Geum.ru

Первый

Вид материалаДокументы

Содержание


2. Полифонические школы эпохи возрождения.
3. Жоскен депре.
4. Орландо лассо.
5. Джованни палестрина.
6. Клеман жанекен
Подобный материал:
РАЗДЕЛ ПЕРВЫЙ

ХОРОВАЯ МУЗЫКА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

  1. ПУТИ РАЗВИТИЯ ХОРОВОГО ИСКУССТВА ДО НАЧАЛА XIV ВЕКА.

Хоровое пение – одна из самых древних и богатых областей музыкального искусства. Профессиональное хоровое искусство стало складываться еще до начала нашей эры. Основной сферой деятельности профессиональных хоров становится храмовое, церковное действо.

Исторические памятники древневосточной цивилизации и античности, позволяют нам наблюдать достаточно развитые формы хорового искусства. Хоры участвовали в народных действах (страстях-мистериях) древнего Египта и Вавилона. Вокальная культура Индии была тесно связанна с танцем и инструментальной музыкой. Известно, что женские ансамбли, исполнявшие танцы в сопровождении пения при дворах раджей, отличались очень высоким профессиональным уровнем. О песнях, танцах, и процессиях с хоровым пением в древней Палестине, не раз упоминается в книгах Ветхого Завета.

Важное место отводилось хору в древнегреческой трагедии, которая как самостоятельный жанр сложилась на исходе шестого века до нашей эры, и наивысшего рассвета достигла в Афинах пятого столетия нашей эры. Хор в трагедии состоял из 12-15 мужских голосов (по традиции, в древнегреческой трагедии играли и пели только мужчины). Он располагался на специальной площадке (орхестре), и исполнял по ходу действия унисонные песни. Хор являлся своеобразным толкователем событий, которые происходили в трагедии. Помимо песен, в трагедию входили диалоги хора и драматического актера, и диалоги актеров на фоне пения хора.

В древней Греции сложилась следующая классификация певческих голосов: netoide – высокие голоса, характерные для виртуозов, mesoide – средние голоса характерные для хора, iratoide – низкие голоса актеров-трагиков.

Большое значение для развития хорового искусства имели теоретические изыскания древнегреческих философов и музыкантов, их учение о воспитательной роли хорового пения, об акустических, гармонических и ладовых закономерностях музыки. Певческое искусство древней Греции оставило значительный след в истории мировой музыкальной культуры. Древнегреческие песнопения повлияли на музыку христианских церквей ряда стран, прежде всего Византии.

В VI-VII веках, высочайшего уровня достигло музыкальное искусство Византии. Особенно славились гимны, мелодии которых отличались певучестью и орнаментальностью, а так же богато развитой композиционной структурой.

Выдающимися творцами гимнов были святые Роман Сладкопевец – автор многочисленных кондаков, Иоанн Дамаскин и Андрей Критский – создатели канонов. Дамаскиным была окончательно систематизирована структура осьмогласия, которая до сих пор является основной в певческом искусстве православной церкви.

Византийскому богослужению была свойственна особая роскошь. Составы хоров иногда достигали 200 и более исполнителей. Помимо рядовых певчих, они включали доместиков (учителей пения), магистров (сочинителей), протопсалтов (регентов) и ламподариев (солистов-виртуозов).

В средние века, в западной Европе, хоровое пение было почти полностью монополизировано церковью. Искусство церковного пения сложилось в законченную систему к концу VII века. В результате долгого отбора и унификации множества вариантов напевов, был создан единый свод песнопений – антифонарий, мелодии которого подвергались жесткой регламентации в пределах церковного годового богослужебного круга. Эти напевы были написаны в средневековых ладах, и отличались суровой и строгой красотой. Наиболее древней формой григорианского пения являлась псалмодия – певучая речитация латинского текста в узком диапазоне. Ритмика псалмодии была лишена правильной повторяемости длительностей и определялась орфоэпическими и логическими акцентами текста (пример 1).




Центрами профессиональной хоровой культуры в VIII-XIII веках были монастыри и соборы Рима, Милана, Парижа, Руана, Шартра, Рейнхау, и Сент-Галена. Здесь находились лучшие певческие и композиторские школы, которые готовили искусных регентов и певцов, развивали новые формы хорового искусства, среди которых основными были органум и изоритмический мотет.


2. ПОЛИФОНИЧЕСКИЕ ШКОЛЫ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ.

