Культура как мир символов. Художественный стиль как символическое выражение души культуры.
Широкое распространение получил и семиотический подход, который рассматривает культуру как систему символов. Здесь особый интерес представляют труды Э. Кассирера и Ю. Лотмана; в них внимание акцентируется на семиотическом (структурно-символическом) характере искусства во всех его разновидностях (в музыке, абстрактной живописи, широком круге развлекательной деятельности).
Эрнст Кассирер (1874-1945) — немецкий философ, автор монументального труда “Философия символических форм” (1923-1929) в основу своей концепции культуры кладет человеческую способность к массовой, систематической и постоянной символизации, иными словами, подходит к культуре преимущественно с позиций семиотики. Он является представителем символической концепции происхождения культуры – культурологической теории, рассматривающей человеческую культуру как синтез разнообразных символов (язык, письменность, искусство, наука и т.д.). Истоки культуры он ищет в способностях человека “творить” некий искусственный мир, обозначая реальность определенными символами. Язык, наука, искусство, религия, мифы и т.п. суть составные части символического круга, в котором живет и страдает человек. То обстоятельство, что человек, в отличие от животного, существует в созданной им самим символической системе, и составляет специфику его жизни. По сравнению с другими живыми существами, человек находится как бы в другой действительности, живет не просто в физической, а в символической Вселенной. Язык, литература, искусство, религия, все наши духовные проявления — части этой Вселенной. Они как нити сплетаются в плотную символическую сеть, которая, хотя и накапливает человеческий опыт, но порой заслоняет от нас реальность. Весь наш духовный прогресс в мысли и опыте только тому и служит, что делает эту сеть все более сложной и непроницаемой для “здравого смысла” естественного человека. В той мере, в какой возрастает его символическая активность, физическая реальность для него отходит на второй план. Отсюда огромная разница в восприятии мира, скажем, между каким-нибудь европейским ученым и южноамериканским дикарем. “Цивилизованный” человек уже не может иметь дело непосредственно с вещами, а взаимодействует с ними не иначе, как с помощью искусственных средств, языковых форм, художественных образов, мифических символов, религиозных обрядов. Исходя из этого, Кассирер предлагает называть человека не “мыслящим животным”, как это уже стало традиционным, а “символическим животным”.
Примерно с XI века в истории художественной культуры начинает отчётливо проявляться такое понятие, как стиль, как символическое отражение общности идейно-эстетических идеалов эпохи. Бесспорно, отдельные аспекты понятия стиль встречались и раньше, но впервые о художественном стиле как системе комплексного символического отражения посредством образов искусства духа времени можно говорить применительно к европейскому средневековью. Первым общеевропейским стилем становится романский, названный так за сходство с ранними образцами древнеримской архитектуры. Романский стиль – один из двух ведущих художественных стилей европейского средневековья, получивший распространение в Х-XII веках, отличавшийся суровостью и внешней простотой.
Здания романского стиля с толстыми стенами, которые несли всю тяжесть перекрытий, и окнами в виде бойниц, круглыми смотровыми башнями были по своему типу крепостными сооружениями. Основное, что создало романское искусство, — это замок-крепость или храм-крепость. Замок – крепость рыцаря, церковь – крепость Бога. Возвышающееся на холме каменное здание со сторожевыми башнями, настороженное и угрожающее, – символ романского искусства. Внешне романский собор крайне строг. Нет ничего лишнего, ничего деструктивного. Но внутри храма целый мир странных, волнующих образов. На капителях и у подножия колонн, на окнах, на рельефах стен и дверей романских соборов гнездятся и кентавры, и львы, и полуящеры-полуптицы, и всякого рода химеры. Эти существа – символ тёмных сил, заполняющих вселенную, и наличие которых сознание средневекового человека объяснить было ещё не в состоянии. Суть этих образов — очень древняя: они пришли в романское искусство из языческих народных культов, из мифов, сказок, басен.
