выбирал несколько очень простых предметов («Медный бак», «Трубки и кувшин»), составляя из них строгую и ясную композицию. Краски художника или яркие, или приглушенные, на манер рококо. Шарден первым стал писать саму плоть, материю вещей их подлинным цветом, вместо того, чтобы раскрашивать их. Особое место в его творчестве занимают натюрморты с предметами искусств, наук, музыки. В каждом из них, как в картине «Атрибуты искусств» (см. приложение рис. ), он изображает орудия и принадлежности труда, прославляя человека, его профессию, различные источники знаний и творчества.
Интерес к натюрморту значительно усиливается во второй половине 19 века. Импрессионисты во Франции ставят акцент на живописном восприятии мира вещей, решают проблемы светоцветовых отношений, нередко трактуют натюрморт как своеобразное декоративное панно.
8
Постимпрессионисты (П. Сезанн, В. Ван Гог, А. Матисс) в натюрмортах акцентируют свежесть первого впечатления, разрабатывают сложные проблемы композиционного и цветового решения картины. Необычайно колористическая экспрессивность А. Матисса видна в работах: «Подсолнечники в вазах» – теплая цветовая гамма; «Фрукты и кофейник» – холодная гамма; «Синий горшок и лимон» – цветовая доминанта. П. Сезанн в своих натюрмортах великолепно использовал свойства холодных тонов уходить в глубину, а теплых – выдвигаться навстречу («Фрукты», «Натюрморт с яблоками», «Персики и груши»). Он также утверждал, что «все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра…»; пространственное восприятие предмета зависит от его цвета.
С начала 20 века натюрморт становится своего рода творческой лабораторией живописи. Мастера фовизма идут по пути обостренного выявления эмоциональных и декоративно-экспрессивных возможностей цвета и фактуры, в то время как представители кубизма (П. Пикассо) утверждают новые способы передачи пространства и предметов: конструируют объемы на плоскости, расчленяют формы на простые геометрические тела, воспринятые с разных точек зрения, применяют суровые, почти монохромные тона, в затем вводят в картины коллажи – различные присыпки, куски газет и другие материалы.
В зарубежном натюрморте середины и второй половины 20 века выделяются работы итальянского живописца Д. Моранди, отличающиеся мягким созерцательным настроением, ясными композиционными построениями, блеклой цветовой гаммой. Социальные тенденции нашли отражение в экспрессивных, скупых по подбору предметов произведениях мексиканцев Д. Риверы, Д. Сикейроса, итальянца Р. Гуттузо.
9
Первые русские натюрморты – «обманки» – работы Г. Теплова и Т. Ульянова появились в России в 18 веке. «Обманные» натюрморты, изображающие развешанные по деревянной стенке предметы и книжные полки отличаются тем, что художники стремились довести до предела иллюзию – зритель должен был обмануться, принять изображение за натуру. Натюрморт рассказывал о круге занятий художников-интеллигентов (чтение, музицирование, увлечение искусством, деловая переписка) и просто о предметах быта.
В начале 19 века появилась мода на «ботанический натюрморт» – это были натюрморты Ф. Толстого: «Ягоды красной и белой смородины», «Букет цветов, бабочка и птичка». В конце 19 века – в начале 20 века натюрморт выходит из жанра пейзажа. Художники восхищаются предметами не столько за их собственную красоту, сколько за причастность к прекрасному, полному воздуха и света миру. Новые натюрморты появляются из под кисти известных пейзажистов, например; И. Левитан «Одуванчики»; И.Э. Грабарь «Хризантемы», «Ваза с флоксами»; К. Коровин «Натюрморт. Розы», «Сирень», «Букет на берегу моря», «Цветы и фрукты» (см. приложение рис ).
На начало 20 века приходится расцвет русского натюрморта. К. Коровин и мастера объединения «Бубновый валет» создают мажорные, сочные произведения, воспевающие полнокровную красоту бытия. Произведения Ильи Машкова прекрасно демонстрируют особенности «русского сезаннизма». Его натюрморты – это куски жизни, это предметы самые обычные, но поданные с самой лучшей их стороны. В натюрморте «Синие сливы» художник стремился передать сочную синеву плодов и их упругую форму. В других работах «Снедь московская. Хлебы» мастер стремился привлечь внимание к красоте самих красок – густых и очень ярких.
