1. Синкретизм первобытного искусства

Вид материала

Документы

Содержание 22. Барокко и классицизм в европейской архитектуре XVII-XVIII вв.

Подобный материал:

• Искусство первобытного общества, 97.52kb.
• Темы курсовых работ по специальности «культурология», 28.16kb.
• Марина Васильевна Пименова, 184.01kb.
• Тема Мифология и культура, 555.97kb.
• Методы изучения первобытного искусства. Формирование знакового поведения (абстрактного, 952.96kb.
• Столярова Ирина Сравнительный анализ детского и первобытного изобразительного творчества, 479.04kb.
• Тема введение. Виды и жанры изобразительного искусства, 219.35kb.
• Вопросы к экзамену по искусству Древнего Востока Лекционный курс Н. М. Никулиной, 58.69kb.
• Экзаменационные вопросы по лекционному курсу "История первобытного общества", 27.85kb.
• Программа к вступительному испытанию по истории искусства для поступающих на магистерские, 342.81kb.

21. Стили и жанры в европейском искусстве XVII-XIX вв.

22. Барокко и классицизм в европейской архитектуре XVII-XVIII вв.


Идите дети в лувр! И ходите наконец на лекции!


Основные направления в европейской живописи


При оценке развития живописи все настойчивее попадает на передний план смысловое влияние искусства неевропейских стран, по большей части так называемых естественных народов. Однако его влияние проявилось в живописи в виду исторических и общественных причин лишь вскользь. Мне кажется, что для большего понимания генезиса живописи достаточно будет вкратце заняться историей развития европейского искусства и живописи. Развитие искусства и живописи в Европе вращалось в определенных ступенях, которые называются изобразительными жанрами, направлениями или стилями.


Под изобразительным стилем понимается единство использованных формальных знаков и приемов изобразительного искусства, свойственных историческому периоду или определенной территории. Стиль проявляется во взгляде мастеров на жизнь и в использовании аналогичных художественных изобразительных средств и приемов всех или некоторых областей искусства. Эти периоды, часто пересекающиеся во времени, мы делим на большие или исторические стили, включающие по сути все виды искусства (архитектура, живопись, скульптура, декоративное искусство) и небольшие стили, касающиеся в основном только одного художественного вида, в нашем случае - живописи. Изобразительный стиль иногда имеет и более узкое содержание. Под ним понимается единство изобразительных знаков определенной группы художников или лишь одного художника.


Почти вся история искусства - это борьба и одновременно взаимное дополнение двух основных тенденций. С одной стороны - это рациональный взгляд на мир и стремление проникнуть в сущность явлений, проявляющихся в искусстве стремлением к точности, существенности и объективному подходу к изображаемой действительности. С другой стороны преобладает интуиция, чувствительность, психика художника, представляемая, главным образом, экспрессионистическим и сюрреалистическим направлениями в живописи.


рис. 1. В. Крайцова: Двое. Холст, масло. 54 х 65 см, 1968 г.


Живопись новой эпохи в Европе обычно делится на два или три периода:


а) классическая (также историческая, традиционная и т. п.). Она включает в себя период с XI века, начиная с романского искусства, готики, ренессанса, барокко и кончая импрессионизмом как вершиной реализма XIX века, приблизительно во второй половине XIX века.


б) модернистское искусство (модернизм). Период модернизма обозначается по-разному, например, под ним понимается искусство XX века. Однако чаще начало модернизма относят к появлению в 70-ых годах XIX века произведений постимпрессионистов (поимпрессионистов) Сезанна, Ван Гога и Гогена.


Несметное, и до настоящего времени трудно классифицируемое количество направлений и стилей в живописи приблизительно с 1980 года, иногда называется, может быть преждевременно и с небольшим преувеличением для времени, в котором мы живем, постмодернистской живописью - постмодернизмом). Постмодернистские корни исходят из абстрактной живописи, абсолютной автономии картины и отсутствия сюжета. Большое количество красок и форм в картинах больших форматов трудны для восприятия простого зрителя. Композиция, мастерство исполнения и доступность формы не являются главными. Картины слишком экспрессивны, с нескрываемым стремлением заинтересовать зрителя любой ценой. Доминирует витальность, напористость и воображение, с другой стороны, есть произведения, преувеличивающие формальные элементы или технические достижения. Все дозволено, главным является общее впечатление от законченного художественного произведения.


