ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ИСКУССТВА

Живопись

Живопись — один из видов изобразительного искусства, воспроизведение красками на холсте, дереве, плоскости стены и т. п. предметов и явлений реальной действительности. Как и другие виды искусства, живопись — форма отражения реального мира, средство познания жизни и общественного воспитания.

В основе живописного образа, так же как в основе образов, создаваемых другими изобразительными искусствами, лежит изображение. Живопись создает свои образы на плоскости (поверхности), это отличает ее от скульптуры. В живописи образы обычно цветные, их создают, нанося на плоскость слой красок. Это отличает живопись от графики. Краска, цвет в неразрывном единстве со светотенью и линия — главные художественные средства живописи.

Нанося на плоскость картины слой красок, художник решает две задачи. Во-первых, он стремится передать окружающий предметный мир во всем богатстве его цветового наряда. Во-вторых, он стремится выразить таким путем свое мировосприятие, свои чувства и мысли, свое мировоззрение. Обе задачи тесно связаны между собой. Нельзя просто скопировать на картине цвета природы. И яркость цветов, и их взаимодействие в природе иные, чем на картине. Чтобы создать образ цветового наряда природы, надо не скопировать, а переложить цветовое богатство природы на цветовой язык картины. Копировать цвета — ошибка. Художник ищет нужную систему отношений между красками на холсте, усиливая яркость красок цветовыми контрастами.

Положите на белый холст первый мазок краски. Он покажется вам достаточно сильным и верным по цвету, т. е. правильно скопированным. Но когда рядом лягут другие цветовые мазки, они изменят ваше восприятие первого мазка и вы, скорее всего, увидите, что он по отношению к целому не верен.

Хотя сейчас создается все больше и больше красок разных названий, их количество никогда не достигнет бесконечного разнообразия цветовых оттенков 'природы. Не помогут и бессистемные смеси красок в надежде найти похожий цвет. Опытный художник пользуется немногими красками, избегая сложных смесей и многократных перекрытий одних цветов другими, а достигает большого цветового богатства. Цвет краски у него обогащается в соседстве с другими красками.

Тициан пользовался всего пятью красками (не считая белил, которых он, впрочем, избегал), а создал много выразительных, радостных картин, приближающихся по цветовой силе и блеску к цветовой игре природы (см. ст. «Тициан Вечеллио»),

Принцип переложения цветов природы на краски картины во многом зависит от решения второй задачи живописи — создания на картине выразительного цвета, соответствующего мировосприятию художника и его отношению к данному сюжету. Еще Гёте говорил о силе эмоционального воздействия отдельных цветов и цветосочетаний.

Сияние желтых, глубина синих, живость зеленых, напор красных, сумеречность фиолетовых — вот средства эмоционального воздействия, которыми пользуется живопись.

У каждого художника свой определенный набор красок, своя система их сопоставлений и смесей, или, как принято говорить, своя палитра, и свой характерный цветовой строй картин, или колорит. Один — у Тициана, другой — у Рембрандта. Один — у Сурикова, другой — у Врубеля.

Живопись работает цветом. Цвет — основное выразительное средство живописи. Цветом передает художник свои чувства и мысли, цветом создает он образы на плоскости, формы и объемы реальных предметов.

При этом можно заметить, что разные части предмета обращены к разным предметам, их окружающим, а от этого зависит их освещение и, в конечном счете, цвет. Освещенная часть предмета, обращенная к небу, — одного цвета, а часть предмета, обращенная к земле, — другого. И повсюду на этом предмете цветные рефлексы, т. е. отсветы отраженного от цветных предметов света, которые часто выгодно усилить.

Так создаются характерные для живописи лепка цветом и игра цветовых контрастов. У живописи благодаря цвету больше возможностей передавать форму предмета и материала, из которого он сделан, чем у графики.

В передаче пространства у живописи также больше возможностей, чем у графики. Теперь доказано, что пятна цвета, положенные на плоскость, сами по себе создают ощущение пространства: одни выступают, другие уходят в глубину.