10
В советском искусстве 20-30 годов и в последующие годы над натюрмортами работали такие художники: П. Кончаловский, А. Куприн, А. Лентулов, М. Сарьян, А. Остернин, А. Герасимов, З Церетели, В. Игошев, Н. Сапунов (см. приложение рис ). Своеобразные по манере, отражающие существенные особенности современной эпохи, натюрморты были созданы в 40-50 годах П. Кузнецовым, Ю. Пименовым. В 60-80 годах тяготение к повышенной предметности изображения, стремление к эстетизации. Окружающего человека мира вещей наблюдалось в натюрмортах В. Стожарова, А. Никич.
Весьма своеобразные натюрморты представителей поп-арта, провозгласивших после засилья абстракционизма «возвращение к реальности». Их работы воспроизводят предметы домашнего обихода, упаковку товаров, детали машин и рассчитаны на многообразные ассоциации у зрителя.
Ознакомившись с историей натюрморта, мы поняли, что этот термин появился в начале 19 века во Франции и означает «мертвая натура». «Натюрморт – это жанр, в котором художник выражает свое отношение к действительности посредством изображения предметов, которые он объединяет сначала в натуре, а затем на полотне смысловыми и эстетическими связями, не обязательно обусловленными, жизнеподобными; бытовыми, пространственными отношениями между этими предметами» (Г.К. Черлинка, «Натюрморт в советской живописи» // Искусство, 1988 г. №5, с. 13).
Жанр натюрморта многогранен, его основной объект – интимная, частная жизнь человека, его простые будничные дела и потребности, выраженные в предметах – еде, питье, домашней утвари, элементах растительного мира, произведениях прикладного и изобразительного
11
искусства, объектах и инструментах труда. Художник изображает внешний мир: форму, цвет, фактуру предметов, плотность, мягкость, сочность, влажность, прозрачность, хрупкость. Одна из основных тем жанра – тема любви к природе, тема её познания и освоения, восхищения изобилием её даров, в бесконечной красоте и разнообразии. Функция этого жанра – придать неизменность изменчивому, закрепить нестойкую красоту, сдержать ход времени, сделать тленное вечным. Это придает натюрмортам философскую глубину.
12
1.2 Основы композиции.
Любое изображение в изобразительном творчестве начинается с композиции. Композиция – это объединение всех частей учебного рисунка, произведения искусства для наиболее яркого выражения и содержания. Композиция изображаемых элементов имеет существенное значение в плане выразительности. Расположение листа бумаги (горизонтальное, вертикальное, квадратный лист), положение предметов (в центре, внизу, вверху листа) и расположение различных элементов не должны быть случайными.
Вначале следует делать карандашный набросок очертаний изображаемого предмета тонкими линиями, чтобы уяснить его пропорции, соблюдая равновесие его размещения на листе. Динамичность фигуры определяется форматом и расположением листа (при квадратном формате она меньше, чем при прямоугольном, при горизонтальном расположении меньше, чем при вертикальном), а также ее положение на листе (при центральном положении она меньше, чем при смещении в сторону, при положении внизу меньше, чем при положении вверху).Темные тона всегда создают полюс притяжения и придают «вес» фигуре, и, следовательно, при ее расположении вверху возникает впечатление, будто она находится в «подвешенном» состоянии.
На листе бумаги прочерчиваются оси, затем выполняется набросок предмета в его общих пропорциях и определяются его точные пропорции. Далее наносятся основные линии. Даже очень сложные рисунки, состоящие из нескольких элементов или содержащие тонкие детали т отдельные компоненты сложных образцов, подчиняются этому правилу.
13
1.3 Построение натюрморта.
…Самый совершенный руководитель,
Едущий через триумфальные врата
К искусству,- это рисование с натуры.
Ч. Ченнини.
Перед началом рисования с натуры необходимо внимательно рассмотреть предметы, входящие в натюрморт: определить их форму, конструкцию, выявить соотношения размеров частей предмета, а так же соотношение размера между предметами, входящими в натюрморт. Затем необходимо правильно выбрать расположение листа бумаги вертикально или горизонтально. Определить место расположения предметов на листе. Для этого вспомним законы композиции: определить общие пропорции натюрморта и провести осевые линии. Рассмотрим форму предметов. Форма предме6та определяется конструкцией – строением. Основу любой формы составляют простейшие геометрические тела – куб, параллелепипед, пирамида, цилиндр, шар и т.д. Кринка состоит из 2 частей: горловины и тулова. Кринка может иметь сходства с такими геометрическими телами как шар и конус, шар и усеченный конус, цилиндр и 2 усеченных конуса. Анализ формы кринки, входящей в натюрморт. Определение пропорций кринки. Пропорции предметов (кринки) – это соотношение размеров ширины и высоты, а также их частей. Схематически уточняем натурную постановку по форме. Построение эллипсов горловины и плеча с учетом искажения видимой формы: скругляем левый и правый край овала на горизонтальной осевой линии и соединяем другой с верхней и нижней точками овала на вертикальной оси. Яблоко имеет сходство с геометрическим телом – шар. Выполняя работу необходимо постоянно смотреть на натурную постановку и сравнивать ее с изображением на листе Выполняя работу можно
14
придерживаться следующего порядка:
- Намечайте верх и низ рисунка (чтобы «хватало листа»).