Классификацию развития живописи, являющуюся относительно сложной и дилетанту часто неясной, я попытался упростить для более легкой ориентации. В таблицах и обзоре мною указывается классификация стилей классической и современной живописи. Если это возможно, то на иллюстрациях с одним сюжетом (две фигуры и архитектура) я наглядно покажу, хотя бы в слишком простой и общей форме, черты, характерные для отдельных стилей.


Рис. 2. М. Галанда: Две обнаженные натуры. Рисунок карандашом, бумага из этюдника, 12 х 16,5 см, 1930-е годы


Романский стиль


XI-XIII века. Плоскостность, упрощенность, выразительные очертания. Видимое византийское влияние. Самым частым мотивом является Христос как самодержец и судья. Строгий, отдаленный природе язык форм. Настенная живопись и лицевая рукопись. Основой художественного творчества является цветной рисунок.


Рис. 3. Романский стиль


Готический стиль


Рис. 4. Готический стиль


XII век и середина XVI века. Статические фигуры, картина в целом производит впечатление плоскости, цветовая символика. Картины переполнены системой религиозных символов. Сюжетом служат христианские легенды о Деве Марии и библейские истории. Настенная живопись и книжная миниатюра, иконопись (живопись на деревянных досках), витражи.


Ренессанс


Рис. 5. Ренессанс


XIV-XVI века. Глубина простора, полные объемы, перспектива. Возврат к природе и человеку, понимание красоты как гармонии. В качестве сюжета служит человек, античные мифы, обнаженная натура, пейзаж. Культ красоты и гармонии. Фрески и картины на стенах.


Барокко и рококо


Рис. 6. Барокко и рококо


Конец XVI и середина XVIII веков. Движение, действие, драматизм, насыщенные цвета, свет, но и светотень, монументальность и сложная композиция. В рококо - пастельная колоритность. Сюжетом являются жанровые сцены из Библии и мифологии, а также природа и натюрморт.


Классицизм


Рис. 7. Классицизм


Конец XVII и начало XIX веков. Рисунок подавляет цвет, моделировка светом, точная композиция. Холодная и строгая живопись. Сюжет обращается, в первую очередь, к античности и Древнему Риму, неестественные сцены из жизни, портреты. Составной частью стиля являются ампир и бидермейер.


Романтизм


Рис 8 Романтизм


Конец XVIII и середина XIX веков, у нас до конца века. Живой колорит, более свободная композиция, непосредственное изображение действительности. Идеализирование и поэтичность страны, служащие противовесом недостаткам цивилизации. Сюжет изображает страсти, чувства, идеализированное действие. Изображаемое художником наполнено пафосом и возбуждением.


Реализм XIX века


Рис. 9. Реализм XIX века


Вторая половина XIX века. Живопись изображает каждодневную реальную действительность.


Простая композиция, землистые цвета. В качестве сюжета служит страна, труд, простая жизнь. Распознаем критический реализм, романтический реализм.


Модерн


Рис. 10. Модерн


Конец XIX и начало XX веков. Характерная стилизация элементов растений, декоративность, мягкие линии, колорит, основанный на гармонии холодных тонов. Сюжеты из культуры и природы со склонностью к таинственному. Более темная и неприятная пестрость.


Импрессионизм


Рис. 11. Импрессионизм


Конец XIX века. Живопись мгновения, впечатление для глаз. Трепещащий от солнца и воздуха цвет. Яркие тона основных красок, устраненный набросок. Сюжетом является страна и картины из жизни человека. Непосредственная работа художника на пленэре, а не в ателье. Использование техники алла прима.


Очевидно сложность общественного развития XX столетия, научно-техническая революция и сопровождающие ее признаки, способствовали тому, что другие большие стили после модерна уже не появились. Постепенно живопись становится самостоятельной, освобождаясь от исторического членения стилей, и развивается в своем собственном направлении. Историческое развитие классической живописи (исторических стилей) импрессионисты закончили своим субъективным пониманием реализма.


В обычном творчестве художников, в отличие от галерей и художественной литературы, мы очень редко можем встретиться с характерными картинами определенного стиля. Речь идет о комбинации, влиянии на художника какого-либо из стилей и т. п. Для картины важно ее качество, а не то, написана ли она художником в определенном изобразительном стиле. Изобразительные стили станут историей, а хорошая картина будет всегда живой.