Кроме того, цвет предмета изменяется в пространстве. Эти изменения говорят об удаленности предмета и характере световоздушной среды. Дали голубеют и светлеют. Глубина комнаты не только темнее, чем ее близкие к окну части, но и другого цвета. В зелени леса создается своя пространственная цветовая среда. Линейная перспектива графики дополняется в живописи цветовой перспективой.

Графика может использовать тон, т. е. светлоту предмета и среды, освещенность, глубину тени. Живопись добавляет сюда цвет света и цвет тени, общий цвет среды. Она располагает средствами для передачи всех особенностей состояния природной среды и интерьера.

В истории живописи выработались две основные системы цветового строя картины. В одной предмет изображается цельным однородным пятном характерного для него или традиционного в данной живописной школе цвета. Иногда допускаются небольшие затемнения и высветления общего цвета предмета. Игра света и тени, отсветы отраженных лучей и другие влияния цветовой и пространственной среды отсутствуют. Так писали древнерусские живописцы, так писали итальянские мастера на пороге Ренессанса, так писали Хольбейн и Дюрер. Так написаны картины советского художника Петрова-Водкина «Купание красного коня» и «Тревога». Так писал французский художник Матисс. Принято говорить об этой системе цветового строя картины как о живописи локальным цветом. Такая живопись тяготеет к плоскости.

В картинах живописцев, придерживающихся другой системы живописи, цвет предмета сложный. Он имеет десятки оттенков, зависящих от цветовых влияний среды, т. е. от тех цветных предметов, которые находятся рядом, от отблесков отраженного света, цвета освещения, цветовой перспективы. Предмет изображается сложной системой пятен, иногда слитых друг с другом, иногда отдельных. Пространство наполняется игрой цвета. Живопись сложным цветом преодолевает плоскость, создает на ней глубину. Так писали Тициан и Веласкес, Рембрандт и Делакруа, русские художники Александр Иванов, Суриков и Валентин Серов, Кончаловский и Пластов.

Конечно, существует множество переходных форм между двумя названными системами. Стремление к передаче света и состояния среды вызвало к жизни еще одно направление в живописи — живопись крайне сложным цветом, которое было названо импрессионизмом. В картинах импрессионистов предметы теряют свою устойчивость, живут в мерцании светового потока. Однако импрессионизму нельзя отказать в красоте цвета и радостном мироощущении. Так писали французы Клод Моне и Огюст Ренуар, советский художник Игорь Грабарь.

Выразительность и другие качества цвета на картине зависят от того, как и на какую поверхность нанесен красочный слой. Чтобы холст лучше удерживал краску, его сначала пропитывают слоем клея, а затем грунтуют — наносят плотный и тонкий слой специальной смеси.

Способ наложения краски, свойства красящего вещества образуют особые своеобразные свойства поверхности. Эти осязаемые особенности поверхности, на которую ложатся краски, называют фактурой.

Фактура, так же как и почерк человека, часто позволяет установить авторство. Движения руки художника порой живо ощущаются в произведении.

Манера наложения красок позволяет понять чувства художника: главное в его замысле обычно акцентировано особенно сильными ударами кисти.

Материалы, которыми пользуется художник, также не безразличны для построения образа. По разновидностям красочных материалов обозначают основные разновидности техники живописи: темперу, фреску, масляную живопись, пастель, мозаику...

До XV в. в Европе господствовала темперная живопись и фреска. Темпера — это краска, стертая на яичном желтке или на других клеящих веществах. Разводится она водой, после высыхания не смывается. Живопись этой краской также называется темперой. Темпера была известна уже в Древнем Египте. В средние века она стала основной техникой живописи. Русские иконописцы писали темперой на досках, по левкасу, — грунту, состоящему из слоя мела, смешанного с рыбьим клеем.

Чистые, несмешанные цвета и до сих пор ясно и сильно звучат на древних иконах, выполненных яичной темперой по белому левкасу. Позже темперой стали писать на холсте по методу масляной живописи и часто в виде подмалевка, т. е. подготовительной работы для нее.