- Намечаем общую форму предмета.
- Сравниваем набросок с натурой, уточняем относительные размеры (ширина, высота), подчеркиваем характерные особенности предмета
15
ГЛАВА 2 НАТ ЮРМОРТ АКВАРЕЛЬЮ
2.1 История развития акварельной техники.
Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во 2 веке нашей эры. В 12-18 веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии. Предшественницей акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреске), позволяющая получать сходные эффекты. В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других городов живописи. Из первостепенных художников ренессанса значительный след в акварели оставил Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали Антонис ванн Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа 18-19 веков, так что даже в 1829 году Тайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьезного внимания.
В середине 18 века рисования водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е годы и воспевающие красу английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже 18-19 века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гертина и наконец, прежде всего, Джозефа Тернера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи. В 1804 году было основано общество акварелистов. Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине 18 века моды на портретную миниатюру, - жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники–любители.
Новации Гертина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого
16
фронта и существенно обогатившего арсенала технических приемов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъем английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажист Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Беркеп Фостер, Фридерик Уокер и др. мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рескина, объявившего Тернера крупнейшим художником своего времени. В середине 19 века акварель завоевала широкую популярность в США благодаря работам таких художников как Уильям Трост Ричард, Томас норан, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.
Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Хозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.
К концу 19 века произошел некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанной с тем, что многие новые краски введенные в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Саржент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.
17
2.2 Акварель в России.
Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в Санкт-Петербурге. Первое имя в летописи русской акварели Петр Федорович Соколов (1791-1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своих современников.
Акварелью, в портрете работали живописец Карл Брюллов (1799-1853) и его брат – архитектор Александр Брюллов (1798-1877). Акварелисты Василий Садовников (1800-1879) и Людвиг Премацци (1818-1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.
Во второй половине 19 века акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михайлом Клодтом (1832-1902), маринистами Львом Лагорио (1828-1905) и Александром Беггровым (1841-1914) свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы как Илья Репин (1844-1930), Михаил Врубель (1856-1910), Валентин Серов (1865-1911) (см. приложение, рис ). Кульминацией развития русской акварели явилась организация в 1886 году «общества русских акварелистов», первым председателем которого стал Альберт Бенуа (1852-1936). Общество вело активную выставочную деятельность, сформировав за период 1896-1918 годы 38 выставок. В 1918 году общество акварелистов прекратило свою деятельность. Однако акварельная живопись не умерла ею занимались художники всех тогда существовавших союзов и объединений. Советская школа акварели восприняла и продолжала традиции профессионализма мастерства художников предыдущих поколений. Роль акварельной живописи была подчеркнута обширными Всесоюзными акварельными выставками, первая из корорых состоялась в Москве в 1965 году. Среди российских мастеров 20
18
века имена Николая Тырсы (1987-1942), Сергея Герасимова (1885-1964), Георгия Верейского (1886-1962), Владимира Конашевича (1888-1963), Александрв Самохвалова (1894-1971) и т. д.
Такова в общих чертах история развития русской акварели. ЕЕ особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце 20 века рост интерес к акварели, изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие специализированной школы акварели Сергея Андрияки.
19
2.3 Цвет в живописи.