Русский портрет 18 века


К созданию портретных образов можно проследить на всем многовековом пути развития отечественного портретного искусства. Если в европейском изобразительном искусстве, жанр портрета был открыт в эпоху Возрождения, то отечественное портретное искусство начало развивается в общеевропейском направлении, благодаря бурной деятельности царя Петра I. Общеизвестно, так или иначе, именно Петр 1 заставил двигаться Россию в сторону европеизации, как было популярно сказано; Открыл окно в Европу. Первыми художниками петровской эпохи были братья Никитины, Ф. Черкасов, М. Захаров, Они осваивали новые колористические приемы, композиционные нововведения. В это время портретная живопись по распространенности, также заняла лидирующие позиции. Русские художники помимо изображений царей, стремились увековечить деятельность русских бояр, патриархов и купцов, очень характерно было для того времени, увлечение передачей изысканых поз натурщиков. Художники старались обогатить портретную композицию бытовым интерьером и атрибутами национального костюма, окружающего пространства. Акцентируя предметами дорогой обстановки, богатая мебель, вазы, ну и конечно одежда из роскошных тканей, где блестяще передавали фактуры материалов, тщательно выписывая фактуру шелка, парчи с помощью тончайших оттенков.

В истории Русского портретного искусства 18 век, связан с общим культурным процессом в России. Портреты написанные во второй половине 18 века художниками Левицким, Рокотовым и Боровиковским, говорят о своеобразии русского портрета того времени. Искусство портрета 18 века развивалось в различных своих разновидностях; парадный, полупарадный, интимный и камерный портрет. Эти направления отражали различные аспекты богатства материального мира и душевных нравов, развивая и совершенствуя усложняя изобразительный язык. Искусство вступило в новую ступень популярности, многие художники зарабатывали славу в изготовлении парадных портретов на фоне природы и архитектуры, которые создавались в сложнейшей светотеневой обработке, тонко сочетающимися колоритом тонов красочного слоя с динамикой живописной фактуры. Большие размеры портретов, композиционные приемы, грамотно примененный цвет, техника исполнения в стиле западноевропейских парадных картин XVII века, воспринимался русскими художниками, как действенная и решающая сила. В формирование русской портретной живописи обязательным условием было – не только обретение сходства, грамотно построенная композиция портрета но и – парадная картинность, которая была теперь так необходима в еще формирующемся русском светском интерьере. Стиль каждого из знаменитых портретистов глубоко индивидуален, но есть у них и немало общего, что в последствии выработало тот самый классический стиль Русского портрета, это позволяет соотнести изобразительное искусство той эпохи с очередным этапом развития русской портретной живописи. Исторические изображения той эпохи характеризуются подчиненностью художественного стиля, русские мастера активно использовали различные технические приемы и методы европейцев, но при том, они также создавали свою самобытную школу портретного искусства, их картины оставили заметный след в истории русской живописи, что позволяет говорить нам о отечественной художественной школе. Русские художники развивили чисто национальную концепцию русского портрета, отличающиеся от европейского стиля, глубокой психологичностью образов, жизненностью и человечностью, высоко национальной идеей - вот эти характеристики, которые, всегда отличали русские портреты. Традиционная русская портретное искуство, истоки которой исходят с древнерусской иконы вступило в новую эпоху развития и расцвета.


Русская живопись на рубеже XIX – XX вв.


Версия для печати


Как и в литературе, в изобразительном искусстве конца XIX - начала XX века существовало множество направлений, каждое из которых имело своих поклонников и противников. Возник ряд группировок, кружков, объединений художников. Появлялись новые приемы, стили письма, новые изобразительные жанры. Все это стимулировало общественный интерес к живописи, который, в свою очередь, вызвал настоящий расцвет выставочной и издательской деятельности в этой области.


Реалистическое направление, ставящее своей задачей творческое, но при этом как можно более верное воспроизведение действительности, в живописи той поры представлял И.Е. Репин. В 1890-х -1900-х годах он создал много портретов, в которых сильное и колоритное письмо сочетается с глубоким психологизмом, умением использовать позу, жест модели для ее образной характеристики (например, портрет Элеоноры Дузе).


В рамках реализма писали также С.А. Коровин, А.Е. Архипов, С.В. Иванов. Реалистический метод заметен в творчестве многих художников, обратившихся в те годы к историко-бытовому жанру: например, А.П. Рябушкина («Русские женщины XVII столетия в церкви»), А.М. Васнецова («Улица в Китай-городе. Начало XVII века»).