Фреска — это живопись водяными красками по сырой штукатурке. Она обычно украшает стены и потолки зданий. Создание фрески — работа исключительно трудоемкая. Рисовать нужно быстро, пока не высохла штукатурка. От художника требуется огромное мастерство, ведь в написанном ничего нельзя изменить, исправить: штукатурка быстро впитывает краску, а многослойности фреска не допускает. После высыхания фреска сильно светлеет. Ее звонкое, светлое звучание расширяет интерьер.

Живопись масляными красками, или масляная живопись, была известна уже в X в. Но широкое распространение она получила только с конца XIV — начала XV в. после того, как ее усовершенствовал великий нидерландский живописец Ян ван Эйк (см. ст. «Искусство нидерландского Возрождения»). Растертая на растительных маслах краска после высыхания сохраняет некоторую толщину и относительную прозрачность. Можно накладывать красочные слои друг на друга и играть на толщине красочного слоя: от тонкого слоя, через который просвечивает грунт, до комков плотной краски. Если фреска и акварель светлеют при высыхании, то многослойная масляная живопись часто темнеет и теряет звонкость цвета (жухнет). Особенно сильно потемнела масляная живопись, созданная после того, как вошли в моду темные грунты. Зато на холстах живописцев, которые пользовались белыми грунтами, до сих пор видно богатство красочных слоев. Такова живопись Тициана, Веласкеса, Рубенса и многих русских художников XIX и XX вв.

В эскизах Рубенса можно проследить законы типичной для его времени трехслойной масляной живописи: одноцветный подмалевок с белильными цветами, корпусное (плотное) наложение сильных цветов и лессировка — очень тонкий слой жидких прозрачных красок.

Звучание масляной живописи можно назвать симфоническим. Просвечивающие через верхние слои нижние слои краски и широкие, иногда отчетливо видные мазки сливаются в аккорды. Вблизи мы видим на многих картинах хаос красок — та плотных и тяжелых, то легких и прозрачных, а то как будто даже грязных. Но отойдите на нужное расстояние, и вы увидите, как из хаоса рождается гармония: предметы, пространство.

Гладкую фактуру не следует путать с законченностью. «Боярыня Морозова» Сурикова — великолепная законченная картина, хотя широкая свободная кладка краски, выражающая замысел художника, лишена скрупулезной детализации.

Акварель — это живопись водяными красками, растертыми на легко растворяемых водой прозрачных клеях. Она легко смывается. Нанесенная на белую бумагу, акварель светлеет; нанесенная на цветную бумагу — приобретает общий тон бумаги. Слой акварели тонок. Наложение слоев здесь не играет той роли, какую оно играет в масляной живописи. Зато большую роль в акварельной живописи играет умелое пользование водой. Существует живопись по сухой чистой бумаге, живопись по мокрой бумаге, при которой используют, затеки.

Акварель часто относят к технике графики (см. ст. «Графика»). Широко распространена, особенно в наше время, еще одна техническая разновидность живописи — мозаика. В мозаике изображение составляют из хорошо пригнанных друг к другу и укрепленных на цементе или специальной мастике кусочков природного цветного камня или кусочков цветного непрозрачного стекла — смальты.

Из других менее распространенных техник живописи следует назвать пастель — живопись специальными цветными мелками. Произведения, выполненные пастелью, так же как и акварели, могут быть отнесены и к живописи и к графике в зависимости от подхода художника и поставленных им задач.

Тициан. Портрет молодой женщины. 1530-е годы. Холст, масло. Государственный Эрмитаж. Ленинград.

В. Хеда. Завтрак с омаром. 1648. Дерево, масло. Государственный Эрмитаж. Ленинград.

В. И. Суриков. Боярыня Морозова. 1887. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея. Москва.

Каждая техника живописи имеет свои преимущества. Глубина масляной живописи, ясная цветность темперы, прозрачность красочного слоя акварели, значительность мозаики, бархатистость пастели — все эти качества важны для живописного образа.