Цвет - одно из основных художественных средств в живописи. Изображение предметного мира, разнообразных свойств и особенностей натуры в живописи посредством отношения цвета и цветовых оттенков. К основным качествам цветами относятся: цветовой тон –особенность цвета, отличающая его от других цветов спектра (красный, синий, зеленый и др.); светосила цвета- способность того или иного цвета отражать световые лучи. То есть это сравнительная степень отличия от темного: чем дальше от темного, тем большую светлоту имеет цвет. Различают более светлые и более темные цвета; насыщенность (интенсивность) цвета- количество определенного цвета, степень интенсивности (яркости) цвета. Насыщенность цвета краской, может изменяться в результате разбавления ее водой (в акварели) или от прибавления к ней белил в масляной или гуашевой живописи. В живописной практики всякий цвет всегда рассматривается в отношении к окружающим его цветам, с которыми он находится во взаимодействии. В основе этой зависимости лежат отношения холодных и теплых цветов и оттенков. Представление о холодном цвете в натуре и в произведениях искусства обычно связывают с цветом льда, снега, лиловатым, сизым цветом грозовых туч и т. д., а о теплом – с цветом огня, солнечного цвета и т. д. Большое значение в живописи имеют и отношения дополнительных цветов и оттенков. Эти цвета и оттенки, взятые в сопоставлении, взаимно усиливают друг друга. К дополнительным цветам относятся следующие пары цвета: красный и травянисто-зеленый, лимонно-желтый и фиолетовый, оранжевый и синий. Эти цвета контрастны между собой. Контрасты дополнительных, холодных и теплых цветов являются неотъемлемым элементом цветового решения картин, служащим для более правдивого.
Цвет – одно из важнейших средств создания художественного образа. Сила воздействия цвета на чувства человека, способность различных цветов по-
20
разному влиять на его настроение играют в живописи важную роль. Здесь цвет является элементом композиции произведения. Не только распределение в картине цвета и света, но и подбор цвета помогает ярче выразить содержание произведения, создать в нем определенное настроение. Кроме того, цвет в живописи имеет и эстетическое значение. Картина своими красками, красотой колорита должна вызывать у зрителя чувства эстетического наслаждения. Колорит – это взаимосвязь, гармония всех элементов изображения, объединение всех цветовых сочетаний, цветовых оттенков в единый цветовой строй. С помощью колорита художник передает свои идеи, свои переживания, состояние и настроение. Этим качествам обладают произведения разных эпох.
21
2.4 Основные приемы работы акварелью.
Постепенный размыв. Увлажните всю поверхность бумаги. Сделайте горизонтальный мазок густой яркой краской по верхнему краю бумаги. Немного разбавьте цвет, опустив кисть в воду. И еще один горизонтальный мазок с небольшим нахлестом на предыдущий. Снова смочите кисть в воде и сделайте еще один горизонтальный мазок. Так, все больше разбавляя цвет, продвигайтесь к нижнему краю листа. Можно делать это снизу вверх или же справа на слева.
Закращивание по контурам. Это совсем не сложная техника. Оставшиеся белые контуры вы затем будете заполнять другой краской. Для этой техники весьма рекомендуются плоские кисти.
Лессировка. (нем. Lasierung, букв. – «покрытие глазурью»). Прием живописной техники: нанесение тонких слоев прозрачных и полупрозначных красок поверх просохшего плотного слоя. Лессировка позволяет изменить, усилить или ослабить цветовые тона, достигнуть легкости и звучности тона, обогатить колорит, придать ему больше единства и гармонию. Это техника требует аккуратной работы кистью без лишнего нажима, чтобы не размазать нижний слой. Такая техника хорошо для рисования теней. Лессировкой обычно заканчивалось в 16-19 века исполнение картин; в 20 веке значение лессировки сохраняется в направлениях живописи, ориентирующихся на классическую традицию. Существуют явления, доступные реалистической живописи только благодаря этому роду техники.
Техника по-сырому. Использование сложной акварельной техники по-сырому, или как ее еще называют «мокрой» акварели приносит в жизнь художника ощущения неожиданности и искреннего восторга. Ведь никогда не знаешь наперед, каким образом растечется на мокром листе акварельная
22
краска. Сложность использования заключается в следующем. Для того чтобы начать рисовать нужно место и это обязательно должна быть горизонтальная поверхность, иначе краски просто стекут. Далее понадобится много воды. Для того, чтобы полностью намочить лист. После того как лист намочили, требуется снять с него излишки воды, для этого подойдет простой кусок ваты. Снимайте до тех пор пока лист не перестанет «блестеть». Когда все готово берем в руки несколько кистей и палитру и начинаем творить шедевр. Нельзя на одно и то же место на листе наносить несколько слоев краски, от этого акварель может стать грязной. Нужно быть предельно четким в выборе краски и тона каждый раз. Вот почему у акварелистов существует ещё и КПД (коэффициент полезного действия). КПД у каждого свой – у кого –то одна из пяти, а у кого и из десяти. Но мало того что нужно сосредоточенно работать головой ещё требуется иметь везение. Акварельные краски могут свободно перемещаться по мокрому листу и от того куда она потечет, зависит будущее шедевра.