Романский стиль сменяет готика, рождение которой теснейшим образом связано с развитием городской средневековой культуры. Готика – один из двух ведущих художественных стилей европейского средневековья, получивших распространение в XII-XIV веках, тяготевший к лёгкости, изяществу и декоративности. Готика – символическое воплощение невесомости, лёгкости, полёта. Готический собор – это и символ единения небесного и земного, и олицетворение богатства и состоятельности города. Название это условно: оно появилось в эпоху Возрождения и означало “искусство готов”, то есть варваров. Готические здания и храмы со стреловидными арками и окнами, башенками и шпилями как бы устремлялись вверх, к небу, к Богу, вырываясь из тесных и грязных средневековых улочек. Готическое строение с высокими потолками было наполнено воздухом. Через большие, часто занимавшие почти всю поверхность стен окна с цветными витражами во внутренние помещения проникали снопы солнечного света, переливавшиеся всеми цветами радуги и воплощая божественный свет. Все это в сочетании с органной музыкой создавало у верующих в храме особое эмоционально-экзальтированное состояние: устремленность всех линий к небу, дематериализация камня должны были воздействовать на человека таким образом, чтобы вызвать у него ощущение присутствия в ином, по отношению к земному, мире.
Культура XVII века представляет особый интерес с точки зрения великих стилей, посредством которых осуществлялось самовыражение основополагающих идей времени. Речь идёт о барокко и классицизме. Оба стиля сформировались в недрах культуры Ренессанса, но имеют совершенно разную идейную и символическую основу.
Эпоха барокко наступила в результате глубокого духовного и религиозного кризиса, вызванного Реформацией. Католическая церковь, стремясь отстоять свои позиции, начинает ещё большее внимание уделять декорированию и храмов, и самой службы. К тому же, всё более популярным и массовым становится театральное искусство. Всеобщее увлечение театром и пристрастие ко всему театральному рождают соответствующее отношение к жизни как к театру. Шекспировские слова: “весь мир – театр, а люди в нём – актёры” из комедии “Как вам это понравится”, можно отнести ко многим крупным произведениям европейской литературы и живописи. Театральность стала объединяющим барокко и классицизм моментом. На картинах крупнейшего представителя барокко П.-П. Рубенса нередко можно увидеть красный бархатный занавес, гармоничнейшим образом сосуществующий с реалистическим пейзажем. (Картины “Три грации”, “Вирсавия”). На полотнах представителя классицизма Н. Пуссена действие уподоблено сцене из спектакля, созданного в традициях классицистской эстетики, где всё и все занимают строго отведенное место на авансцене. Барокко – основное стилевое направление в художественной культуре Европы к. XVI – сер. XVIII вв., тяготеющее к торжественности, пышности, композиционному разнообразию и динамичности форм. Однако барокко, при всей очевидности эстетических признаков, на удивление разнообразно и всякий раз неповторимо. Классицизм – направление в художественной культуре XVII – нач. XIX веков, обратившееся к эталонам древнегреческой классики как к норме и идеальному образцу, культивирующее строгость, прямолинейность, гармоничность, упорядоченность, рождался как самый рациональный, идеологизированный и теоретически обоснованный стиль. Большого разнообразия внутри этого стилевого направления не подразумевается.
Искусство барокко стремилось непосредственно воздействовать на чувства зрителей. Сам термин “барокко” произошел от португальского слова, обозначающего жемчужину причудливой формы. Первым применил термин “барокко” швейцарский историк середины XIX века Я. Буркхардт. Он употребил его в пренебрежительном смысле (“вычурный”), но слово прочно вошло в язык истории искусства. Действительно, и архитектурному, и изобразительному, и литературному, и музыкальному искусству барокко присущи фантастичность, фееричность, карнавальность, наряду с интеллектуальностью и эмоциональностью. Человек в искусстве барокко представлен уже не просто центром Вселенной, как в высоком и позднем Возрождении, а многоплановой личностью со сложным миром переживаний, вовлеченной во все конфликты жизни.
Произведения эпохи барокко поражают нас своей вызывающей красотой и великолепием, но тень печали и грусти просматривается в искусстве барокко с самого начала. Любовь к театру и сценической метафоре обнажает осознание того, что в жизни всё иллюзорно. Название пьесы испанского драматурга Кальдерона “Жизнь есть сон” не менее символично, чем вышеприведенное изречение одного из шекспировских героев. Краткая и хрупкая жизнь, эта “юдоль плачевная” — не более чем иллюзия. Но именно осознание того, что жизнь окончится как сон, открывало ее истинный смысл и ценность.