Возрождением, ренессансом, принято считать эпоху в культурном и идеологическом развитии Западной Европы XIV-XVI веков. В своих первоначальных формах Возрождение стало складываться в начале XIV века. Новое направление получило название – Ars nova (новый стиль) или Раннее Возрождение. Очагами распространения этого стиля стали такие страны как Италия и Франция. В последующие столетия новое направление выдвинуло ряд полифонических школ: английскую (XV век), нидерландскую (XV-XVI века), римскую, венецианскую, французскую, немецкую, испанскую и другие.

Профессиональное многоголосие развивалось исключительно в недрах церковной музыки, однако, с каждым десятилетием постепенно получали все большее распространение жанры светской музыки. Среди них – фротоллы и виланеллы в Италии, вильяниско в Испании, баллады в Англии, полифонические песни в Германии, многоголосный шансон во Франции. Повсеместно был распространен мадригал, который зародился в Италии.

Полифонический стиль, который сложился в эпоху Ренессанса, принято называть полифонией строгого письма, или строгим стилем. В современном музыкознании понятие строгого стиля несколько расширено во временных рамках и охватывает огромный промежуток времени – с VI по XVI века, то есть включает в себя не только эпоху Возрождения, но и предшествующее ей средневековье. Из множества стилей и направлений средневековой музыки, здесь имеется в виду главным образом, творчество композиторов принадлежавших к школам Нотр-Дам в Париже, первого, второго и третьего поколений.

Из множества существовавших полифонических школ, по своей значимости и авторитету выделялись несколько. Мы рассмотрим особенности двух наиболее известных – Нидерландской и Венецианской.

Нидерландская школа прославилась тем, что ее мастера разработали систему полифонического письма строгого стиля и до высшего совершенства довели его основную форму – канон (пример 2).



В качестве cantus firmus нередко использовались светские мелодии и подвергались изощренной имитационно-полифонической обработке. Из светских полифонических жанров у нидерландских мастеров особо выделяются баллады. В придворном быту, особенно были распространены знаменитые бургундские chansons – многоголосные песни, отличавшиеся свободной ритмикой и особой затейливостью контрапунктических сочетаний.

Венецианская школа утверждает стиль полихорального (многохорного) пения. Исполнение венецианских хоров отличалось пышным великолепием, яркостью колорита, тембровыми и динамическими контрастами. Огромную роль в музыкальной жизни Венеции играл хор собора св. Марка. Он пользовался не меньшей популярностью чем Сикстинская капелла (папская капелла в Ватикане). Певцы капеллы св. Марка были одновременно и инструменталистами. Вероятно, именно по этому, многие сочинения венецианских композиторов написаны для хора в сопровождении инструментов (как правило, инструменты полностью дублировали хоровые голоса).

Каждая полифоническая школа имела свои индивидуальные особенности, однако, для всех композиторов эпохи Возрождения характерно следование определенным полифоническим правилам. Как уже отмечалось выше, основные нормы полифонии строгого письма разработали нидерландские мастера. Все эти правила можно разделить на три группы: правила относящиеся к мелодии, правила относящиеся к ритму, правила относящиеся к гармонии. Разумеется, существовали многочисленные нормы и виды контрапункта (искусство полифонического соединения мелодий), которые собственно и составили основу полифонии строгого письма.

Рассмотрим некоторые основные правила полифонии строгого письма.
  1. Мелодическое движение отдельных голосов было преимущественно плавным. Скачки вверх ограничивались малой секстой, вниз – чистой квинтой. Кроме того, применялись скачки на октаву, чаще вверх. Движение на уменьшенные или увеличенные интервалы встречалось крайне редко.
  2. Ритмика имела плавный характер, без мелких длительностей (даже восьмые применялись крайне ограниченно).
  3. Гармония, в своей основе была консонирующей. Применялись мажорные и минорные трезвучия и их секстаккорды, в полном и неполном виде. Порядок следования аккордов был совершенно свободным (функциональной логики лада, в том виде в каком она принята в классической гармонии, тогда не существовало).
  4. Диссонансы применялись в качестве плавно вводимых и уводимых проходящих и вспомогательных звуков на слабых долях, или в качестве приготовленных нисходящих задержаний на сильных и относительно сильных долях.


В пышном и выразительном стиле мотетов и месс франко-фламандских композиторов (Жоскен Депре, Орнандо Лассо), в праздничном и красочном искусстве венецианцев (Антонио и Джованни Габриелли) обнаруживаются тенденции и влияние светской музыки, причем настолько сильные, что в период контрреформации встает вопрос о запрещении многоголосного пения в церкви. Только реформа главы римской школы – Палестрины, которая была отчасти подготовлена его предшественниками, спасла полифонию для католической церкви.