После того когда закончите пользоваться красками оставьте лист на несколько часов для просушки, а затем проработайте более четкие элементы переднего плана (если это требуется).
Техника «Аля прима». Означает в один прием, ведущая родословную от французского импрессионистов. Позволяет раскрыть всю прелесть и уникальность такой краски как акварель. Это быстрое письмо по мокрой бумаге, при котором создаются неповторимые эффекты переливов, разводов, перетекания краски, которые живут, дышат, и которые невозможно достичь никаким сколь угодно усердным прописыванием. Для успешного овладения этой техники важно не только количество проб и работ, но знание приемов классической акварели.
Техника «Тонкие линии». Для этого приема потребуется тонкий
23
колонок – «такелажная» кисть. Такое название восходит к традиции художников – маринистов, которым приходилось тщательно прорисовывать такой кистью мелкие веточки на деревьях. Кисточка держится под прямым углом к бумаге. Чем сильнее наклон, тем толще получится линия.
«Сухая» техника. Метод сухой кисти впервые начал свое существование приблизительно в середине 20 века, советские художники исполняли графические и цветные портреты растирая кистями краску. Сухая кисть используется иногда в нескольких техниках последовательно: сухая кисть, акварель, цветные карандаши, темпера. В современном изобразительном искусстве сухая кисть воспринимается, как нетрадиционная техника рисования, которую используют в основном свободные художники Арбата.
Творческий процесс над серией натюрмортов начинался не с первых
штрихов карандаша или мазков краски, а с задумывания и постановки
натюрморта, выбора его темы.
Пространство передается перспективным изменением цвета. Предметы,
расположенные ближе к зрителю, выделила четче, в них яснее видны все детали
формы, все переходы цвета на объеме. Чем дальше находится предмет, тем в
большей степени он теряет светлоту и насыщенность цвета и тем меньше
становится контраст света и тени.
На переднем плане начинала работу с обобщенной передачи объемов
предметов. Находила цвета предметов, определяя основные цветовые отношения
в натюрмортах. Найденные цвета накладывала крупными пятнами на
соответствующие места рисунка натюрмортов. Каждый цвет сравнивала с
остальными и при необходимости уточняла их. Цвета начинала накладывать со
светлых мест предметов, потом переходила к более темным, затем к самым
темным, а в нужных местах делала плавный переход от светлого цвета к более
темному. Там, где было необходимо, цвет усиливала повторным наложением.
Таким образом, отношения цветов в акварельных работах постепенно подводила
к натуре. Накладывая тени, выделяла цвет рефлекса, а на освещенной части –
блик. Заканчивала работу над натюрмортами обобщением отдельных оттенков
цветов, подчиняя их всем другим цветам. Этим добивалась целостности
впечатления от постановки. Последние мазки сделала прозрачными и яркими
красками.
«Ребенок по своей природе – пытливый исследователь, открыватель
мира. Так пусть перед ним открывается чудесный мир в живых красках, ярких
и трепетных звуках – в сказке, игре, в собственном творчестве, в красоте» –
так говорил В.Н. Сухомлинский.
III. Заключение.
Каждый живописец видит в натюрморте средства для выражения
собственного поэтического мира, что и отразилось в моих трех работах.
Своеобразие жанра натюрморт заключается в его больших изобразительных
возможностях. Через материальную сущность конкретных предметов художник
может в образной форме отразить собственные стороны жизни, вкусы и нравы,
социальное положение людей, важные исторические события, а иногда и целую
эпоху. Через целенаправленный отбор объектов изображения и их трактовку, он
выражает свое отношение к действительности, раскрывает свои мысли и
чувства. В натюрморте художник обращается к миру неодушевленных вещей,
выделяя их из всего большинства окружающего его мира. В натюрморте нет
предмета как такового, но героями стали сами предметы натюрмортной группы.
Можно оценить их материальные качества – их тяжесть, пластику форм, рельеф
и фактуру поверхности, детали, а также их взаимодействие со средой – их
жизнь в среде. За счет именно своей материальности предметы будут интересны
детям, а, значит, несложно будет организовать процесс восприятия,
рассматривания картин. Совершая воображаемое путешествие в картину-
натюрморт, ребенок различает планы в картине, понимает и принимает
некоторые условности, диктуемые плоскостью холста. «Натюрморт больше, чем
какой-либо другой жанр ускользает от словесных описаний, натюрморт надо
внимательно смотреть, разглядывать, погружаться в него. В этом смысле
натюрморт – ключ к любой картине, так как он учит постигать собственно
живопись, любоваться изображением, его красотой, силой, глубиной – только
так постигается истинное содержание любой картины, её образ.» (И.С.