В архитектуре прямые линии уступили место извилистым и ломаным. Украшения приобрели большую роль и изощренность. Пространство помещений иллюзорно расширялось благодаря беспокойной игре светотени. Широко применялись зеркала для создания иллюзии бесконечного пространства. Осуществлялись широкомасштабные проекты, например, ансамбль площади собора св. Петра в Риме, спроектированный Лоренцо Бернини. В России стиль барокко был взят на вооружение петербургским зодчим В. Растрелли (Екатерининский дворец в Царском селе, Смольный монастырь) и московским архитектором Д. Ухтомским (Красные ворота, колокольня Троице-Сергиевой лавры). Живопись барокко представлена творениями итальянцев Караваджо, Тинторетто, Тьеполо, испанских художников Эль Греко, Веласкеса и Сурбарана, полотнами фламандского художника Рубенса и голландца Рембрандта.
В музыке барокко характеризуется усилением драматического звучания, стремлением воплотить душевные переживания человека, утверждаются новые музыкальные приёмы и эффекты. Формируется новый музыкальный жанр – опера. Начало было положено “Камератой” — объединением поэтов и музыкантов, стремившихся возродить античную трагедию и воплотить ее черты в новом театрально-музыкальном жанре. Популярными становятся и две формы инструментальной музыки: концерт и соната. Оркестровое исполнение рассматривается как максимально выигрышная форма передачи типичных для барокко контрастных эмоциональных состояний. В концерте инструменты словно соревнуются друг с другом. Впоследствии А. Вивальди создаёт концерт для солирующего инструмента (чаще всего скрипки) с оркестром. Получилось как бы соревнование солиста с оркестром, или личности с миром.
Для теоретиков и мастеров другого великого стиля XVII века — классицизма – язык барокко казался неправильным. С точки зрения хорошо сформулированных и взвешенных норм классики он отличался запутанностью и неясностью. Один из противников барокко с досадою воскликнул: “Будь проклято то великолепие, в котором нет ясности!”.
Величие этого стиля более всего представляет культура Франции XVII века. Равновесие сил дворянства и буржуазии порождало веру в государство как “разум нации”. Эстетика классицизма была основана на принципе “облагороженной природы” и отражала стремление к идеализации действительности. Важнейшим звеном, связывающим классицизм с искусством зрелого Ренессанса, было возвращение в искусство, и в первую очередь в театр, сильного, деятельного героя. Этот герой должен был, исполняя долг перед государством, подчинять свои личные страсти разуму, который направлял его волю к соблюдению норм морали и выполнению долга перед государством. Именно эта объективно существующая мораль была той общественной силой, которая должна была стать “разумом” героя, воодушевлять и направлять его поступки. Нормой языка трагедии была возвышенная, поэтическая речь определенного стихотворного размера (так называемый александрийский стих). Согласно традиционной эстетике классицизма комедия была жанром более низкого порядка, чем трагедия. Рассчитанная на изображение повседневной жизни и заурядных людей, она не имела права касаться вопросов высокой идеологии и изображать возвышенные страсти. Трагедия же не должна была опускаться до обыденной тематики и делать героями людей низкого происхождения. Реальная жизнь могла быть представлена только через сюжеты из античной, библейской или, в крайнем случае, – средневековой мифологии. Таким образом, сословная иерархия отразилась на иерархии жанров. Наиболее известными мастерами классицистской трагедии были П. Корнель и Ж. Расин, а комедиографом – Ж. Б. Мольер.
Архитектура классицизма возродила древнегреческие ордеры во всей их гармонической целостности и величавой, умиротворённой красоте. Архитектурные ансамбли, такие, например, как дворцовый комплекс в Версале, должны были стать символом гармоничности и сбалансированности мироздания, внушить идею о незыблемости всего сущего, в том числе и социального строя.
Традиции барокко и классицизма продолжили своё существование и в XVIII веке.
Особенно интересное воплощение они нашли в русском искусстве и архитектуре. Государственная политика создания великой мировой державы, начатая Петром I, нашла символическое отражение в величавых дворцово-административных комплексах, созданных с использованием элементов обоих стилей в XVIII – начале XIX века.