Расцвет народно-освободительного движения в XV-XVI веках породил протестантские гимны – чешские (гуситские песни), немецкие (протестантский хорал), французские (гугенотские псалмы).

Эпоха Возрождения завершилась созданием новых музыкальных жанров – оперы, кантаты, оратории, сольной песни, с которыми связанно утверждение гомофонии и возрастание роли мажора и минора.


3. ЖОСКЕН ДЕПРЕ.

Жоскен Депре (1450 – 1521) является ярким представителем нидерландской полифонической школы. Он родился в городе Конде (Нидерланды), долгое время был певцом капеллы в Милане и Сикстинской капеллы в Риме. С 1504 года руководил соборной капеллой в Камбре (Франция). Умер композитор в своем родном городе.

В отличие от своих предшественников, в частности Я. Обрехта и Я. Окгема, у Жоскена наиболее ярко проявилось стремление выразить в музыке человеческие мысли и чувства, добиться полного соответствия между музыкой и словом. Разумеется, настолько насколько позволяли рамки главенствующего стиля полифонии строгого письма. Он не раз говорил своим ученикам: «Подлинный музыкант тот, кто во всеоружии знания соотносит к каждому слогу надлежащее последование тонов, и сочиняет так, что бы слово о радости сопровождалось радостной музыкой, и наоборот».

Жоскен в совершенстве овладел полифонической техникой и применял ее для создания сочинений в различных жанрах. Его перу принадлежат 32 мессы, 51 мотет, 72 канцоны, и много других хоровых произведений. В некоторых из них Жоскен использовал в качестве cantus firmus светские мелодии (в том числе и в произведениях для церкви). Мелодике его сочинений свойственна выразительная декламационность, прозрачность и своеобразная ритмика.

«Нашествие саранчи» (“Scaramella”) – обработка итальянской народной песни. Эта обработка – яркий пример сочинения, в котором наряду с полифоническим изложением используется и аккордовое. Незатейливый, шутливый характер этой песни подчеркнут синкопами и пунктирным ритмом. Во второй части хора использованы приемы имитационной полифонии с поочередным вступлением голосов (канон первого разряда с индексом вертикалис в октаву) (пример 3).



Обращает на себя внимание подвижность тенорового голоса, который играет более важную мелодическую роль, нежели верхний голос, что типично для хоровых произведений той эпохи (пример 4).




4. ОРЛАНДО ЛАССО.

Творчество великого композитора-полифониста нидерландской школы Орландо Лассо (1532-1594) (настоящее имя Ролан де Лассю) представляет собой высшую точку в развитии хоровой музыки XVI века. В детстве Лассо пел в церковном хоре своего родного города Монс (Бельгия). Музыкальные способности мальчика были настолько поразительны, что его несколько раз похищали из школы. Дважды его спасали родители, на третий раз он исчез. Мальчик попал в военный лагерь генерала Феранте Гонзаза, который за тем увез юного певца в Италию. Там Лассо познакомился с выдающимися представителями итальянского искусства. В течение многих лет композитор жил в Милане, Неаполе и Риме. В Милане, он тщательно изучал многочисленные образцы хоровой музыки итальянских и нидерландских композиторов. В 1553-1554 годах он руководил капеллой Иоанна Латеранского в Риме. Здесь Лассо знакомится с опубликованными мессами и мадригалами Палестрины.

В 1555 году, в Антверпене был издан первый сборник сочинений Лассо, куда вошли мадригалы, виланеллы и мотеты. С этого года сочинения композитора публикуются в Мюнхене, Венеции, Флоренции, Неаполе и Париже.

В Мюнхенский период творчества (с 1563 года и до конца своей жизни, композитор руководит придворной капеллой в Мюнхене) Лассо уделяет основное внимание церковной музыке (им написано более 500 мотетов, и около 50 месс), но и не прекращает писать мадригалы и песни на тексты итальянских поэтов.

Композитор редко отступал от типичных национальных особенностей той или иной песни. Например, свою фроттолу «Матона» он написал в гомофонно-гармоническом стиле с эпизодическим использованием канонического контрапункта. Форма «Матоны» – рондо, мелодика ее очень проста и прозрачна, написана в ионийском ладу (пример 5).



Фроттола – старинная итальянская песня, полифонического склада, обычно любовного содержания. Чаще всего фроттолы писались в простом контрапункте. Вышедшая из карнавальных песен, фроттола имеет танцевальный характер.

Не было такого жанра хоровой музыки XVI века, в котором не писал бы Орландо Лассо. Его полифония, не смотря на кажущуюся сложность, тем не менее, ясна и прозрачна. Многие партитуры композитора поражают чистотой и ровностью полифонических линий.