Болотина)
Главной целью художественного развития должно быть пробуждение у
детей «не отчужденного» и ответственного отношения ко всему, что окружает
их в жизни. Такое отношение лежит в основе искусства художественного
освоения мира человеком и может быть развито у детей в процессе
преподавания художественных дисциплин. Содержанием преподавания предметов
художественного цикла следует считать не список произведений искусства, не
освоение терминологии, понятий, умений, а те особые мысли, чувства,
отношение к жизни и к искусству, которые ребенок открывает в себе и людях,
авторах художественных произведений в процессе решения творческих задач,
связанных с созданием и восприятием художественных образов, и приобщение
ребенка через переживание и сопереживание к полноценному художественному
творчеству и сотворческому восприятию искусства.
IV. Библиография
1. Ашиков В.И., Ашикова С.Г., Семицветик. Программа и руководство по
культурно-экологическому воспитанию и развитию детей дошкольного
возраста. – М.: Педагогическое общество России, 1998. – 172 с.
2. Белкина В.Н., Васильева Н.Н., Елкина Н.В. Дошкольник: обучение и
развитие. – Ярославль: «Академия развития», «Академия Ко», 1998. –
С. 70-81.
3. Ганжало Т. Как ставить натюрморт//Юный художник. – 1990. – №5 –
С. 18-20.
4. Григорьева Г.Г. Изобразительная деятельность дошкольников. – М.:
Издательский центр «Академия», 1998. – 272 с.
5. Данилова Н.Е. Натюрморт в европейской живописи XVI – начала XXвв. – М.:
Просвещение, 1984. – 201 с.
6. Живопись: Кн. для учащихся/ сост. Л.А. Шитов, В.Н. Ларионов. – М.:
Просвещение, 1995. – С. 42-88.
7. Изобразительное искусство в школе: сб. материалов и документов/ сост.
Г.Г. Виноградова. – М.: Просвещение, 1990. – 318 с.
8. Казакова Т.Г. Изобразительная деятельность и художественное развитие
дошкольников. – М.: Педагогика, 1983. – 160 с.
9. Кирцер Ю.М. Рисунок и живопись: Практическое пособие. – М.: Высшая
школа, 1992. – С. 147-235.
10. Компанцева Л.В. Поэтический образ природы в детском рисунке: Пособие
для воспитателя детского сада. – М.: Просвещение, 1985. – 96 с.
11. Курочкина Н.А. Знакомство с натюрмортом/ Библиотека программы
«Детство». – СПб.: изд-во «Детство-пресс», 1999. – 112 с.
12. Мир детства: Младший школьник/ Под ред. А.Г. Хрипковой. – М.:
Педагогика, 1981. – С. 338-363.
13. Рылова Л.Б. Изобразительное искусство в школе: дидактика и методика:
Учебное пособие. – Ижевск: Изд-во Удмуртского университета, 1993. –
310 с.
14. Сакулина Н.П., Комарова Т.С. Изобразительная деятельность в детском
саду. – М.: Просвещение, 1982. – 208 с.
15. Секачева А.В., Чуйкина А.М., Пименова Л.Г. Рисунок и живопись: Учебник
для средн. спец. учеб. заведений. – М.: Легкая и пищевая промышленность,
1983. – С. 63-95.
16. Синюков В. Натюрморт// Юный художник. – 1990. – №2. – С. 18-23.
17. Трофимова Н.В., Тарабарина Т.И. И учеба, и игра: Изобразительное
искусство. Популярное пособие для родителей и педагогов. – Ярославль:
«Академия развития», 1997. – С. 24-99.
18. Чумичева Р.М. Дошкольникам о живописи: Кн. для воспитателя детского
сада. – М.: Просвещение, 1992. – 126 с.
19. Энциклопедия для детей. Т.7. Искусство. Ч.2. Архитектура,
изобразительное и декоративно-прикладное искусство XVII-XX веков/ Глав.
ред. М.Д. Аксёнова. – М.: Аванта +, 1999. – С. 3-39, 66-72, 556-560.
20. Эстетическое воспитание в детском саду. – М.: Просвещение, 1985. – 251
с.
Приложение
1. Эскизы и этюды
2. Мозаика: «Натюрморт. Дары осени.»
3. Игра: «Из чего состоит натюрморт»
4. Игра: «Составь натюрморт»
5. Детские работы