Западноевропейское искусство в XVIII в. находилось в стадии пересмотра всех существовавших ранее ценностей. Художественным стилем, сформировавшимся во Франции во 2-ой пол. XVIII века и отразившим вкусы двора Людовика XY и аристократии, стал рококо. Рококо родился из скуки, царившей при дворе Людовика XV, и является символом пресыщенности и меланхолии. Некоторые исследователи рассматривают его как вырождающееся барокко, лишённое внутреннего темперамента и красочности. Такой взгляд вполне правомерен с точки зрения динамики, ритма, взаимоотношений целого и части. Действительно, рококо как бы переводит криволинейные построения барокко в новый регистр звучания, более камерный, изящный и нежный. Рококо разыгрывает на стенах и потолках интерьеров орнаментальные симфонии, сплетает кружевные узоры. При этом рококо достигает вершин виртуозности, изящества и блеска, но полностью утрачивает барочную монументальность, основательность и силу. Собственная сфера рококо — убранство интерьера. Рокайльные живопись и скульптура избегали обращения к драматическим сюжетам, носили откровенно эротический характер. Плоскость стены разбивалась зеркалами и декоративным панно в асимметричном причудливом обрамлении, состоящем из завитков, — ни одной прямой линии, ни одного прямого угла. Искусство рококо строилось на асимметрии. Каждую вещь рококо наряжает, покрывает гирляндами завитков, инкрустациями, узорами. В живописи стиль рококо наиболее ярко воплотил Франсуа Буше.
В конце XVIII века на смену приземлённости и прозаичности Просвещения пришла эмоциональность, экзальтированность и иррациональность романтизма. Победа буржуазной революции не привела к наступлению ожидавшегося царства справедливости и разума. Произошла резкая переориентация общественной психологии. Стал очевиден интерес не к внешней, общественной, деятельности человека, а к внутреннему, духовному, эмоциональному миру личности. Наступила эпоха романтизма, короткий, но яркий и значимый период в истории и философии культуры. Романтизм – идейно-художественное направление в европейской культуре начала XIX века, связанное с абсолютизацией чувственного начала и интересом к неординарным проявлениям человеческого существа и жизни. Это одно из самых сложных и внутренне противоречивых явлений в истории европейской культуры. Романтизм в литературе, изобразительном искусстве и музыке символизировал интерес к необычному и экстремальному, ставил во главу угла воображение, эмоциональность и творческую одухотворенность художника. И человек, и природа изображались в моменты максимального эмоционального напряжения. Гремел гром, сверкала молния, бушевало море, а люди представали либо ангелами, либо злодеями. Всё устраивало, кроме усреднённости. Эмоции и интуиция превалировали над рациональностью, индивидуальные качества отдельного человека — над обезличенным обществом, естественная природная непосредственность — над классической строгостью и сдержанностью. Романтизм воспевал красоту. “Красота – это правда, правда – это красота”, – провозгласил английский поэт Дж. Китс, подытожив верования современников. Интерес к народным традициям уживался с тоской по прекрасному прошлому. Существовал культ героических личностей. Часто звучала тема смерти. Популярны были мистические мотивы.
Романтики верили в то, что чувства составляют более глубокий пласт души, чем разум и, подобно ему, способны создавать новый порядок, новую культуру. Ход развития бытия в представлении романтиков определялся духовной деятельностью отдельной личности. Это было серьезным изменением гражданского общественного идеала. Для романтиков проблема личности — центральная. Познание мира — это, прежде всего самопознание. Романтизм был не только “школой в поэзии”, но и “школой в философии”. Его становление проходило при непосредственном участии таких философов, как Фридрих Шеллинг, Фридрих и Август Шлегели и др.
В литературе романтические традиции нашли отражение в творчестве В. Скотта, Дж. Г. Байрона, Ф. Шиллера, Г. Гейне, В. Гюго, В. Жуковского, К. Рылеева и многих других. Под впечатлением романтической эстетики написаны поэмы и сказки А.С. Пушкина, поэмы и пьесы М.Ю. Лермонтова, ранние произведения Н.В. Гоголя. В изобразительном искусстве среди романтиков такие замечательные художники, как Т. Жерико, Э. Делакруа, К.Д. Фридрих, К. Брюллов, И. Айвазовский, С. Щедрин, О. Кипренский и др.
Очень ярко проявились традиции романтизма в музыкальном искусстве: Г. Берлиоз, М. Глинка, Ф. Шопен, Р. Вагнер, Ф. Шуберт, Ф. Шуман, Ф. Лист, Н. Паганини и др.
Во второй половине XIX в. на смену романтизму пришли другие стилевые направления, среди которых самым мощным был реализм. Реализм – идейно-художественное направление в культуре XIX века, связанное со стремлением осмыслить действительность во всей ее полноте и разнообразии, отобрав при этом наиболее существенные и типические черты.
В более строгом смысле реализм обозначает движение в европейской искусстве и литературе середины XIX в., возникновение которого явилось ответной реакцией на романтическую экзальтированность. Реализм стал символом уравновешенного, спокойного, критически взвешенного взгляда на жизнь и на место в ней человека. Реализм не допускает абсолютизации, а авторы, если и не могут скрыть своей симпатии к чему-либо или к кому-либо, то делают это крайне тактично и ненавязчиво.