5. ДЖОВАННИ ПАЛЕСТРИНА.

Настоящее имя Палестрины (1524-1594) – Джованни Пьерлуиджи. Он родился недалеко от Рима, в небольшом городке Палестрина, название которого заменило в дальнейшем его настоящую фамилию. В детстве он пел в одной из римских церквей и учился мастерству контрапункта у местных композиторов. Огромное влияние на Палестрину оказало творчество нидерландских мастеров (особенно Жоскена Депре). Предполагается, что учителями Палестрины были выходцы из этой прославленной школы, да и сама музыка раннего периода творчества композитора ярко свидетельствует об этом.

В 1544 году, Палестрина – органист и руководитель капеллы в своем родном городе. С 1551 года и до своей смерти – он руководит хором в соборе св. Петра в Риме (Сикстинской капеллой). В эти годы выходят его первые печатные духовные сочинения: четырех- и пятиголосные мессы и мадригалы. В 1565 году, Палестрина получает от Папы Пия IV, специально для него учрежденное звание «композитора папской капеллы». После Палестрины такого звания удостаивался только один композитор – Феличе Анерио.

Творческое наследие композитора очень велико. Им написаны 93 мессы, 274 мотета, 139 мадригалов. Интересно сравнить условия, в которых работали два современника – Палестрина и Орнандо Лассо. Первый в жестких рамках контрреформации, второй в светской обстановке пышного мюнхенского двора. Конечно, это не могло не повлиять на характер их музыки. В творчестве Палестрины преобладает духовная музыка, в творчестве Орнандо – светские мадригалы.

Гимны, секвенции и другие духовные темы служили для Палестрины cantus firmus и послужили основой для многих его сочинений. Однако, композитор был одним из первых, кто в качестве cantus firmus для церковных сочинений использовал светские мелодии.






В некоторых своих мессах, Палестрина использовал темы как собственных мадригалов и мотетов, так и темы других композиторов. Не смотря на то, что в Италии сочинение мадригалов на светские тексты не допускалось, особенно, для лиц служивших при папском дворе, Палестрина написал несколько мадригалов на тексты известных поэтов Ренессанса.

Ранние хоровые сочинения Палестрины близки стилю нидерландских мастеров. Постепенно композитор «очищает» музыкальный язык от излишней сложности, и создает особый стиль полифонического письма, который принято называть стилем римской школы. Таким образом, Палестрина становится основоположником и главой, одной из самых авторитетных полифонических школ.

Мессы Палестрины по составу голосов чаще всего четырех-пятиголосные, но встречаются и восьмиголосные мессы для двойного состава хора. Наиболее известны три мессы композитора: «Месса Папы Марчелло» (“Missa Papae Marcelli”), «Хвала Сиону» (“Lauda Sion”), «Ты есть Петр» (“Tu es Petrus”).

Месса «Хвала Сиону» состоит из шести традиционных частей: “Kyrie”, “Gloria”, “Credo”, “Sanctus”, “Benedictus” , “Agnus Dei”. Ее основой является миксолидийский B-dur. Основная тема “Kyrie” проводится во всех частях с небольшими ритмическими изменениями, чем достигается тематическое единство всего произведения. Тема заимствована Палестриной из собственного мотета. Наряду с полифоническими приемами, композитор использует в мессе и аккордовый склад изложения (пример 6 а, б).


6. КЛЕМАН ЖАНЕКЕН

Клеман Жанекен (1490-1560) - является одним из наиболее ярких представителей французской полифонической школы. В 1530-1540 годах он руководил капеллой собора в Анжере. С 1547 года и до своей смерти служит капелланом (полковым священником) у герцога Гиза в Париже.

Крупнейший мастер многоголосия, Жанекен писал мотеты, мессы и другие хоровые произведения. До нас дошли также более 200 многоголосных «шансон».

«Шансон» являлся одним из самых популярных жанров французского Возрождения. Тематика этих песен была весьма разнообразной: здесь можно встретить и сочную жанровую картину, и поэтическую лирику. «Шансон» – полифонический жанр, в них широко используются приемы имитационной полифонии.

Ряд этих песен был написан композитором на тексты выдающегося поэта Ренессанса – Пьера де Ронсара, который был руководителем литературного объединения «Плеяда», собравшего талантливых поэтов XVI века. Почти все «шассон» на стихи де Ронсара – лирического содержания.

Новое в творчестве Жанекена, по сравнению с хоровым письмом Жоскена Депре заключалось в более широком использовании гомофонно-гармонического склада и значительном упрощении контрапунктических сочетаний.