ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ИСКУССТВА

Музыкальные жанры

Музыкальные жанры — это различные виды музыкальных произведений, сложившихся в той или иной жизненной обстановке. В далеком прошлом почти все музыкальные произведения были теснейшим образом связаны с бытом, их породившим. Разные виды песен, например: трудовые, игровые, обрядовые, колыбельные, хороводные, плясовые, сопровождали труд и быт народов. Издавна охотники и птицеловы играли на рожках и дудочках, искусно подражая голосам зверей и птиц. Боевая, ратная музыка воодушевляла воинов в битвах за родную землю.

Многочисленны и разнообразны вокальные жанры, связанные со словом, поэтическим текстом, звучанием человеческого голоса. К старейшим вокальным жанрам относятся различные песни.

Отличительная черта почти всякой песни — многократное повторение напева. Основная мелодия может сохраняться в том же виде, но каждый раз меняющийся поэтический текст придает ей новые выразительные оттенки. Песни исполняются певцами в сопровождении инструментов, а нередко и без аккомпанемента. Однако даже самый простой аккомпанемент усиливает выразительность песенной мелодии, ее полноту и красочность, дорисовывает образы поэтического текста, которые не удается передать в напеве. Так, в песне Глинки «Жаворонок» слышится птичий щебет, в балладе «Лесной царь» Шуберта — стремительная скачка коня.

Наряду с песней излюбленным жанром вокальной лирики в XIX в. стал романс — произведение для певца-солиста с инструментальным сопровождением. Многие романсы сложнее песен: мелодии их бывают не только широкого, песенного склада, но и напевно-декламационными («Я не сержусь» Шумана).

В романсах можно встретить и ярко контрастное сопоставление музыкальных образов («Ночной зефир» Глинки и одноименный романс Даргомыжского), и напряженное драматическое развитие («Я помню чудное мгновенье» Глинки).

Ряд вокальных сочинений, объединенных художественным замыслом в единое целое, составляет вокальный цикл (например, циклы Шуберта «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь» или цикл Шумана «Любовь поэта»).

Существуют вокальные произведения для двух, трех и более исполнителей. Это вокальные ансамбли (дуэты, трио, квартеты, квинтеты и т. д.) и хоры — произведения для большого певческого коллектива. Хоровые сочинения делятся на две большие группы — с инструментальным (или оркестровым) сопровождением или без него (a cappella). Широкую известность получили хоры советских композиторов Свиридова, Шебалина, Тормиса. Хоры могут входить в состав оперы, кантаты, оратории и даже симфонических произведений (хор на оду Шиллера «К радости» в финале Девятой симфонии Бетховена).

Кантата — довольно развернутое произведение для певцов-солистов, иногда и для хора с оркестром. Кантаты бывают лирические, повествовательные, торжественные, сочиненные в честь какой-либо юбилейной даты или общественного события. Советские композиторы создают кантаты на современные и исторические темы («Кантата к Двадцатилетию Октября» и «Александр Невский» Прокофьева, «Над Родиной нашей солнце сияет» Шостаковича).

Оратория — большое музыкально-драматическое произведение. Она напоминает оперу, но исполняется в концертах без декорации, театральных костюмов и сценического действия («На страже мира» Прокофьева на тексты Маршака, «Патетическая оратория» Свиридова на стихи Маяковского).

Опера — музыкально-драматическое произведение для театра, в котором разговорная речь полностью или в значительной мере заменена пением. Опера является особым, синтетическим жанром (см. ст. «Оперный театр»).

Инструментальные жанры в большинстве своем развивались позже вокальных. На протяжении многих столетий они сохраняли связь с бытом средневековых городов, им было присуще прикладное, служебное значение. Музыканты сочиняли военные и охотничьи сигналы, музыку для парадов и походов, для религиозных процессий, танцы для придворных и городских балов.

Позднее, с постепенным развитием и усложнением общественной жизни, с расширением идейного кругозора людей, возникает потребность в более глубоких по содержанию музыкальных произведениях самостоятельного художественного значения. В XVII в. формируются новые виды инструментальных произведений : соната, концерт, позднее — симфония. Великие немецкие композиторы Бах и Гендель, обращаясь к ритмической поступи тогдашних старинных танцев (таких, как аллеманда, сарабанда, менуэт и др.), создают инструментальные и оркестровые пьесы, уже не предназначенные для танцев.

Инструментальные жанры классической музыки образуют две группы: камерную и симфоническую.