В произведениях реалистов предстает широкая панорама общественной жизни и проблем XIX – начала XX столетий. Реализм тщательно изучал обстоятельства жизни своих героев. Наиболее полное выражение он нашел в социальном романе и эпически точно отражающих болевые моменты времени “жанровых” живописных произведениях. Писатели и художники реалисты, в отличие от романтиков, признавали ценность “низкой” действительности, стремились изучить ее и всесторонне изобразить в типических образах и обстоятельствах. Имен здесь можно привести множество. Ограничимся самыми крупными. Это писатели О. де Бальзак, Ч. Диккенс, У.М. Теккерей. Это целая плеяда русских писателей от А.С. Пушкина до А.М. Горького. К реалистическим произведениям относятся такие шедевры, как “Евгений Онегин” Пушкина, “Герой нашего времени” Лермонтова и “Мёртвые души” Гоголя. Это романы И.С. Тургенева, И. А. Гончарова, М.Е. Салтыкова-Щедрина, Н.С. Лескова, поэмы Н.А. Некрасова, пьесы А.Н. Островского, А.В. Сухово-Кобылина, рассказы, повести и пьесы А.М. Горького и т.д. В живописи – это произведения Г. Курбе и О. Домье, работы П. Федотова и большинства художников передвижников: И. Крамского, В. Перова, В. Сурикова, И. Репина, Н. Ге и др.
Важным направлением в европейской художественной культуре конца XIX в. был также натурализм – идейно-художественное направление в европейской культуре последней трети XIX века, характеризующеся повышенным вниманием к среде обитания людей и настаивающее на предопределенности человеческих пороков влиянием среды. Возникновение натурализма было сопряжено со стремлением писателей внести в литературу методы строго научного исследования действительности, основывающегося на эксперименте, точности описания и документальности. Натурализм исходил из положения, что судьбы людей предопределены наследственностью, средой и общественными отношениями вне зависимости от их воли. Своей философской основой натуралисты избрали позитивизм. Их эстетика созвучна философии Огюста Конта, требовавшего сугубо эмпирического изучения действительности и отказа от обобщений, а также – теориям Ипполита Тэна. В своей “Истории английской литературы” Тэн утверждал, что для понимания художника важнейшее значение имеют три фактора: среда, в которой формируется и творит художник, исторический момент, на который приходится его творчество, и раса — особенности национального склада творца. Глашатаями натурализма выступили братья Ж. и Э. Гонкуры, а наиболее ярким представителем стал Э. Золя. В 1868 году писатель приступил к созданию двадцатитомной серии “Ругон-Маккары”, которую предваряет характерный подзаголовок: “Биологическая и общественная история одной семьи в эпоху Второй империи”.
Художественно-изобразительной системой, которая не копировала, а воспроизводила действительность в соответствии с определенным спонтанно возникшим впечатлением стал импрессионизм. Импрессионизм, сформировавшийся во Франции в конце 60-х – начале 70 гг., стремился запечатлеть мир во всей его подвижности и изменчивости. Интересом к воспроизведению среды обитания героя, а не самого героя, импрессионизм напоминал натурализм. Название произошло от картины К. Моне “Впечатление” (1867 г.). Импрессионисты были уверены, что темой и сюжетом картины может быть непосредственное впечатление от увиденного. Состояние атмосферы, воздух — единственный реальный сюжет картины. Дождь, ветер, интенсивность солнечного освещения – всё это неузнаваемо изменяет объект изображения и впечатление меняется. Именно эту изменчивость и стремились зафиксировать импрессионисты. Импрессионизм — это не философия и не техника, это новое художественное видение мира. Импрессионистов упрекали в субъективном и непонятном для остальных взгляде на мир. Но их цветовое видение мира не было чисто субъективным. Оно отражало реально существующие природные оптические законы.
Художники, которых обычно называют постимпрессионистами (“те, кто пришел после”) – П. Сезанн, В. ван Гог, П. Гоген не были связаны ни общим методом, ни общей программой. Каждый их них — яркая индивидуальность. Постимпрессионизм – направление в искусстве конца XIX века, возникшее как реакция на импрессионизм, объединяющее ищущих свою художественную стилистику художников, не связанных единством целей и программы. Постимпрессионизм интересен особым вниманием к форме, к декоративной стилизации, символикой использования цвета, новыми приёмами построения пространства и объёма.