И.И. Левитан, блестяще владевший навыками пейзажного письма, в конце XIX века создал жанр «концепционного пейзажа», или «пейзажа настроения». В его работах состояние природы осмысляется как выражение движений человеческой души; пейзажные зарисовки передают целую гамму общепонятных ассоциаций и переживаний – от тревожных до интимно-лирических («Вечерний звон», «Над вечным покоем», «Март»).


Заметным явлением для той эпохи было также творчество В.М. Васнецова, одного из первых художников, обратившихся к русскому фольклору. Он писал свои картины по мотивам русских былин и народных сказок («Иван-царевич на сером волке», «Богатыри»), а также на темы из национальной истории («Царь Иван Васильевич Грозный»). В росписях Владимирского собора в Киеве Васнецов пытался возродить церковную монументальную живопись, которая во второй половине XIX века пришла в полный упадок.


Ту же задачу пытался решить и М.В. Нестеров, который часто обращался к сюжетам на религиозные темы («Пустынник», «Видение отроку Варфоломею»). Однако его монументальная живопись (росписи Владимирского собора в Киеве, 1890-95; мозаики церкви Спаса-на-крови в Петербурге, 1894-97; росписи Марфо-Мариинской обители в Москве, 1908-11) имеет более официальную церковную трактовку.


Самым ярким представителем импрессионизма (направления, заключающегося в передаче общего впечатления, которое воспроизводит краски предметов и фигур, избегая подробностей в рисунке) в России считается К.А. Коровин. В 1900-х годах он использует светлую, как бы мерцающую цветовую гамму, импульсное эскизное письмо («Парижское кафе»), а в 1910-х годах обращается к широкой пастозной, зачастую ярко декоративной, живописи густым насыщенным цветом (портрет Ф.И. Шаляпина). Работая театральным декоратором, Коровин создал новый тип красочных, зрелищных декораций, эмоционально связанных с идеей и настроением спектакля.


Большое влияние на русскую живопись оказал В.Э. Борисов-Мусатов, прошедший в своем творчестве путь от импрессионистических световоздушных эффектов до декоративно-стилизующих формальных приемов постимпрессионизма. Борисов-Мусатов выработал собственную живописную манеру, перерабатывающую принятые принципы пейзажной живописи. В его проникнутых элегическим чувством произведениях, где главная роль принадлежит насыщенному эмоциональным содержанием пейзажу, он стремился выразить мечту о прекрасном мире, в котором человек находится в гармоническом единстве с природой («Майские цветы», «Гобелен», «Куст орешника»).


Центральной фигурой искусства рубежа веков может по праву считаться ученик Репина В.А. Серов. Его творчество формировалось под влиянием реализма, однако в таких работах, как «Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем» заметны черты раннего русского импрессионизма. Художник работал в разных жанрах, но особенно значительно его дарование портретиста, наделенного обостренным чувством красоты и способностью к трезвому анализу (портреты К. Коровина, М. Ермоловой, кн. Орловой). С 1900-х годов импрессионистские черты в творчестве Серова постепенно исчезают, зато все более последовательно развиваются принципы стиля модерн (стиля, стремящегося выразить дух эпохи с помощью новых, нетрадиционных форм и приемов) – особенно сильно это заметно в исторических композициях («Петр I») и цикле на античные сюжеты («Похищение Европы»).


Следует заметить, что во всем европейском мире к стилю модерн художники пришли через преодоление импрессионизма, однако в России сложилась особая ситуация: русская живопись, не пройдя еще стадию импрессионизма, шагнула в модернизм. Эти два стиля развивались как бы параллельно, порой даже во взаимодействии.


Родоначальником модернизма в России принято называть М.А. Врубеля. Центральный образ творчества Врубеля – Демон, воплотивший мятежный порыв, который художник испытывал сам и чувствовал в своих современниках («Демон сидящий», «Демон летящий», «Демон поверженный»). Тяготея к символико-философской обобщенности образов, Врубель выработал свой живописный язык (широкий мазок «кристаллической» формы и цвет, понятый как окрашенный цвет), часто использовал орнаментальные ритмически усложненные решения.