По назначению живопись делится: на монументальную, станковую, декоративную, декорационную, или театральную, миниатюру.

Живопись, существующая независимо от других искусств и имеющая самостоятельное значение, называется станковой. Это картина, завершенная в границах, подчеркнутых рамой и отделенная ею от стены. Такая картина образует свой независимый от архитектурного окружения мир и может быть перенесена в другое помещение. Станковая живопись выполняется масляными красками, акварелью, пастелью.

Монументальная живопись — это живопись, связанная с архитектурой. Она заполняет стены, своды и потолки общественных зданий, украшая и обогащая архитектурные произведения. Такая живопись должна быть долговечной, чтобы вместе со зданиями существовать века. В прошлом в основном расписывали царские дворцы, дома знати, храмы; сейчас — Дворцы культуры, Дворцы пионеров, вокзалы, стадионы, санатории.

Монументальную живопись видят многие, она рассчитана на широкие массы, поэтому очень важно, чтобы она выражала передовые идеи своего времени, воспитывала у зрителей художественный вкус.

Основные техники монументальной живописи — фреска, мозаика и витраж (изображение, выложенное из небольших кусочков прозрачного цветного стекла, соединенных по рисунку пайкой из свинца; витражи вставляются в проемы окон).

Театральная живопись создается для оформления спектакля. У нее свои законы. Это по преимуществу темперная живопись, рассчитанная часто на цветное освещение.

Декоративная живопись украшает различные предметы и архитектурные произведения (см. ст. «Декоративное искусство»). В архитектуре часто соседствуют монументальная сюжетная и декоративная живопись.

Первоначально миниатюрой называли живописное украшение в рукописных книгах. Далее название «миниатюра» перешло и на живопись малых размеров, преимущественно портретную. Такая живопись была особенно распространена в XVIII в.

В России мастерами портретной миниатюры были В. Л. Боровиковский, Г. И. Скородумов. Тончайшим мастерством отличается советская миниатюра народных художественных промыслов в Палехе, Мстёре и в других местах.

По содержанию живопись делится на жанры. Важнейшие из них — бытовой, исторический, портрет, пейзаж, натюрморт.

На протяжении столетий живопись в своем развитии претерпевала множество изменений. Еще древние египтяне изображали на стенах храмов и дворцов различные бытовые сценки, животных, растения. Это были первые шаги бытового жанра.

В эпоху античности существовала вазовая живопись, сюжетами которой были сцены из различных мифов. Именно тогда родился мифологический жанр. Кроме того, в античной живописи нередко изображались сцены, связанные с повседневной жизнью, и архитектурные сооружения.

В I в. до н. э. — IV в. н. э. на территории Египта на лица умерших стали класть не маски, как раньше, а портреты, написанные на досках или холстах красками, растертыми на воске (такая техника живописи называется энкаустикой). Так в живописи возник портретный жанр. (Позднее эти портреты стали называть фаюмскими — от Фаюмского оазиса в Египте, где они впервые были найдены.)

В длительный период средневековья в европейской живописи начинает складываться религиозно-мифологический жанр, создаются произведения религиозного содержания. Существовала в это время и светская живопись, она была призвана украшать дворцы знати. По преимуществу это были портреты. Иногда светская живопись проникала и в храмы — на алтарных картинах на библейские сюжеты рядом со святыми стали изображать и реальных людей.

В эпоху Возрождения к уже существующему религиозно-мифологическому, собственно мифологическому и портретному жанрам прибавляются исторический жанр, пейзаж и натюрморт (французское слово «натюрморт» в буквальном переводе означает «мертвая природа»). В произведениях жанра, именуемого натюрмортом, изображают различные неодушевленные предметы: домашнюю утварь, плоды, цветы, битую дичь. Родиной натюрморта считают Голландию (см. ст. «Голландское искусство»).

Существует также батальный жанр. Произведения батального жанра изображают события войны. В советском искусстве получили развитие все классические жанры живописи (за исключением религиозно-мифологического), возникли также и новые, в частности историко-революционный жанр.