Камерная музыка (буквально «комнатная») рассчитана на исполнение перед сравнительно небольшим кругом слушателей солистом или небольшой группой музыкантов. Камерные произведения — это либо пьесы для солирующих инструментов: песни без слов, вариации, сонаты, сюиты, прелюдии, экспромты, музыкальные моменты, ноктюрны, либо разнообразные инструментальные ансамбли: трио, квартет, квинтет и др., где участвуют соответственно три, четыре, пять инструментов и все партии одинаково важные, требуют от исполнителей и композитора тщательной отделки.

Одна из старейших форм инструментальной музыки, по своему происхождению связанная с народным творчеством, — тема с вариациями. Вариации построены на развитии и видоизменении основной музыкальной мысли-темы. Варьируются (видоизменяются) отдельные мелодические обороты, ритм и характер сопровождения. И таким образом, одна за другой появляются все новые вариации (например, фортепианные «Шесть легких вариаций на тему швейцарской песни» Бетховена).

Другая старинная форма музыки — сюита. В сюите чередуются танцы и другие пьесы, противоположные по своему характеру, темпу, ритму. Во второй половине XVIII в. контрастные последования веселых и лирических пьес для инструментальных ансамблей или оркестра получили название дивертисмент и серенада (Гайдн, Моцарт). Они складываются из чередования быстрых и медленных пьес; из старинных танцев в них сохраняются менуэт и жига.

В конце XVII в. в творчестве итальянских композиторов-скрипачей складывается новая музыкальная форма — соната (итальянское sonare — «звучать»). Чаще всего раннеклассическая соната начиналась медленной величавой музыкой, за нею следовала стремительно быстрая, энергичная пьеса. И снова звучала медленная, лирически выразительная мелодия. Оживленный финал строился на ритмах народных танцев — жиги или сальтареллы. Такого рода сонаты для двух скрипок и баса сочиняли Корелли, Гендель и Бах.

Классические образцы сонат для одного-двух инструментов создали во второй половине XVIII в. Гайдн и Моцарт. Их сонаты состоят из двух-трех ярко контрастных частей, отличающихся структурной законченностью. Энергичную, стремительно развертывающуюся первую часть, построенную обычно на контрасте двух тем, сменяет вторая часть — медленная, певучая, часто лирического характера. Завершается соната финалом — музыкой в быстром темпе, но иной по характеру, чем первая часть. Иногда вместо медленной части появлялась танцевальная пьеса — менуэт. Бетховен писал многие свои сонаты и в четырех частях, помещая между медленной частью и финалом характерную пьесу оживленного темпа — менуэт или скерцо (итальянское scherzo — «шутка»). Некоторые сонаты начинаются медленной музыкой (например, Четырнадцатая соната Бетховена для фортепиано, известная под названием.

Симфоническая музыка в отличие от камерной исполняется в больших помещениях и предназначена для симфонического оркестра. В ней широко используются выразительные особенности различных инструментов (см. ст. «Рассказ о музыкальных инструментах»). Симфонические произведения характеризуются глубиной и многогранностью содержания, нередко грандиозностью масштабов и вместе с тем доступностью музыкального языка.

Жанры симфонической музыки разнообразны. На первом месте стоит симфония. Подобно сонате, она состоит из нескольких контрастных частей (чаще всего из четырех). Их можно сравнить с главами романа или повести, с актами театральной пьесы.

Прекрасная музыка классических и лучших современных симфоний воссоздает сложный духовный мир человека, его борьбу с жизненными препятствиями, освободительное движение народных масс, мечты о счастье, красоту природы, яркие картины народного быта. Таковы симфонии Гайдна, Моцарта, Бетховена, Шуберта, Чайковского, Бородина, Глазунова, Скрябина, Мясковского, Прокофьева, Шостаковича, Малера, Онеггера.

С симфонией во многом сходен концерт — циклическое, обычно трехчастное (иногда одночастное) произведение для солирующего инструмента (фортепиано, скрипки, виолончели, флейты, трубы и др.) и симфонического оркестра. Исполнение многих концертов требует от солиста высокого мастерства, виртуозности. Солист и оркестр словно бы состязаются друг с другом: оркестр то смолкает, завороженный страстностью чувства или изяществом звуковых узоров в партии солирующего инструмента, то как бы перебивает его, споря с ним, то торжественно-мощно подхватывает его тему.

Впервые концерты появились в XVII в. в связи с энергичным развитием исполнительского искусства.

Выступает Государственный академический русский народный хор имени М. Е. Пятницкого. Хор был организован исполнителем и собирателем русских народных песен музыкантом М. Е. Пятницким в 1910 г. Репертуар хора разнообразен — от народных песен, частушек и припевок до вокально-хореографических сюит и композиций.