Многие черты модернизма видны в творчестве художников, в конце 1890-х объединившихся в Санкт-Петербурге в выставочный союз «Мир искусства». Возглавляли А.Н. Бенуа при поддержке мецената С.П. Дягилева. Помимо основного ядра (Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансерс, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов), «Мир искусства» включал многих петербургских и московских живописцев и графиков (И. Я. Билибин, А. Я. Головин, И. Э. Грабарь, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, Н. К. Рерих, В. А. Серов, К.С. Петров-Водкин и др.). В выставках «Мира искусства» участвовали также М. А. Врубель, И. И. Левитан, М. В. Нестеров, а также некоторые иностранные художники.


Мировоззренческие установки ведущих деятелей «Мира искусства» выражались в остром неприятии современной антиэстетичной действительности, в смутных предчувствиях грядущих общественных потрясений и желании противопоставить всему этому исконные духовные и художественные ценности. Отсюда поиск художественного образа в минувшем. К интерпретации XVIII века обращались К.А. Сомов («Осмеянный поцелуй», «Дама в голубом»), А.Н. Бенуа (версальские серии), Е.Е. Лансере («Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе»). Творчество Н.К. Рериха обращено к языческой славянской и скандинавской древности («Гонец», «Заморские гости»), Б.М. Кустодиев занимался стилизацией народного лубка («Купчиха»). Однако эти тенденции парадоксальным образом сочетались с духом иронии и самопародии, широким использованием приемов гротеска, элементов игры, карнавала и театра. Просветительский пафос деятельности «Мира искусства» проявился в организации выставок, издании журнала с тем же названием, заботе об охране памятников старины.


В 1903 году московские участники выставок учредили объединение «Союз русских художников». По составу он частично пересекался с «Миром искусства». Для творчества основного ядра «Союза русских художников» характерны демократическая направленность, интерес к родной природе и самобытным чертам народной жизни. В недрах «Союза» развивался русский вариант импрессионизма (И.Э. Грабарь, «Февральская лазурь», Ф.А. Малявин, «Вихрь») и оригинальный синтез бытового жанра с архитектурным пейзажем (К.Ф. Юон, «Троицкая лавра зимой»).


В 1907 году в Москве возникло другое крупное художественное объединение – «Голубая роза». Его участники (Н. П. Крымов, П. В. Кузнецов, А. Т. Матвеев, Н. Н. Сапунов, М. С. Сарьян и др.) испытали, с одной стороны, влияние постимпрессионистских приемов Борисова-Мусатова, а с другой – стилистики модерна. Отсюда характерные черты их живописи: плоскостность и декоративная стилизация форм, поиск утонченных цветовых решений, лиризм образов, ориенталистские мотивы, настроение безысходной грусти и меланхолии.


Художники объединения «Бубновый валет», которое сложилось в 1910 году, противостояли как традициям реализма XIX века, так и мистико-символистическим тенденциям начала ХХ века. Основным принципом своего искусства они сделали выявление изначальной материальности и «вещности» натуры. Построение формы цветом, подчеркнутая деформация и обобщение объёмов, нарочитая грубость и осязаемость фактуры, броская, жизнерадостная, почти лубочная красочность – благодаря всему этому художники «Бубнового валета» утверждали в живописи чувственно-полнокровные, красочные стороны бытия. В связи с этим изображение предметов – натюрморт - выдвигалось на первое место (И.И. Машков, «Синие сливы»), и даже в такой традиционный психологический жанр, как портрет, вносилось овеществленное, «натюрмортное» начало (П.П. Кончаловский, «Портрет Г. Якулова»). Чуть позже важным компонентом изобразительного стиля «Бубнового валета» стал также футуризм, одним из приемов которого был «монтаж» предметов или их частей, взятых из разных точек и в разное время (декоративное панно А.В. Лентулова «Василий Блаженный»). Примитивистская тенденция, связанная с привлечением стилистики детского рисунка, вывески, лубка и народной игрушки, проявилась в творчестве М.Ф. Ларионова («Отдыхающий солдат»).


К тому же времени относятся и первые эксперименты русских художников в абстрактном искусстве, принципиально отказывающемся от каких-либо признаков изображения реальных предметов в живописи и графике и составляющему при помощи цветовых пятен и линий неизобразительных композиций, предназначенных выразить чувства и фантазии автора. Теоретиками и практиками абстрактного искусства в России стали В.В Кандинский («Дамы в кринолинах», «Импровизация № 7») и К.С. Малевич («Черный квадрат»).