Ещё одним значительным идейно-художественным направлением конца XIX века стал символизм. Символизм – идейно-художественное направление в европейском искусстве рубежа XIX-XX веков, использующее в качестве выразительных средств разнообразные символы: образы-символы, идеи-символы и т.д.
Сформировался символизм во Франции в 80-е годы. В манифесте, написанном поэтом Ж. Мореасом (1886), символисты объявили себя певцами “заката”, “упадка”, “гибели”, художниками безнадежности и разочарования. Внешний образ мира, “видимость” символисты противопоставляли внутренней сущности и говорили, что свою задачу они видят в познании и художественном воспроизведении сущности, которую можно постичь с помощью поэтической интуиции, а не логики. Художники-символисты противостояли реализму и импрессионизму и стремились выразить настроение и идеи через символику цвета, линии и формы. Сюжеты их произведений были, как правило, мифологическими, мистическими или фантастическими. Поэты-символисты использовали слова в их символическом, переносном значении, создавая систему образов-символов. А. Рембо, например, пытался согласовать лирику с живописью и в знаменитом “Цветном сонете”, подыскивал цветовые эквиваленты гласных (А — черный, Е — белый, И — красный, У — зеленый). Возникнув во Франции, символизм быстро распространился по Европе. Очень интересно и разнообразно проявляются символистические традиции в русской культуре рубежа веков. Такого количества гениальных представителей эстетики символизма не дала миру ни одна культура. Девизом своим они считали тютчевскую строку “мысль изреченная есть ложь”, и только интуитивно воссоздаваемые образы отражают истину о человеческой душе. Поэтов-символистов объединяло общее миропонимание и видение задач поэтического языка. Наряду с требованиями “чистого”, “свободного” искусства символисты превозносили индивидуализм, воспевали таинственный мир подсознания. “Настанет день конца Вселенной. И вечен только мир мечты”, — утверждал теоретик русского символизма В. Брюсов. Символизм расширил, обогатил поэтические возможности стиха, что вызывалось стремлением поэтов передать необычность своего мироощущения “одними звуками, одними образами, одними рифмами” (Брюсов). Символисты презирали быт с его духовной бедностью. Реальному миру они противопоставляли умозрительные образы идеальной недостижимой красоты. Этим они отличались от романтиков, которые верили в возможность воплощения своих идеалов. Среди русских символистов были А. Блок, А. Белый, К. Бальмонт, В. Иванов, Ф. Сологуб и др.
В архитектуре после барокко и классицизма наиболее интересным направлением стал модерн (арт нуво) – архитектурно-художественный стиль рубежа XIX-XX веков, использовавший наиболее интересные приемы предшествующих стилей для достижения впечатления изящества, гармоничности, нетрадиционности образцов архитектуры и декоративно-прикладного искусства. Для модерна характерно выявление функционально-конструктивной основы здания, разрушение канонов ордерной эклектики, вообще отрицательное отношение к классическим традициям ордерной архитектуры, использование пластических возможностей “ковкости” (и отсюда широкое введение кривых линий) металла и особенностей железобетона, применение стекла и майолики. Все это, несомненно, привело к новому образу типичных построек времени, таких как доходные дома, богатые особняки, банки, театры, вокзалы. Но для модерна характерна и склонность к иррационализму, как, например, в творчестве знаменитого испанского архитектора А. Гауди – собор Ла Саграда Фамилиа (1883-1926, Барселона).
Стиль модерн, несмотря на кратковременность своего расцвета, оказал неизгладимое воздействие на русскую архитектуру. Радикально изменился облик русских городов: особняки и доходные дома в стиле модерн, деловые и торговые сооружения сообщили совершенно новый характер историческим центрам городов, сложившимся в XIX веке, придав им новый масштаб и цветовое решение. Стремление к синтезу искусств, присущее модерну, необычайно расширило выразительность архитектуры. Если в столичном Петербурге одним из самых распространенных типов архитектуры “нового стиля” был доходный дом, то в Москве, по традиции, ведущим остался частный особняк, претерпевший в эпоху модерна серьезную трансформацию. Это можно увидеть на примере лучших творений Ф. Шехтеля – особняк С. Рябушинского (ныне дом-музей А.М. Горького), особняк З. Морозовой (ныне – Приёмная МИД России), здание Ярославского вокзала в Москве и др.
<< Предыдущая - Следующая >>