Создателями классического инструментального концерта явились Вивальди, Бах, Гайдн и Моцарт. Замечательные концерты для различных инструментов с оркестром написали Бетховен, Шопен, Шуман, Паганини, Брамс, Лист, Григ, Дворжак, Чайковский, Глазунов, Рахманинов, Прокофьев, Шостакович, Хачатурян, Кабалевский, Хренников, Караев.

Многие симфонические произведения относятся к так называемой программной музыке, их заголовки ярко образны («Утро», «В пещере горного короля» Грига, «Ночь в Мадриде» Глинки, «В Средней Азии» Бородина). Нередко они носят название известного литературного произведения («Фауст-симфония» Листа, увертюра «Эгмонт» Бетховена, увертюра «Сон в летнюю ночь» Мендельсона). В некоторых программных произведениях широко используются приемы музыкальной изобразительности. Излагая основной замысел произведения в литературном предисловии — программе, композиторы стремились сделать свое произведение более доступным для слушателей (симфоническая фантазия «Франческа да Римини» и симфония «Манфред» Чайковского).

Жанры симфонических произведений разнообразны. Увертюра — оркестровая пьеса, призванная служить вступлением к опере, балету, драме. Однако увертюра нередко является и самостоятельным концертным произведением («Праздничная увертюра» Будашкина). По своей образности и форме многие классические увертюры близки к первым частям симфоний.

Симфонические фантазии — произведения довольно свободной формы («Камаринская» Глинки, «Франческа да Римини» Чайковского). Симфонические поэмы — одночастные произведения программного характера («Тамара» Балакирева, «Стенька Разин» Глазунова). Программный характер присущ и многим симфоническим сюитам («Шехеразада» Римско-го-Корсакова). Некоторые симфонические сюиты составлены из музыки к драматическим пьесам («Арлезианка» Визе, «Пер Гюнт» Грига), из музыки к балетам («Лебединое озеро» Чайковского) и операм («Снегурочка» Римского-Корсакова), а в наши дни — и к звуковым кинофильмам («Поручик Киже» Прокофьева).

Симфоническая музыка — одно из замечательных явлений мировой культуры. В неисчерпаемо разнообразных сочетаниях музыкальных образов композиторы-классики и наши выдающиеся современники с большой художественной силой воссоздают различные стороны действительности.

Музыкальные жанры не остаются неизменными на протяжении веков. Они обновляются и развиваются. Появляются новые жанры: музыка к кинофильмам, пионерские и комсомольские песни, песни-марши борцов за мир. Обращаясь к классическим формам и жанрам, современные композиторы наполняют их новым содержанием. Глубоко драматическая Седьмая симфония («Ленинградская») Шостаковича рассказывает о героической борьбе советского народа с фашистскими захватчиками в годы Великой Отечественной войны. В Одиннадцатой симфонии Шостаковича отражена суровая правда революционной борьбы русских рабочих в 1905 г. Появляются и произведения, вбирающие в себя особенности разных жанров (например, Симфония-концерт для виолончели с оркестром Прокофьева, Четырнадцатая симфония Шостаковича, написанная для солистов-вокалистов и симфонического оркестра).
 

В своей книге «Про трех китов и про многое другое» Д. Б. Кабалевский пишет: «Новые танцы приходили на смену старым. Одни были любимы нашими бабушками и дедушками, даже прабабушками и прадедушками, но и мы с вами продолжаем любить их: например, вальс и полька, гопак и лезгинка, русская и краковяк, многочисленные народные танцы-хороводы...

О других танцах мы знаем только по картинкам, по книжным описаниям да по лучшим образцам музыки, сохранившей и для нас свою привлекательность. Это, например, танцы XVI, XVII и XVIII веков, такие, как испанская павана, французский менуэт, английский контрданс.

И наконец, современные танцы, довольно быстро сменяя друг друга уже на наших глазах, живут рядом со старым, но вечно юным и увлекательным вальсом».

Конечно, танцы очень отличаются друг от друга — в зависимости и от страны, где родились, и от того, кто и когда их исполнял. Вот, например, аллеманда. Серьезная, неторопливая, она была очень распространена в Европе в XVII — XVIII вв. Неизвестно, где она возникла, возможно, в одном из многочисленных немецких княжеств (по-французски allemande — «немецкая»). Ясно одно: это танец «благородного происхождения». Характер его музыки идет от приветственных сигналов трубачей, звучавших при встрече князей, владетелей графств и герцогств.

Французский танец куранта (courante — «бегущая», «текущая») тоже придворного происхождения, но довольно быстрый, отличающийся сложными, затейливыми фигурами и соответствующей им музыкой.

Совсем иной танец сарабанда — медленный, величественный. Он родился в Испании и возник из торжественного траурного обряда. Это отразилось в названии (sacra banda по-испански — «святое шествие»).

Жига — старинный танец английских моряков, быстрый, веселый, непринужденный. Эти четыре танца издавна объединялись композиторами в сюиты.

Множество чудесных танцев издавна бытовало в Польше. Наиболее известными из них стали полонез, мазурка, краковяк.

Самый древний из них — полонез. В старину он назывался великим или пешим танцем. Нынешнее его название произошло от французского polonaise («польский»). Полонезом — парадным шествием открывались придворные балы. Кроме придворного существовал и крестьянский полонез, более спокойный и плавный. Излюбленным танцем была и мазурка, точнее — мазур (от названия одной из областей Польши — Мазовии). Народная мазурка с веселой, задорной, резко акцентрированной мелодией — это парный танец, в котором нет заранее придуманных фигур. В шляхетской (дворянской) мазурке было больше внешнего блеска. Третий танец — краковяк (краковяки — жители Краковского воеводства) отличается от первых двух четким размером. Все эти танцы представлены в творчестве Шопена, Слышим их мы и в опере Глинки «Иван Сусанин».

Танец полька принадлежит другому славянскому народу — чехам. Название его происходит от слова pulka — «половина», так как танцевали его мелкими шажками. Это живой, непринужденный танец, который танцуют парами по кругу. Самый любимый из чешских танцев, он звучит в опере Сметаны «Проданная невеста».

Интересная судьба австрийского крестьянского танца лендлера. Парный круговой танец, получивший название от австрийской области Ландль, он в начале XIX в. перекочевал из сел в города Австрии и Германии. Его стали танцевать на балах, и постепенно он превратился во всем известный и всеми любимый вальс.

В «Венгерских рапсодиях» Листа, в «Венгерских танцах» Брамса звучат характерные мелодические обороты, острые, ритмические фигуры. Они сразу узнаются на слух, напоминая о венгерском народном танце чардаше. Название его происходит от слова csarda — «трактир», «корчма». Венгерские корчмы издавна служили своеобразными клубами, где собирались окрестные жители. В них или на площадке перед ними и танцевали. Чардаш возник к началу XIX в., причем не в крестьянской среде, а в городе. Танец этот состоит из двух частей: медленной, патетической и подвижной, огневой пляски.

На юге Италии расположился город Таранто. Он дал название национальному танцу тарантелле. Яркостью, темпераментом отличается и южнофранцузский провансальский танец фарандола. Его участники пляшут в хороводе, держась за руки, то быстро, то медленно, в сопровождении тамбуринов и пронзительно звучащей флейточки-галубе. Прекрасную фарандолу создал Визе в музыке к драме Доде «Арлезианка» (см. ст. «Жорж Визе»).

Очень колоритны танцы Испании. Хота — любимый танец испанских провинций Арагон, Каталония, Валенсия — отличается быстрым темпом, острым ритмом, который подчеркивается щелканьем кастаньет. Это парный танец, исполняемый под гитару или мандолину. Своеобразием хоты пленился Глинка во время своего путешествия по Испании. Его оркестровая «Арагонская хота» написана на подлинную народную тему.

Другой распространенный танец — болеро (по-испански volar — «летать») более умеренный, с ритмом, напоминающим ритм полонеза.

Задорные, темпераментные народные танцы пользуются любовью у зрителей всех стран.

В России чисто инструментальная танцевальная музыка не получила столь широкого распространения: русские издавна любили петь, и все танцы — и быстрые веселые пляски, и плавные хороводы — обычно сопровождались пением. Наиболее популярная в XIX в. задорная пляска «Барыня» даже название свое получила от припева песни «Сударыня-барыня». Среди танцев других народов нашей страны известны украинский казачок (существуют также казачки кубанский и терский), быстрая, задорная молдовеняска или другой молдавский танец-хоровод — коло, известный также на Украине, в Болгарии, Чехословакии, Югославии.

Огромную популярность приобрел кавказский танец лезгинка. Музыка лезгинки — с четким ритмом и энергичными движениями — привлекла к себе внимание многих композиторов. Бурная, полная стихийной силы и страсти лезгинка звучит в опере «Руслан и Людмила» Глинки, в балете «Гаянэ» Хачатуряна.